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Particularmente, la primera década de los años 2000 comienza con la renovación de dos subgéneros del rock progresivo y se marca la transición hacia el posrock

 

@albertotobio

Algunas precisiones históricas y conceptuales

Los años 2000, aunque quizás para algunos pudiera parecer extraño, han significado también grandes avances y evoluciones en la historia del rock progresivo (RP).

Particularmente por el surgimiento, a principios de la década, de bandas que han sido influenciadas por el llamado rock alternativo de los 70 (por ejemplo, U2 y The Police), pero también por el llamado neo rock progresivo, de los años 90, cuyas bandas más emblemáticas pudieran ser Porcupine Tree y The Flower Kings (de las cuales ya hablamos en entregas anteriores). En este caso estamos considerando agrupaciones muy importantes como The Killers.

Pero, al mismo tiempo, han surgido nuevos artistas, una vez entrados los años 2000, como Steven Wilson, que representa lo que podríamos llamar “la 2 ola del neo rock progresivo” (aunque al propio Wilson no le gusta hablar de su música como progresiva). Pero especialmente, Wilson es reconocido por la mayor parte de los especialistas en la materia como “el gran genio actual del RP”. Les confieso que para mí ha sido un descubrimiento relativamente reciente de este artista, no obstante, este hecho me da mucho optimismo de lo que está por venir en los próximos años.

Aparte de Steven Wilson, hay un conjunto de muy buenas bandas, unas con algunos elementos de hard, pero también de jazz y blues, como The Neil Morse Band, otras más melódicas como The Mute Gods y Flying Colors y, finalmente, unas muy experimentales que interpretan sus propios temas, pero, además, versionan grandes canciones de otras bandas. Tal es el caso de The Progresive Collective.

La segunda ola del rock alternativo

The Killers

The Killers es una banda de rock estadounidense formada en Las Vegas, en el año 2001, por Brandon Flowers (voz principal, teclados y bajo) y Dave Keuning (guitarra principal y coros). La banda ha pasado por una serie de cambios de formación iniciales. Pero, en 2002, se habían decidido por una formación de cuarteto: Flowers, Keuning, Mark Stoermer (bajo, guitarra rítmica y coros) y Ronnie Vannucci Jr. (batería y percusión).

Hasta la hecha, han lanzado siete álbumes de estudio, entre los cuales vamos a hablar de dos de ellos: Day & Age (Día y edad) (2008) y Battle Born (Batalla de nacimiento), del año 2012.

Se podría decir que The Killers es una banda de rock alternativo, pero con influencias muy claras del new wave, del pop rock, del glam rock (“glam” por glamour) y del rock electrónico. Sus miembros en algunas entrevistas han citado influencias decisivas en sus composiciones de bandas como U2, The Cure, The Cars y Depeche Mode (esta última dentro del rock electrónico).

Day & Age

Day & Age | Publicación: 2008 | Grabación: 2008 | Género(s): rock alternativo y new wave | Duración: 40:49 min | Discográfica: Island | Productores: Stuart Price y The Killers | Estudio de grabación: Battle Born (Las Vegas, Nevada).

En los siguientes dos links incluimos dos muy buenas canciones. La primera (Losing Touch: perdiendo el contacto) y, la segunda, Human (en una presentación en vivo en el show de David Letterman). La primera con toques de hard rock, la segunda, más con influencias del new wave.

Battle Born

Battle Born | Publicación: 2012 | Grabación: 2012 | Género(s): rock alternativo y new wave | Duración: 51:18 min | Discográfica: Island | Productores: The Killers, Daniel Lanois, Steve Lillywhite, Brendan O’Brien y Stuart Price | Estudio de grabación: Battle Born (Las Vegas, Nevada).

De Battle Born (Batalla de nacimiento), un extraordinario disco sin duda, hemos escogido también un par de canciones: Flesh and Bone (Carne y hueso) y Runaways (Fugitivos). Esta última también interpretada en vivo en el show de Letterman y con una calidad y potencia vocal admirables de Brandon Flowers.

Steven Wilson

Ya entrados los años 2000, y aunque para muchos de nosotros posiblemente ha sido una novedad maravillosa, por pensar que iban a pasar más años sin nuevas ideas en cuanto al RP, aparece el genio incomparable de Steven Wilson.

Como ya comentamos en la entrega anterior, Wilson es un músico inglés que formó parte de la banda Porcupine Tree (Árbol de Puercoespín) hasta el año 2010. No obstante, y para fortuna de las personas que les gusta la buena música, pero para sorpresa de otros, en el año 2021 se volvieron a reunir para grabar un nuevo disco: Closure/Continuation (algo así como Cierre y continuación).

Hand. Cannot. Erase

Hand. Cannot. Erase | Publicación: 2015 | Grabación: 2014 | Género(s): rock progresivo | Duración: 65:44 min | Discográfica: Kscope | Productor: Steven Wilson | Estudio de grabación: No Man’s Land (Hemel Hempstead), AIR Studios (London), Angel Recording Studios (Londres) y East West Studios (Los Ángeles).

De Steven Wilson hemos escogido un disco extraordinario, muy creativo, completo, complejo, inteligente y podríamos agregar muchos más calificativos: Hand. Cannot. Erase, grabado en el año 2014, en Air Studios de la ciudad de Londres.

Varias características de este maravilloso disco. Primeramente, se trata de un disco “conceptual”, nuevamente, muy típico del RP. En segundo lugar, es un disco diferente a lo que venía haciendo Wilson individualmente y con Porcupine Tree. En palabras de Wilson; “el disco presenta material diferente al del catálogo anterior, con elementos de música electrónica y canciones pop sencillas junto con pistas largas de orientación progresiva” (Fuente: Wikipedia). Y, en tercer lugar, es un disco muy variado, con pistas lentas, otras rápidas, canciones tristes y otras, las menos, optimistas.

Junto a Wilson, el álbum presenta a Ninet Tayeb en las voces y, además, la música está fuertemente inspirada en The Dreaming, un álbum de la fabulosa cantante Kate Bush.

Según Wilson, “el álbum está escrito desde una perspectiva femenina, y el concepto y la historia están inspirados en el caso de Joyce Carol Vincent. Una mujer que vive en una gran ciudad y que muere en su apartamento y nadie la echa de menos durante más de dos años, a pesar de tener familia y amigos” (Fuente: Wikipedia). Sin duda, una historia triste, profunda y asombrosa.

A continuación, un link del álbum completo porque, verdaderamente, merece la escucharlo en su totalidad.

Vídeo: Steven Wilson – Hand Cannot Erase [Full Album] | Canal en Youtube de Prog Nation

El otro disco de Wilson es el último en estudio grabado en el año 2017, y cuyo título es: To the Bone (Hasta el hueso).

To the Bone

To the Bone | Publicación: 2017 | Grabación: 2016-2017 | Género(s): rock progresivo | Duración: 59:46 min | Discográfica: Caroline International | Productor: Steven Wilson y Paul Stacey | Estudio de grabación: Strangeways (London), Angel Recording Studios (London), Studio Du Flon (Lausanne).

Seguramente este no es el mejor disco de Steven Wilson, quizás porque no avanzó mucho en la parte creativa y dejó correr las ideas de los discos anteriores, pero con un ingrediente electrónico aun mayor. Del disco escogimos probablemente la mejor canción: Pariah (Paria), que nos recuerda lo mejor del compositor.

Vídeo: Steven Wilson – Pariah ft. Ninet Tayeb | Canal en Youtube de Steven Wilson

The Neil Morse Band

The Neal Morse Band (ahora NMB) se formó en 2012, con los colaboradores de mucho tiempo Neal Morse (voz, teclados y guitarras), Mike Portnoy (batería, voz y ex Dream Theater), Randy George (bajo), así como, Bill Hubauer (teclados, voz) y Eric Gillette (guitarras, voz).

El primer álbum de la banda, The Grand Experiment, mostró frescura y madurez que se desarrolló aun más en el siguiente, The Similitude of A Dream de 2016. Después siguió The Great Adventure de 2019 y el último disco en estudio, Innocence & Danger de 2021, del cual vamos a hablar a continuación.

Innocence & Danger (Inocencia y peligro) es el cuarto álbum del grupo estadounidense de rock progresivo The Neal Morse Band (ahora estilizado como “NMB”), lanzado el 27 de agosto de 2021. Es el duodécimo álbum de estudio de rock progresivo de Morse en general, para que nos demos una idea de la capacidad de composición que tiene ese gran músico.

Es, además, su primer álbum no conceptual después de The Similitude of a Dream (2016) y The Great Adventure (2019), ambos inspirados en The Pilgrim’s Progress de John Bunyan. El álbum se grabó durante una semana a principios de 2021 y, por primera vez, Morse no trajo ninguna demostración con sus ideas al estudio.

A continuación, les coloco el link a todo el disco porque lo considero realmente una obra de arte del RP. Por cierto, incluye una fabulosa versión de la canción de Simon & Garfunkel: Bridge Over Trouble Water (Puente sobre aguas turbulentas).

El primer sencillo, Do It All Again, se lanzó con un video el 21 de junio de 2021. Fue la primera canción que se escribió para el álbum y sirve como apertura. Bird on a Wire (Pájaro en un alambre), la segunda canción en la lista de canciones, y la segunda en ser escrita, también fue lanzada como sencillo el 27 de julio. Your Place in the Sun llegó como tercer sencillo y video el 18 de agosto, siendo la tercera canción que escribieron.

Innocence & Danger

Innocence & Danger | Publicación: 2021 | Grabación: 2021 | Género(s): rock progresivo | Duración: 99:40 min | Discográfica: Inside Out / Sony Music | Productor: NMB.

Si bien la inspiración inicial provino particularmente de Bill Hubauer (teclados) y Randy George (bajo), las ideas fluyeron de todos a partir de ahí, como recuerda George: “Estoy entusiasmado con el nivel de colaboración que logramos en este disco. Incluso entramos con muchas ideas que no necesariamente se desarrollaron, y creo que al final tenemos algo que representa lo mejor de todos en la banda” (Fuente: Radiant Records).

A continuación, les paso un link de NMB en directo, en 2019. La canción: Great Adventure.

The Mute Gods

The Mute Gods (Los Dioses Mudos) es un supergrupo de rock progresivo inglés que reúne a Nick Beggs, Marco Minnemann y Roger King (tecladista y figura clave del músico Steve Hackett). Beggs se acercó a King, con quien había trabajado como parte de la banda de Steve Hackett, sobre una colaboración en 2014. Minnemann fue elegido baterista después de que Beggs hiciera una gira con él como parte de la banda de Steven Wilson.

Su álbum debut, Do Nothing till You Hear from Me (algo así como No hagas nada hasta que escuches de mí), fue lanzado el 22 de enero de 2016. Beggs escribió la mayor parte del álbum durante la gira de 2014 y lo describió como “una diatriba bastante descontenta sobre la distopía que hemos creado para nosotros y nuestros hijos”. Además de Minnemann, el álbum cuenta con algunos bateristas invitados, incluidos Nick D’Virgilio y Gary O’Toole (ex Steve Hackett).

En noviembre de 2015, la banda lanzó dos videos, uno de los cuales es un video de 360 grados, para la canción principal del álbum. Según Nick Beggs, No hagas nada hasta que escuches de mí se inspiró en la advertencia de Dwight D. Eisenhower sobre el aumento potencial del complejo militar-industrial, así como en el geólogo Phil Schneider, quien hizo varias afirmaciones sobre los ovnis, antes de morir en circunstancias misteriosas.

Do nothing till you hear from me

Do nothing till you hear from me | Publicación: 2016 | Grabación: 2015 | Género(s): rock progresivo | Duración: 59:49 min | Discográfica: Inside Out | Productor: Roger King.

A continuación, un enlace de la canción Do Nothing Till You Hear From Me (video oficial).

The Prog. Collective (TPC)

Bueno queridos amigos, ¿qué podemos decir de esta superbanda de RP? Que es sencillamente maravillosa. Es, a mi manera de ver, una especie de “plataforma”, liderada por el talentoso músico Billy Sherwood, actual bajista y vocalista de Yes, en la cual se congregan algunos de los más virtuosos músicos del rock de todo el mundo.

Por otra parte, TPC ha creado un sonido muy propio que une el subgénero progresivo con el neoprogresivo y el rock instrumental. Pero también, sus discos combinan canciones propias con covers de bandas muy reconocidas del mundo del progresivo.

El debut homónimo del proyecto en 2012 incluyó apariciones de Annie Haslam (Renaissance), Alan Parsons y Rick Wakeman, entre una docena más. Epilogue, su seguimiento de 2013, contó con contribuciones de los colegas de Yes de Sherwood, así como de un grupo de invitados, incluidos Colin Moulding, John Wesley y John Wetton.

Después de una pausa de ocho años, Sherwood revivió TPC para Worlds on Hold de 2021. Lanzado en febrero, el álbum había estado en la etapa de creación durante años. La lista de canciones se dividió entre los originales de Sherwood y una deslumbrante selección de versiones que incluían Solsbury Hill de Peter Gabriel; A Whiter Shade of Pale, de Procol Harum; y Eye in the Sky, de Parsons, en el lado progresivo del disco.

En la versión extendida, incluyó: People Are Strange de los Doors, More Than a Feeling de Boston y una relectura de Penny Lane de The Beatles, cantada por el difunto John Wetton como bonus track.

La lista de invitados era habitualmente grande y ofreció una sorprendente variedad de vocalistas, incluidos Todd Rundgren, Geoff Tate, David Johansen y David Clayton-Thomas. Sherwood produjo el álbum y tocó la guitarra, la batería, los teclados y ocasionalmente cantó. Estaba respaldado por una lista de instrumentistas de primer nivel, incluidos los guitarristas Jan Akkerman, Steve Hackett y Steve Hillage, el violinista L. Shankar, los tecladistas Geoff Downes, Patrick Moraz y Tony Kaye, y el baterista Alan White (estos cuatro últimos músicos pertenecientes al gran grupo Yes en diferentes épocas y Alan White, por desgracia fallecido recientemente).

Worlds on hold

Worlds on hold | Publicación: 2021 | Grabación: 2021 | Género(s): rock progresivo | Duración: 1:05:00 min | Discográfica: Purple Pyramid | Productor: Billy Sherwood | Estudio de grabación: Circa: HQ Studios.

Les dejo los enlaces de tres canciones: Eye in the sky, A Whiter Shade of Pale y Solsbury Hill.

Flying Colors

Flying Colors (Colores Voladores) es un supergrupo estadounidense compuesto por Mike Portnoy (ex Dream Theater, Liquid Tension Experiment y Transatlantic), Dave LaRue, Casey McPherson, Neal Morse y Steve Morse. La misión de la banda, creada por el productor ejecutivo Bill Evans, era combinar música compleja con composición accesible. Flying Colors, en Mascot Label Group, ha lanzado tres álbumes de estudio y tres álbumes en vivo, con gran éxito comercial y elogios de la crítica.

En 2008, Evans escribió una propuesta para una banda que combinaba música sofisticada (composición compleja e interpretaciones virtuosas) con composición de canciones convencional y accesible. Su idea era canalizar la complejidad a través de un cantautor pop carismático, mantener las canciones cortas y usar el humor.

A continuación, les seleccioné un disco de la banda que me gusta mucho, del año 2012, donde puede apreciarse claramente el virtuosismo en la ejecución combinado con composiciones más bien sencillas y con un acercamiento claro hacia lo comercial.

Flying Colors

Flying Colors | Publicación: 2012 | Grabación: 2011 | Género(s): rock progresivo | Duración: 60:26 min | Discográfica: Mascot Label Group | Productor: Peter Collins (también productor de Rush).

En este link está el disco completo.

Vídeo: Flying Colors – Flying Colors (2012) Full Album | Canal en Youtube de Diego Montebro

Finalmente, y contestando a la pregunta de si el neorrock progresivo es posiblemente el último escalón hasta la fecha en la evolución del subgénero RP. Bueno, les confieso que hace unos meses pensaba que sí, pero realmente la evolución ha continuado a otro eslabón que a mí me gusta llamar el “posrock”. Ya en el artículo anterior, referido al “time line” del RP, comenzamos a hablar sobre este nuevo subgénero que se caracteriza, fundamentalmente, por la simpleza de la música, casi minimalista, y por ser instrumental.

En el siguiente artículo, el 9, le dedicaremos suficiente tiempo y espacio a este nuevo subgénero que prácticamente tiene 10 años de vida. Sin embargo, les adelanto una banda maravillosa que he descubierto recientemente llamada Library Tapes (LT).

Library Tapes se formó en Suiza en 2004 por David Wenngren y Per Jardsell. Hicieron dos álbumes juntos para el sello Resonant antes de que Per dejara la banda en 2006. Hasta el presente, LT ha publicado un total de 16 discos en estudio.

A continuación, les hago una breve referencia al último disco en estudio del año 2022 llamado Sunset (Atardecer u Ocaso). Es muy corto, apenas 16 minutos de duración, pero tiene una magia impresionante. Es sereno, muy sencillo y cautivador… Si uno tiene problemas en un momento dado, seguramente al oír este disco se te aliviarán muchos de ellos.

Sunset

Sunset | Publicación: 2022 | Grabación: 2022 | Género(s): posrock progresivo | Duración: 16:44 min | Discográfica: Auetic | Productor: David Wenngren.

Las opiniones emitidas por los articulistas son de su entera responsabilidad. Y no comprometen la línea editorial de RunRun.es

Algunos dicen que el rock progresivo tuvo su “origen, auge y caída”; yo digo que hoy en día está más vivo que nunca. Con el timeline del rock se visualiza su trayectoria

 

@albertotobio

Algunas consideraciones iniciales

Hemos querido hacer una corta pausa en los artículos de música para mostrarles el timeline (línea de tiempo) que hemos elaborado a lo largo de los últimos meses. La finalidad fue guiar la evolución del RP y presentar los artículos de manera más o menos secuencial y con un cierto nivel de coherencia.

Como podrán haberse dado cuenta, abarca desde los años sesenta hasta nuestros días. El mismo se fundamenta en tres aspectos básicos:

1. Se trata de una LT que se basa en eventos históricos innegables a lo largo de estos 70 años. Pero, obviamente, existen consideraciones personales acerca de la conformación de la misma, que tienen que ver con los gustos y preferencias personales. Por esto, en algunos casos, pido excusas por el hecho de que mis gustos personales no coincidan con el de algunos lectores, o bien, hayamos excluido grupos o bandas igualmente importantes y exitosas.
2. En vista de que hay que intentar “acotar” la LT, porque de lo contrario se convertiría en algo prácticamente interminable, aplicamos el siguiente planteamiento: el eje central lo constituye la evolución del RP hasta nuestros días (en color naranja en el gráfico a continuación). Es decir, se enfoca el timeline del rock, pero desde la perspectiva del RP. Dicho de otra manera, el gráfico muestra cómo el RP ha influido en otros subgéneros musicales y, a su vez, cómo este ha sido influenciado por otras variantes… Aquí es conveniente aclarar dos conceptos o, mejor dicho, “acuerdos” entre ustedes y nosotros. El rock es el “género musical”, al igual que lo serían el jazz, el blues o el rhythm and blues, por ejemplo. Del rock derivan los diferentes “subgéneros”, como el rock alternativo, el glam rock o el rock experimental.
3. Finalmente, nosotros tenemos una tesis mediante la cual afirmamos, a diferencia de especialistas en la materia, a los cuales respeto y admiro, que dicen que el RP tuvo un “origen, auge y caída” entre los años sesenta y finales de los años setenta. Y allí, prácticamente desapareció. Nuestra tesis consiste en que el subgénero ha ido evolucionando a partir de allí. Y se mantiene hoy en día más vivo que nunca. Eso sí, pasando por una serie de adaptaciones para poder sobrevivir.

Por esta razón ha pasado del rock progresivo de los orígenes (con grupos como Genesis, Yes, Camel, E, L&P, King Crimson, Kansas, Pink Floyd, etc.), a un proceso de adaptación que se inició en los años ochenta con grupos como Marillion, después a un neorrock progresivo mucho más sencillo en sus estructuras musicales, pero igualmente de una gran calidad musical. Aquí hay bandas tan buenas como: Porcupine Tree, The Flower Kings, Steven Wilson, Mystery, Transatlantic, Mustly Autumn, The Mute Gods, The Black Noodle Project, RPWL, entre muchas otras.

Las 12 entregas

Como se puede ver en el gráfico, se plantea un “eje central”, coloreado en naranja, que representa el origen y desarrollo del RP a través de los años, desde las bandas originarias de los años sesenta, hasta nuestros días. Por cierto, y como vimos en las dos últimas entregas, para intentar demostrar que hay un repunte reciente del RP, a partir de los años 2000 se ha formado una cantidad importante de nuevas bandas, de excelente calidad. Como vimos, con estructuras musicales mucho menos complejas (melodías, armonías y ritmos) y de alguna manera conectándose con el pop rock, en un intento de buscar ser más comerciales.

En color azul están representados los subgéneros que han derivado del RP o aquellos que lo han influenciado.

En total serán 12 entregas: 1) Los inicios del RP, 2) el rock electrónico progresivo, 3) la música ambiental y el new wave, 4) el pop rock, 5) el glam rock y el rock alternativo, 6) la primera gran adaptación del RP, 7) la “primera ola” del neorrock progresivo, 8) la “segunda ola” del neo RP y el rock alternativo, 9) el posrock, 10) el sonido o la “escena” Canterbury, 11) el hard rock y 12) el rock clásico (o la vuelta a los inicios…).

¿Dónde estamos en este momento?

Estamos en este momento en el artículo 7, el cual publicamos recientemente. El mismo se refirió al rock progresivo y al rock experimental.

Después de esta pausa en la cual estamos mostrando el timeline del rock, volveremos inmediatamente con el artículo 8. Este versará sobre la “segunda ola” del neorrock progresivo y el rock alternativo.

¿Qué nos falta?

Bueno, nos faltan las entregas 8 hasta la 12. Como ya dijimos, el último artículo se referirá a los orígenes de este maravilloso subgénero del RP como lo fue el rock clásico, especialmente representado por una banda que siempre estará vigente en la historia y en nuestros corazones: The Beatles.

Una vez que terminemos las 12 entregas, tenemos planteado publicar dos o tres artículos muy detallados referidos a la “nueva ola” del RP; es decir, las bandas que se han creado a partir de los años 2000.

Por cierto, una cosa que me parece muy interesante y que tiene que ver con lo que viene a muy corto plazo, de hecho, ya está en progreso: el llamado posrock (artículo 9), representado por grupos extraordinarios como Held by Trees y The Library Tapes.

Se trata de un subgénero caracterizado fundamentalmente por dos cosas: uno, la música es absolutamente “minimalista”; y dos, es instrumental. Un comentario mío: pareciera que después de muchos años de complejidad, acercamiento a lo comercial y lo enredado que está el mundo en muchos aspectos, queremos volver a lo sencillo. No sé, pero se me parece mucho a un libro que leí hace muchos años: Small is Beautiful (Lo pequeño es hermoso), de Ernst Friedrich Schumacher (1973).

Solace

Del maravilloso disco de 2022 de Held by Trees (Sostenido por los árboles), llamado Solace o Consuelo, les coloco dos links para que aprecien un poco la música calmada y hermosa que viene… La primera canción se llama The New Earth (La nueva Tierra) y la segunda, Rain After Sun (La lluvia después del sol).

Vídeo: The New Earth | Canal en Youtube de Held By Trees – Tema

Vídeo: Rain After Sun 

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El pop rock ha tenido tres momentos clave: años 60, que inicia con Supertramp y Fleetwood Mac; años 70, con grupos como Styx y Dire Straits; y años 80, con bandas como Crowed House

 

@albertotobio

El pop rock: una rama comercial del rock

Reiniciando nuevamente nuestros artículos sobre música rock, existe un subgénero que deriva directamente del rock clásico, pero también tiene influencias del rock progresivo (RP), como lo es el pop rock. Evidentemente se trata de un tipo de música mucho más comercial, aunque esta es una discusión también muy relativa, porque prácticamente todos los subgéneros del rock tienen elementos comerciales. Ya lo hemos explicado anteriormente, no es lo mismo el grupo Genesis de los años 60 o 70 (con Peter Gabriel), que el mismo grupo en los 80 y 90 (ya con el liderazgo de Phil Collins). Esto se puede ver también en bandas como Yes, Camel, Rush o Pink Floyd.

El pop rock surgió a finales de los años sesenta, paralelamente a los inicios del RP y, a nuestro modo de ver, ha tenido tres momentos clave: años 60 o los inicios del pop rock, con agrupaciones como Supertramp y Fleetwood Mac; años 70, o “la segunda ola”, con grupos como Styx y Dire Straits; finalmente, años 80 o “tercera ola”, con bandas como Crowed House.

Años sesenta

Los inicios del pop rock se remontan 50 años atrás con agrupaciones emblemáticas como Fleetwood Mac y Supertramp.

Comenzando con Fleetwood Mac, es importante distinguir dos grandes épocas: la primera, comandada por Peter Green y Mick Fleetwood, que duró aproximadamente hasta el año 1974; la segunda, mucho más conocida, ya con Stevie Nicks y Lindsey Buckingham como líderes musicales indiscutibles. Clave para nuestro análisis: en la primera etapa era una banda fundamentalmente de blues, en la segunda se orientó al pop rock, que es nuestro tema de este artículo.

Rumors (Fleetwood Mac)

Comenzamos con seguramente uno de los mejores discos de la historia del rock, el famoso Rumors. Como dicen por allí, “es bueno de comienzo a fin”. De esos discos que nunca pasan de moda, un absoluto “clásico”. Muchas personas se confunden al creer que Rumors es el primer disco de la banda. Es, de hecho, el undécimo (11) disco desde su formación y el segundo ya con presencia de Nicks y Buckingham.

Una anécdota: pienso en los resultados obtenidos, particularmente en la profundidad y emotividad las composiciones, y en la sencillez y a la vez espontaneidad de la ejecución (y grabación). El grupo en ese momento estaba pasando por dos rupturas sentimentales: por una parte, el matrimonio entre John MacVie (bajista) y Christine McVie (tecladista) estaba llegando a su fin. Por la otra, el rompimiento de la relación (noviazgo) entre Stevie Nicks (cantante principal) y Lindsey Buckingham (guitarrista). De hecho, y lo ha contado muchas veces Mick Fleetwood, el disco se iba a llamar de otra manera, pero ante tantas peleas, chismes y comentarios entre ellos, decidió llamarlo simplemente: Rumors.

El disco fue (y es todavía) un éxito comercial. De hecho, solamente en su primera semana después del lanzamiento vendió más de 10 millones de copias. Ha obtenido innumerables elogios por parte de los especialistas en la materia y es el resultado de la combinación de tres grandes compositores y cantantes, situación muy difícil de encontrar en cualquier otra banda de rock (Nicks, Christine McVie y Buckingham).

Vídeo: Rumours (Full Album) | Canal en Youtube de SOUL DEEP

Ganó el premio a Álbum del Año en los Premios Grammy de 1977 y ha vendido hasta el presente más de 40 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos.

Otros datos curiosos de este maravilloso disco. Se trataba de la época hippie en la escena de Sausalito y, por otra parte, Fleetwood Mac contó con un gran presupuesto para la elaboración del disco. Esto propició el consumo de drogas, “las noches de insomnio y el uso excesivo de cocaína marcaron gran parte de la producción del álbum” (Fuente: Wikipedia).

Por otra parte, eran tan grandes las tensiones entre los miembros del grupo, que las miembros femeninas de la banda decidieron vivir en dos condominios cerca del puerto de la ciudad, mientras que los hombres arrendaron un apartamento en las colinas adyacentes al estudio.

Breakfast in America (Supertramp)

Es, sin duda alguna, otro gran disco de colección. Muy bien grabado y ejecutado, con canciones maravillosas. De hecho, obtuvo importantes premios, sobre todo relativos a la calidad de la grabación.

Breakfast in America es el sexto álbum de estudio de Supertramp. Generó cuatro sencillos exitosos de Billboard en EE. UU.: The Logical Song (No. 6),  Goodbye Stranger (No. 15), Take the Long Way Home (No. 10) y Breakfast in America (No. 62) (Fuente: Wikipedia).

Aparte de la gran calidad de la música, me parece importante resaltar el diseño del disco. La portada del álbum se asemeja a una vista de Manhattan a través de la ventana de un avión. Fue diseñado por Mike Doud y Mick Haggerty. La imagen muestra a Kate Murtagh, vestida como una camarera llamada «Libby» de un restaurante, como una figura de la Estatua de la Libertad sosteniendo un vaso de jugo de naranja en un plato pequeño en una mano (en lugar de la antorcha en la estatua), y un menú de restaurante plegable en el otro lado, en el que está escrito “Desayuno en América”.

El fondo presenta el extremo sur del distrito de Manhattan de la ciudad de Nueva York, con el horizonte del Bajo Manhattan representado a través de una caja de copos de maíz, un cenicero, cubiertos (para los muelles), botellas de jarabe para panqueques, cajas de huevos, saleros y pimenteros, tazas de café, botellas de kétchup y mostaza, etc., todo pintado con espray blanco.

Las torres gemelas del World Trade Center aparecen como dos pilas de cajas, y el plato del desayuno representa The Battery, el punto de partida del ferry de Staten Island. La foto de la contraportada, que muestra a los miembros de la banda desayunando mientras leen los periódicos de sus respectivas ciudades, fue tomada en un restaurante llamado Bert’s Mad House. (Fuente: Wikipedia).

A continuación, les dejo una versión en vivo de las canciones Logical Song y Breakfast in America, de la gira europea del año 1979 y contenida en el disco Supertramp Paris.

Vídeo: Supertramp – The Logical Song (Live In Paris 1979) | Canal en Youtube de LegendsRadio

Vídeo: Supertramp – Breakfast in America (Live In Paris ’79) | Canal en Youtube de STAGES

Años setenta

Primero hablaremos brevemente del grupo norteamericano proveniente de Chicago: Styx. Es una banda formada en el año 1972 con un sonido especial, muy particular y, yo diría, hasta muy fino. En su estilo fusiona los sonidos de guitarra de hard rock con guitarra acústica, sintetizadores mezclados con piano acústico, pistas alegres con baladas poderosas e incorporando elementos del teatro musical internacional. La banda se estableció con un sonido de RP en la década de los setenta y comenzó a incorporar elementos de pop rock en la década de los ochenta.

El gran avance comercial de Styx en América del Norte se produjo con el disco The Grand Illusion (1977), que alcanzó el puesto número 6 tanto en los EE. UU. como en Canadá, y se convirtió en el primero de cuatro álbumes consecutivos de triple platino en los EE. UU. para Styx. Contó con el sencillo Come Sail Away, un éxito entre los 10 primeros en ambos países. Precisamente, este es el disco que hemos escogido para mostrar el sonido muy característico de Styx.

La banda estuvo siempre liderada por el extraordinario cantante y tecladista Dennis DeYoung, y por los guitarristas James “JY” Young y Tommy Shaw. Estos dos últimos son los únicos que sobreviven en la conformación actual de la banda.

The Grand Illusion (Styx)

Vídeo: S̲ty̲x – T̲h̲e̲ G̲rand illus̲ion (Full Album) 1977 | Canal en Youtube de Classic Rock

La otra banda que hemos escogido es de mis favoritas: Dire Straits (formada en Londres en el año 1977). Hay muchas razones que hacen que sea una de las grandes bandas de la historia del rock. En primer lugar, y quizás de las cosas más relevantes: tiene un sonido diferente, inconfundible. A pesar de que la hemos colocado en el subgénero del pop rock; no obstante, tiene influencias muy claras del country, del folk, blues rock y del jazz. Pero es, definitivamente, la voz particular de Mark Knopfler y su estilo y calidad para tocar la guitarra lo que más resalta.

En segundo lugar, la calidad de las composiciones y el contenido inteligente y profundo de las letras. Un ejemplo de ello es la canción Romeo and Juliet, del disco Making Movies, la cual fue número 8 en la lista de singles del Reino Unido, y que habla de una historia de amor fallida, con alto contenido emocional, pero, evidentemente, con nombres ficticios. Otro buen ejemplo, la fabulosa canción Brothers in Arms, del disco del mismo nombre, que habla de la estupidez de la guerra de Las Malvinas.

Finalmente, la calidad técnica de las grabaciones combinada con la presencia de músicos de alta calidad. Además del propio Mark, Jon Illsley (bajo y coros), Pick Withers (batería y percusión) y Alan Clark (teclados).

En el año 1995 finalmente Dire Straits se disuelve y Mark Knopfler inicia una carrera en solitario bastante exitosa. Es de esos pocos casos en los cuales la etapa solista de un artista es igual o mejor que la etapa anterior del grupo, obviamente hablando en términos de la calidad compositiva y los límites para las nuevas ideas musicales.

Comercialmente hablando, ha sido una de las agrupaciones musicales más exitosas de todos los tiempos, especialmente en los años ochenta. Ha vendido las de 120 millones de discos en todo el mundo, incluidas 51,4 millones de unidades certificadas, lo que los convierte en uno de los artistas musicales de mayores ventas (Fuente: Wikipedia).

De este fabuloso grupo hemos escogido dos discos excelentes ya mencionados: Making Movies (del año 1980) y Brothers in Arms (1985).

Del primero, dos canciones muy conocidas: Tunnel of Love y Romeo and Juliet. Del segundo hemos colocado el link al disco completo.

Making Movies (Dire Straits)

Vídeo: Dire Straits – Romeo and Juliet (Making Movies, 1980) | Canal en Youtube de edsonguedes

Vídeo: Dire Straits – Tunnel of Love (Making Movies, 1980) | Canal en Youtube de edsonguedes

Brothers in Arms (Dire Straits)

Vídeo: D̲ire S̲t̲raits – B̲ro̲the̲rs in A̲rms Full Album 1985 | Canal en Youtube de Classic Rock

Para terminar esta parte, un regalo que les quiero hacer a mis lectores de una bellísima canción de Mark Knopfler ya como solista. Del disco Golden Heart (1996), la pista Are We in Trouble Now. Por favor deléitense con el solo de guitarra de Mark al final, una preciosidad, acompañado con el Pedal Steel Guitar de Paul Franklin.

Vídeo: Mark Knopfler – Are We in Trouble Now | Canal en Youtube de  Mark Knopfler’sWorld

Por cierto, acabo de ver, ya casi terminando el artículo, un comentario de una persona sobre esta canción que muy bien resume la calidad de Mark Knopfler como guitarrista: “el solo final de esta canción nunca se verá en ninguna lista del «mejor solo de guitarra de todos los tiempos», pero realmente, ¿puedes pensar en uno mejor? No uno más rápido o algo más difícil de tocar, sino uno que sea más hermoso y (crucialmente) que se adapte mejor a la canción en la que se toca” (Fuente: Youtube).

Años ochenta

Personalmente soy de los que piensa que la década de los años ochenta fue la última que vio el surgimiento de nuevas bandas, de alta calidad y originales, al menos en el contexto del subgénero del pop rock. Estoy hablando particularmente de Crowed House, un grupo que cierra el ciclo de la música pop rock. Por cuanto, además de ser la última banda que yo conozca que hizo cosas interesantes, también volvió a los orígenes al traer elementos del rock clásico, particularmente de The Beatles.

Crowded House es una banda de rock formada en Melbourne en 1985. Sus miembros fundadores fueron el neozelandés Neil Finn (vocalista, guitarrista, compositor principal) y los australianos Paul Hester (batería) y Nick Seymour (bajo). Los miembros posteriores de la banda incluyeron al hermano de Neil Finn, Tim Finn, y los estadounidenses Mark Hart y Matt Sherrod. La formación actual incluye a los hijos de Finn, Elroy y Liam, y al tecladista estadounidense Mitchell Froom.

Un dato interesante. Recientemente, y ante la salida del guitarrista Lindsey Buckingham de Fleetwwod Mac, Neil Finn lo ha sustituido en los conciertos de la banda.  

Crowded House (Crowded House )

De este disco debut del año 1986 he escogido un tema muy conocido y con grandes ventas en todo el mundo: Don’t Dream It’s Over. Solamente con el éxito comercial de una canción como esta, cualquier banda en el mundo, de cualquier género musical, se hubiera dado por satisfecha…

Vídeo: Crowded House – Don’t Dream It’s Over (Live At Sydney Opera House) | Canal en Youtube de 43Kouta

La grabación fue hecha en una de las últimas presentaciones de Crowed House en el Sydney Opera House, el 27 de noviembre de 2016.

Las opiniones emitidas por los articulistas son de su entera responsabilidad. Y no comprometen la línea editorial de RunRun.es

La aplicación puede descargarse directamente en Google Play Store y App Store, la misma está disponible en inglés y español, según reseña el sitio oficial

 

Este martes, 16 de noviembre, el periodista especializado en telecomunicaciones, Arnaldo Espinoza, informó que Venezuela entró oficialmente en la lista de países que pueden contratar el servicio de Spotify, la plataforma de reproducción de música vía streaming.

A través de su cuenta en Twitter, Espinoza explicó que a partir de las 7:00 pm Spotify agregó a Venezuela como territorio por primera vez desde la salida al aire de la compañía en 2006. 

En 6 claves Runrun.es te explica qué significa el regreso de Spotify y cómo se puede usar la plataforma, que además está disponible en inglés y español:

¿Qué significa el regreso de Spotify a Venezuela?

Espinoza señaló que, con esta decisión, la app está disponible en las tiendas de aplicaciones locales y que se puede acceder sin necesidad de acceder a una Virtual Private Network (VPN) para tener una cuenta gratuita. Con esta red, los usuarios en el país podían contar con el servicio con una conexión cifrada, incluso, aunque no estuviera disponible en el territorio.

Los otros países que entraron junto con Venezuela a Spotify

Según lo reseñado por el periodista, la República Democrática del Congo, Iraq, Tajikistan y Libia al igual que Venezuela, fueron agregados en la lista de países que pueden acceder a la plataforma. 

Venezuela es uno de seis países que entran hoy a Spotify, con DRC, Congo, Irak, Tajikistán y Libia. pic.twitter.com/FS21JvyVg4

— Arnaldo Espinoza  (@Naldoxx) November 17, 2021

¿Desde dónde se puede descargar Spotify en Venezuela?

La aplicación puede descargarse directamente en Google Play Store y App Store. Está disponible en inglés y español, según reseña el sitio oficial.

#UPDATE

Oficialmente @Spotify @spotify_LATAM se encuentra disponible para Venezuela en 2 versiones: Inglés y Español según su sitio oficial: https://t.co/th2e0igSHO y https://t.co/22W8qAR92b

Ya pueden encontrarlo disponible en Google Play Store y App Store.

— Mª Salomé Guardione 😷🎄 (@SaloGuardione) November 17, 2021

Diferencias entre la versión gratuita y la versión paga de Spotify

Las diferencias principales entre la versión paga y la versión gratuita radican en que la versión free se puede utilizar sin la necesidad de introducir una tarjeta de crédito o un método de pago, basta con crear una cuenta con el correo electrónico y una contraseña.

Con respecto al contenido, es exactamente idéntico tanto en la versión paga como en la versión gratuita, no hay ningún cambio en el número de canciones que permite escuchar ni tampoco en los podcasts.

La diferencia más significativa es que no se puede elegir la canción que el usuario quiera escuchar: hay que conformarse con el modo aleatorio del disco o artista. También, hay un límite para saltar las canciones, lo cual no se podrá hacer más de cinco veces. 

Por su parte, en la versión paga, el usuario no tendrá que ver los anuncios publicitarios y podrá adelantar y seleccionar las canciones de su preferencia cuantas veces quiera. También, permite la descarga de la música a un dispositivo de su preferencia.

Precio de los planes premium de Spotify en Venezuela y métodos de pago 

Spotify está disponible con cuatro paquetes disponibles para los usuarios venezolanos. Los precios van desde $2.99 USD (para estudiantes) hasta $9.60 para planes familiares. Para todos los usuarios nuevos, el primer mes será gratuito. Los métodos de pago son TDC y Paypal.

Spotify ya está disponible en Venezuela con cuatro paquetes disponibles para los oyentes venezolanos, desde $2.99 USD (para estudiantes) hasta $9.60 para planes familiares.

Para todos los usuarios nuevos el primer mes será gratuito. #SpotifyVenezuela pic.twitter.com/mCZ8RKGBoT

— Spotify Venezuela (@spotify_vzla) November 17, 2021

¿Por qué no estaba disponible en el país?

Según explica el periodista Humberto Sánchez Amaya, una de las razones por la que no operaba era la falta de tarifas para el streaming. La Sociedad de Autores y Compositores de Venezuela (Sacven), entidad de gestión colectiva, había sido cuestionada por no publicar o no actualizar sus tarifas.

«Muchos creen que no entra a Venezuela por tema político. Uno de los aspectos que dificulta es la facturación. He conversado con personal de esa compañía y se podría facturar en divisas a tasa oficia», comentó en diciembre Manuel Mirabal, director nacional de derecho de autor.

Un trabajo publicado en enero de 2021 por CónicaUno, a propósito de la situación de los músicos venezolanos, afirmaba que «Spotify es una empresa transparente que no quiere que haya un montón de gente quejándose porque no cobran» y que por esta razón no operaba en el país.

El rock electrónico progresivo es un subgénero del rock que se deriva del rock progresivo, con influencias determinantes de la música clásica

 

@albertotobio

Algunas precisiones iniciales

Continuando con lo que comentamos en el artículo anterior con relación a los orígenes del rock progresivo, se podría afirmar que el rock electrónico progresivo (REP, en adelante) es un subgénero del rock que se deriva del rock progresivo y con influencias determinantes de la música clásica.

Nos permitimos llamarlo REP porque, entre otras razones, a través de sintetizadores y el uso de computadoras, se emula el sonido de instrumentos acústicos (como la batería y la percusión), eléctricos (guitarras y bajos) e, inclusive, de las voces humanas. Además, posee una estructura rítmica claramente pensada y planificada.

Se trata, esencialmente, de música hecha con instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. Aunque, y es típico de las artes en general, muchas veces puede ser mezclada con instrumentos acústicos como el piano o eléctricos como la guitarra.

Una aclaratoria importante

Obviamente la música electrónica es muy amplia, y aquí vamos a establecer un criterio muy personal. Por REP nos estaremos refiriendo a una parte de la música electrónica que es similar al RP en el sentido que la música es bastante elaborada, con una cierta complejidad en su estructura (ritmos, melodías y armonías bastante variables) y, si se quiere, muy pensada y planificada desde antes de llegar al estudio de grabación. En general, no tiene letras. Aunque sí puede tener voces principales y coros.

No vamos a tocar otros subgéneros también bastante importantes como el techno y el house, que se crearon en la década de los ochenta y que es una música bailable, con un ritmo repetitivo y tempo de entre 120 y 130 pulsaciones por minuto.

El REP es un subgénero que se da a conocer más universalmente hacia mediados de los años 70, aunque ya antes se habían hecho algunos experimentos no muy formales. No obstante, con la aparición de los primeros sintetizadores y su posterior asequibilidad en cuanto a los precios, se fue desarrollando con más fuerza.

Hay muchas opiniones al respecto de los pioneros, pero nosotros diríamos que serían el japonés Isao Tomita (ya fallecido) y el alemán Klaus Shulze. Ambos iniciaron las primeras experimentaciones cuando ni siquiera los sintetizadores se habían comercializado.

Tomita, el primero de todos en hacer música electrónica, adquirió un sintetizador Moog III hacia finales de los años sesenta, con la influencia de Wendy Carlos y Robert Moog. Su primer álbum de música electrónica se llamó Electric Samurai: switched on rock, lanzado en Japón en 1972 y en los Estados Unidos en 1974. 

Vídeo: Switched on rock – Electric Samurai (Isao Tomita) | Gordon Rix

Por otra parte, el primer disco de Klaus Shulze, llamado Irrlicht (Quadraphonic Symphony for Orchestra and Electronic Machines), fue publicado en el año 1972 y se caracterizó porque Shulze no usó sintetizadores, ya que no eran asequibles comercialmente como ya dijimos. Usó principalmente “un órgano eléctrico roto y modificado, una grabación de un ensayo de orquesta clásica tocada al revés y un amplificador dañado para filtrar y alterar los sonidos que mezcló en una cinta en una sinfonía de tres movimientos”. Fuente: Wikipedia.

 Irrlicht (Klaus Shulze)

Klaus Shulze, al igual que otros artistas como Tangerine Dream, forman parte de lo que se denomina la “Escuela de Berlín”. La misma agrupa a un conjunto de compositores de música electrónica enmarcada entre la década de los años 70 y principios de los 80.

Hacia finales de la década de los 70 y principios de los 80, se unen músicos de otros países, tales como Vangelis (Grecia), Kitaro (Japón), Suzanne Ciani (EE. UU.), Mike Olfield (Gran Bretaña) y Jean- Michel Jarre (Francia), entre otros.

Grupos emblemáticos y discos clave

Si en el artículo anterior referente al rock progresivo dijimos que era muy difícil la selección de los discos clave, lo mismo se repite para el REP. Porque realmente hay discos hermosos, algunos de los cuales representan unos verdaderos iconos de la historia de la música electrónica e, inclusive, con un gran éxito comercial como Tubular Bells, Oxygene y Blade Runner. Además, escogimos un disco de un pionero como Tomita, un asombroso disco en vivo de Tangerine Dream y uno que adapta la música electrónica a la música orquestal (Kitaro).

 Snowflakes are dancing (Isao Tomita)

Es el segundo disco en estudio de Tomita. El mismo consta completamente de arreglos hechos a la música de Claude Debussy. La mayor contribución de este disco pionero fue la creación de ambientes similares a una orquesta clásica, el uso de la reverberación, simulación de violines reales y sonidos abstractos de campanas. El disco entró en el top 50 de las listas de EE. UU., donde fue nominado a 4 premios Grammy en 1975.

La pista Clair de Lune (incluimos un pedazo de ella en el pentagrama anterior) fue utilizada en la ceremonia de clausura de los juegos Olímpicos de Verano de Tokio de 2020.

Disco: Isao Tomita- Clair de Lune (Debussy) Clair de Lune (disco: Snowflakes are dancing, 1974) | Canal en Youtube de valledelconejo

Logos live (Tangerine Dream)

Se trata de un maravilloso disco de Tangerine Dream para el que quiera conocer al grupo en sus inicios. Es el octavo disco de la banda y el cuarto en vivo y representa una transición de la música de Tangerine de lo experimental a lo más melódico. Y, si se quiere, comercial.

Video: Tangerine Dream: Logos Live | Canal en Youtube de Richard W

 Blade Runner (Vangelis)

Vangelis compuso la banda musical de la película producida por Ridley Scott y protagonizada por Harrison Ford. La grabó en su propio estudio en Londres utilizando un conjunto de instrumentos electrónicos y recursos muy superiores a los usados en los discos previos (sintetizadores, secuenciadores, caja de ritmos, pianos, instrumentos de percusión, etc.). Es un disco icónico y que ha sido muy influyente para las generaciones sucesivas.

Video: Love theme (disco: Blade runner, 1982) | Canal en Youtube de Richard W

Tuvo, además, un importante éxito comercial, alcanzando el puesto 20 en la lista de álbumes en del Reino Unido. No obstante, este éxito, la versión original no incluyó un número importante de pistas que sí salieron en la película. Pero a favor del disco está, por ejemplo, el uso que hizo Vangelis de voces (Demis Roussos, entre otros cantantes) e instrumentos de viento, particularmente el saxofón (Dick Morrissey).

 Tubular bells (Mike Olfield)

Al igual que Oxygene de Jean-Michel Jarre, Tubular Bells es un disco clave para entender la historia de la música electrónica, particularmente la corriente progresiva. Es un clásico por muchas razones, la primera y principal, porque musicalmente es bastante ambicioso.

Fue grabado cuando Olfield tenía apenas 19 años. Tocó todos los instrumentos (electrónicos y acústicos), para lo cual se tuvo que hacer 273 sobregrabaciones o pistas. Otro aspecto técnico fundamental fue la utilización del sistema de reducción de ruido Dolby. Es un disco muy completo que incluye no solamente el uso de una gran variedad de sintetizadores, sino también voces, batería, percusión, guitarras y el sonido inconfundible de las campanas tubulares.

Mike Oldfield – Tubular bells 1 (part one) 1973 | Canal en Youtube de michelbrans

Al principio el disco tuvo una baja aceptación, pero la misma se fue incrementando con el tiempo, particularmente a partir de que su tema de apertura se utilizó para la banda sonora de la película de terror El exorcista (1973).

La contribución a la música británica fue reconocida cuando Oldfield tocó extractos de Tubular bells durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres. Posteriormente, aparecieron tres sagas adicionales del disco (Tubular bells II, III y The millennium bell).

A diferencia de otros pioneros que utilizaron estudios caseros, Olfield contó con recursos suficientes para disponer de un verdadero y completo estudio de grabación a nivel profesional.

 Oxygene (Jean-Michel Jarre)

Es, como dijimos anteriormente, otro clásico del REP. Fue grabado por JMJ en un estudio improvisado en la cocina de su casa, utilizando varios sintetizadores analógicos y un sintetizador digital.

Particularmente pensamos que este disco dio un salto adelante en el sentido de apuntar hacia lo que se llama la música ambiental o ambient, desarrollada en la misma época por Brian Eno (de la música ambient hablaremos en una posterior entrega). Este salto se puede apreciar claramente si se compara con Tubular bells.

Vídeo: Jean-Michel Jarre – Oxygene, Pt. 1 (Official Music Video) | Canal en Youtube de Jean Michel Jarre

Como casi todos los discos de música electrónica progresiva, al principio, inmediatamente después de su lanzamiento, no tuvo muy buena acogida. Inclusive obtuvo algunas críticas feroces porque en esa época estaba muy de moda el punk británico. No obstante, con su internacionalización, a partir del año 1977, el álbum alcanzó el número uno en las listas francesas, el número dos en las listas del Reino Unido y el número 78 en las listas de Estados Unidos.

En 2007, Jarre produjo una nueva versión del álbum, grabado en vivo, para un lanzamiento en DVD que incluía video en 3D. El título del nuevo conjunto de DVD-CD es Oxygène: Live in your living room.

 Heaven and earth (Kitaro)

Hemos dejado para el final una verdadera joya de disco, el soundtrack de la película Heaven and earth, dirigida por Oliver Stone y cuya música en su totalidad fue compuesta por Kitaro. Una de las razones de la escogencia es ver que el REP tiene claras influencias del rock progresivo (lo que analizamos en la entrega anterior) pero también, y con mucha fuerza, de la música clásica.

Lo que queremos decir se traduce en que Kitaro compuso la música de este maravilloso disco usando sintetizadores e instrumentos electrónicos y, a partir de ello, elaboró las partituras para que una orquesta y coros interpretaran y grabaran la música. Es decir, estamos hablando de un nivel en el cual la música contemporánea, en este caso la música electrónica, se acopla perfectamente a la música clásica o académica.

En cuanto a la música, por supuesto es bellísima, por momentos sublime, con un sonido oriental muy claro. En la partitura podemos ver percusión de sonido exótico, gongs y flautas en contraste con los sonidos de la orquesta y, en menor medida, de los sintetizadores. También presenta huqin (violín) chino, melodías folclóricas vietnamitas y texturas vocales similares a cánticos. Además, está lleno de ricos timbres orquestales y tambores taiko.

La película de Stone consiguió ganar el Globo de Oro en el año 1993 como “mejor película” e igualmente alcanzó el premio con la mejor banda sonora original.

Video: Heaven and earth (Land Theme, 1993)  | Canal en Youtube de Kitaro

En el próximo artículo hablaremos en detalle del rock progresivo de los años 70 y sus principales derivaciones a la música ambiental (ambient), al glam rock (“glam” por glamour) y al rock alternativo.

Las opiniones emitidas por los articulistas son de su entera responsabilidad. Y no comprometen la línea editorial de RunRun.es

Este peo es mi peo, y no me tengo que ir. Como digo en la canción, hay gente que se cansa; yo también a veces me agoto y sigo aquí porque no soy de ningún otro lado

 

@_humanoderecho

¿Cómo sientes que ha cambiado el país desde «Por eso estamos como estamos» hasta «Venecadencia»? ¿Por qué elegiste el nombre Venecadencia para el disco? ¿Cuántas personas te ayudaron en la producción de la obra? Estaremos conversando con Ricardo Del Búfalo sobre todo lo relacionado con este reciente proyecto musical.

Vídeo: Sentimiento nacional | Canal en Youtube de Ricardo Del Búfalo – Tema

Ricardo Del Búfalo es un comediante y guionista venezolano. Venecadencia es el título de su primer disco y sus canciones tiene giran alrededor de “un venezolano de la decandencia”.

Al preguntarle sobre las reacciones a esta iniciativa, el humorista nos cuenta: “Varios de los comentarios que he recibido del disco son del tipo «Yo no quería saber nada de política, pero Venecadencia me reconectó de alguna manera». Y es que no hablo de política, hablo de nuestra situación, hablo de nuestra vida».

Presentado por Génesis Zambrano (@medicenmouzo) y Luis Serrano (@akaLuisSerrano). Somos el radio web show semanal que mezcla la buena música con gente que ayuda a gente. Transmitido por diferentes plataformas del país, es producido por RedesAyuda y Provea.

Más contenido en humanoderecho.com

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Hablar de música es una cosa muy amplia, abunda información en internet. Pero cuando se habla de música seriamente y de manera integral, la perspectiva es diferente

 

@albertotobio

Pensar en hablar de música es una cosa muy amplia, que se puede abordar de muchas formas. De hecho, en internet hay una vasta información al respecto. No obstante, cuando se habla de música seriamente y de manera integral, la perspectiva es completamente diferente.

Lo anterior significa muchas cosas, pero, primero que todo, que la música en general es una rama de las artes influenciada por acontecimientos de la historia y de hechos relacionados con las sociedades, la naturaleza, el ser humano, la familia, la paz e, inclusive, las guerras. Pero, además, la música hay que analizarla más allá de lo que nos entra directamente por los oídos (melodías o ritmos que nos gustan).

Hay aspectos maravillosos de la música que es necesario entender para lo cual no es necesario que seamos músicos expertos o profesionales. Por ejemplo, la melodía y el ritmo, y cómo se relacionan entre sí. Pero, además, las letras, que en muchos casos son profundas, con contenidos fabulosos y que nos sirven en muchos casos para ver la vida de otra manera, casi siempre en sentido positivo.

En las siguientes diez entregas vamos a hablar de dos subgéneros de la música rock: el rock progresivo y el rock electrónico progresivo. Este último visto como una derivación del anterior.

Ambos subgéneros comparten: el alto nivel musical referido a las composiciones, la alta calidad y contenido de las letras (solamente aplicable al rock progresivo); las grandes innovaciones tecnológicas, especialmente referidas a las técnicas de grabación y los avances en los diseños de los instrumentos musicales; y, por supuesto, el virtuosismo de los músicos que intervienen.

El rock progresivo viene del rock clásico (representado, por ejemplo, por The Beatles o The Rolling Stones), pero donde se busca una mayor complejidad en la música (ritmo, melodía y armonía) y se escriben letras con contenido y con aportes muy importantes para la sociedad, la ciencia y la vida humana.

Se puede afirmar que se ha extendido hasta nuestros días. Sin embargo, el auge de la primera ola fue hacia finales de los años setenta y principios de los ochenta con grupos como: Procul Harum, Renaissance, Genesis, Yes, Pink Floyd y Camel. Una transición con Rush y Asia. Y, más recientemente, una nueva ola con bandas como The Flower Kings, Marillion, Dream Theater y Steven Wilson, entre otros.

En el caso venezolano, tenemos el caso del grupo Témpano, que ya en el año 1979 había publicado un disco de rock progresivo (Atabal-Yémal).

Vídeo: Témpano – Atabal–Yémal (1979) || Full Album | Canal en Youtube de Coleccionistas De Rock Venezolano

Es definitivamente una música bastante más compleja que el rock clásico desde el punto de vista de los ritmos (compases más complejos y que varían continuamente), al igual que melodías y armonías más sofisticadas. Por otra parte, letras con más contenido, como dijimos anteriormente, experimentación en el estudio en cuanto a técnicas de grabación, y en muchos casos álbumes conceptuales (por ejemplo, Nude de Camel, The Lamb Lies Down on Broadway de Genesis o The Wall y The Dark Side of the Moon de Pink Floyd). Ha recibido influencia de otros géneros como la música clásica, el jazz, rhythm and blues, etc… La búsqueda artística va mucho más allá de lo comercial y se persigue dar mayor peso y credibilidad artística a la música rock.

Vídeo: The Lamb Lies Down on Broadway Illustrated – Complete | Canal en Youtube de de Nathaniel Barlam

Aproximadamente con diez años de diferencia, hacia mediados de los años setenta, comienza a surgir con fuerza el rock electrónico progresivo, con pioneros como el alemán Klaus Shulze, apoyado en la aparición del sintetizador Moog. El rock electrónico progresivo mantiene la “complejidad musical” del rock progresivo, pero sin voces ni letras. Es decir, el artista se las arregla para componer piezas que, solamente con la música, logren despertar en el oyente sensaciones y sentimientos que el compositor desea transmitir. Y esto, a mi manera de ver, es de muy alto nivel musicalmente hablando…

Principales exponentes: Tangerine Dream, Kitaro, Vangelis, Suzanne Ciani, Brian Eno, Roger Eno, Cluster, etc. Por cierto, Brian Eno hace una derivación maravillosa de la música electrónica en lo que se ha llamado música ambiental (ambient). Este tema también lo vamos a abordar.

Vídeo: Brian Eno – An Ending (Ascent) (Remastered 2019) | Canal en Youtube de Brian Eno

En el caso venezolano, destacarían los casos de Ángel Rada, Miguel Noya y Vinicio Adames, entre otros.

En la próxima entrega comenzaremos nuestro viaje con los inicios del rock progresivo.

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Para Asier Cazalis lo peor de la tecnología es la toxicidad en las redes: “Ese moralismo fundamentalista (…) donde todos tenemos que aparentar ser perfectos”.

 

@bocaranda20

Asier Cazalis casi llega a los 50 años y lleva la mejor parte de las últimas tres décadas deleitando a públicos jóvenes y adultos a través de las letras y las canciones de su banda Caramelos de Cianuro. Asier ha podido recorrer, durante todo este tiempo, toda la escena musical del rock venezolano con calidad de exportación.

Caramelos de Cianuro se convierte cada vez más en una marca internacional, aprovechando el impacto que tiene en los venezolanos en el exterior. Asier, además de ser el cantante y el líder de Caramelos de Cianuro, también goza de uno de los mejores nombres, del sentido del humor y manejo de su imagen dentro de todo lo que tiene que ver con el rock and roll venezolano.

Vídeo: Caramelos de Cianuro – Rubia Sol Morena Luna | Caramelos de Cianuro

Sin lugar a duda, no solamente Caramelos de Cianuro es sinónimo de venezolanidad, sino que también Asier se ha convertido en un grandísimo apoyo para infinitas organizaciones con causas benéficas.

Durante estas últimas tres décadas Asier ha vivido en un ecosistema musical que cada vez se vuelve más digital e internacional. Ha visto cómo la música pasa de los CD a lo digital para consumirse en cualquier parte del mundo.

Para mí es un honor tener el día de hoy el Cuestionario 2.0 de Asier Cazalis.

–¿Qué es lo mejor que te ha dado la tecnología?

–Lo mejor que me da la tecnología es, sin duda, la capacidad de comunicarme con mi familia cuando estoy lejos, ya que viajo mucho. Otra cosa que me encanta es poder acceder a prácticamente toda la música que existe y eso es increíble.

–¿Cuál dispositivo es indispensable para tu día a día, y por qué?

El dispositivo indispensable para mí no es nada original. Me parece que con el celular cada vez hacemos más y más cosas. Existe una app para todo. Y, para bien o para mal, estamos ligados a ellos constantemente.

–¿Cuál fue el primer celular que tuviste y cuál es el primer recuerdo que tienes de una computadora?

–La primera computadora que tuve en mi casa… imagínate, yo vengo de una familia de computistas. Mi papá es doctor en computación, así que mi casa siempre ha estado llena de computadoras y de aparatos electrónicos desde que yo era muy niño; incluso, desde antes de que fuese normal tener una computadora en la casa.

–¿Qué es lo peor que te da la tecnología?

–Lo peor que nos ha dejado la tecnología es esa toxicidad en las redes, esa polarización tan grande y ese moralismo fundamentalista que, de alguna manera, está abarcando el mundo, en donde todos tenemos que aparentar ser perfectos cuando nadie es perfecto.

–¿Cómo ha impactado la tecnología el trabajo que haces y cómo crees que lo impactará en el futuro?

–Por supuesto que la tecnología ha impactado el trabajo de todos los artistas; no solo el de nosotros los músicos. Eso no quiere decir que sea más que una herramienta. Yo creo que, como cualquier herramienta, te ayuda a formar la idea, pero esa idea tiene que venir del artista.

–Si tuvieses que recomendar un pódcast, ¿cuál sería?

–Puedo recomendar un pódcast que me gusta, está en inglés. Me gusta mucho el de Sam Harris que es un filósofo evolucionista, un tipo muy interesante, intelectual y siempre tiene buenas entrevistas.

Video: The Future of American Democracy: A Conversation with Andrew Yang (Episode #262). 

–Si solo pudieras seguir una sola cuenta de Instagram, ¿cuál sería?

–Si pudiera seguir solo una cuenta de Instagram, seguramente no utilizaría Instagram. Ninguna cuenta es tan importante para mí como para visitar esa red social solo por ella.

–Todos tenemos una app favorita, ¿cuál es esa app que abres varias veces al día?

–Mi app favorita, es la de streaming de música de Apple, que es el que yo tengo, y lo abro todo el tiempo, y todo el tiempo estoy descubriendo música nueva, vieja, cosas populares, cosas extrañas, todo tipo de música.

–¿Cuál es la página web que visitas todos los días religiosamente?

–Un par de páginas web que sigo de noticias, de cultura, me gusta mucho The Atlantic, y también Slate; aunque ya no la sigo tanto porque se ha puesto demasiado progre, pero igual esas son las dos páginas que yo diría que visito cotidianamente.

–¿Estás viendo alguna serie o película vía streaming? ¿Cuál?

–Acabo de ver Halston, en Netflix. Está muy bien hecha, es muy interesante y, además, hay un personaje que es venezolano que es muy curioso. La recomiendo.

Video: HALSTON | Tráiler oficial | Netflix

–Cuéntanos de alguna vez que recuerdes que un avance tecnológico te haga sorprendido. 

–Un avance que me sorprendió mucho fue Shazam, una aplicación para reconocer canciones que puede estar sonando en una tienda, en un centro comercial o en la calle y la reconoce. Me parecía increíble que la aplicación lograra reconocer la canción en un tiempo tan rápido. Después, como ingeniero en computación que soy, cuando entendí cómo funcionaba el algoritmo me pareció muy claro, pero, a la vez, muy genial la idea. Y hoy en día todavía me parece que funciona sorprendentemente bien.