Alberto Tobío Martel

Como dijimos en la entrega anterior, este artículo se lo vamos a dedicar al II grupo de bandas que están en un punto medio, o equidistante, entre el rock y el pop

@albertotobio

Algunas precisiones iniciales

Tan cual como dijimos en el artículo anterior (el N° 13), el segundo grupo de bandas o grupos de neorrock progresivo (NRP adelante) están ubicadas de manera “equidistante” entre el rock y el pop. Obviamente lo de equidistante lo colocamos entre paréntesis porque es imposible que ocurra esto de manera homogénea entre las diferentes bandas que caen en esta categoría. Además, en un mismo disco, una banda puede tener canciones más o menos alejadas de ese centro, que obviamente es muy relativo y subjetivo.

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Pero, personalmente, pienso que las siguientes bandas pudieran pertenecer a este grupo. Estas son: Mystery, Freedom to Glide, Steve Rothery Band y Jogi Lang.

• Mystery es una banda canadiense excelente, creada en el año 1986, que hace un rock progresivo moderno y bastante comercial, con pasajes breves “no tan suaves”. Es un buen ejemplo de la situación actual del NRP en el sentido de que pueden convivir perfectamente la música rock bien hecha con lo comercial.
• Freedom to Glide (algo así como Libertad para Planear) es, en la actualidad, una de mis bandas favoritas. La banda, creada en 2010 en Londres, hace una música amplia, con algunos elementos que van más allá del rock, inclusive, algo de jazz. Pero, lo más importante, hace una música bastante conmovedora, muy cercana a la poesía, con letras muy profundas que tocan temas sensibles como las guerras y sus terribles consecuencias.
• Jogi Lang, es el cantante y tecladista de la banda alemana RPWL. Inicia su carrera solista en el año 2010 y, aparte de poseer una voz extraordinaria, plantea letras muy profundas y comprometidas y propone una música muy melódica. (RPWL es una banda alemana de rock progresivo. La misma se formó en 1997 y, en un principio, se dedicó a hacer versiones de Pink Floyd. Su nombre proviene de la primera letra del apellido de cada uno de sus cuatro miembros originales: Chris Postl, Phil Paul Rissettio, Yogi Lang, y Karlheinz Wallner).
• The Steve Rothery Band (2014). Esta agrupación, creada por el guitarrista de Marillion, hace una maravilla de rock progresivo, no tan complejo, pero con elementos claros de virtuosismo, especialmente por los solos de guitarra. Pero tiene la virtud de ser bastante sencilla en sus estructuras. Además, es 100 % instrumental.

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Mystery

Esta maravillosa banda canadiense ha publicado hasta el presente un total de ocho (8) discos en estudio desde el año 1996 hasta la actualidad.

Haciendo un poco de historia, Mystery lanzó su primer álbum, Theatre of the Mind (Teatro de la Mente), en 1996 y, luego, Destiny en 1998, ambos con Gary Savoie como voz principal. En 2007, la banda lanzó su tercer álbum, Beneath the Veil of Winter’s Face, (Debajo del velo del rostro del invierno), con el cantante Benoît David (exvocalista de Yes), quien grabaría dos álbumes de estudio más con la banda: One Among the Living (Uno entre los vivos), en 2010, y The World is a Game (El mundo es un juego), en 2012.

En 2015, la banda lanzó su sexto álbum y el primero con el actual cantante Jean Pageau: Delusion Rain (Lluvia de engaño), seguido de Lies and Butterflies (Mentiras y mariposas), en 2018, y Redemption (Redención), el 15 de mayo de 2023.

Por cierto, el disco de 2018 es uno de mis preferidos, y a continuación, les hago un breve resumen y les incluyo el link con la grabación completa:

Lies and Butterflies

El próximo link es para que disfruten de una canción realmente hermosa: How do you feel? (del disco del año 2018: Lies and Butterflies), en directo en la gira de ese mismo año. La perfecta conjunción entre el rock y el pop y… tres solos de guitarra realmente perfectos:

Redemption

A continuación, les coloco el link al último disco de la banda: Redemption. Sencillamente, impresionante:

Freedom to Glide

Freedom to Glide (en adelante, simplemente, F2G) es una banda de rock progresivo de Inglaterra, conformada en el año 2010 por dos extraordinarios y completos músicos: Pete Riley y Andy Nixon. Ambos, muy amigos, tocaban juntos en una banda tributo a Pink Floyd.

La banda reúne el sonido de Pink Floyd, King Crimson y Porcupine Tree, así que imagínense la calidad musical de la misma.

A continuación, les dejo una reseña del fabuloso disco Rain, que es, en gran medida, el sucesor espiritual de The Final Cut (El corte final), de Pink Floyd.

Con respecto al disco Rain: “… con su tema conceptual de los costos de la guerra. Es un disco bellamente tocado y perfectamente grabado. ‘Rain’ es un retroceso a las melodías sublimes y el fluido trabajo de guitarra similar al de Pink Floyd, con un toque de Crimson de la era ‘Starless and Bible Black’”. Conmovedor e inteligentemente escrito, no sorprende que el álbum obtuviera varios aplausos (incluido el álbum del año de Prog Mill), tras su lanzamiento”. Comentarios de Phil Stiles.

Seed

Seed es el tercer álbum de F2G y completa su trilogía antibélica que comenzó en 2013 con Rain, y seguida de Fall, en 2016. Con Seed, la banda ha reunido todos los aspectos de su sonido único para producir un concepto muy centrado y personal. Es un disco conceptual basado en la experiencia de un hombre en 1918, el último año de la Primera Guerra Mundial. Musicalmente, F2G nos lleva en un viaje cinematográfico a través de su ahora familiar paisaje sonoro de sintetizadores en capas, guitarra acústica evocadora, piano atmosférico y solos de guitarra altísimos.

Con respecto al concepto del disco: “Al salir de la guerra a principios de 1918, un soldado, que lucha por aceptar el hecho de que la guerra parece no tener un final a la vista, comienza a concluir que su muerte es inevitable. Temiendo que esta sea la última vez que los vea, le dice a su familia que se preparen para lo peor. En los meses siguientes se da cuenta de cuánto le ha costado la guerra a él, a su familia, a sus amigos y, de hecho, a toda la humanidad. Mientras sus pensamientos se dirigen al resto del mundo, se encuentra con un médico ‘enemigo’ que lleva a un compañero soldado a un lugar seguro. Los dos hablan y encuentran un respeto mutuo mientras la inutilidad de la guerra los mira cara a cara. Con el fin de la guerra ahora a la vista, encuentran un rayo de luz en la oscuridad de la guerra, una semilla de esperanza de que tal vez la paz esté a su alcance”. Fuente: freedomtoglide.band.com 

Ahora vamos a hacer algo diferente, un poco para evidenciar lo maravillosa que es esta banda. En primer lugar, les pongo una gran canción del disco Seed. En segundo lugar, una entrevista de unos 20 minutos a los miembros de la banda, hablando de la creación de Seed y de la trilogía conformada por los tres primeros discos. Finalmente, la interpretación de la canción Enigma, del disco Fall.

A continuación, posiblemente mi canción preferida del disco: The space between the lines (El espacio entre las líneas). Es perfecta: muy melódica, una introducción de piano y voz hermosa, una base rítmica regular, un gran solo de guitarra, letras antiguerra. ¿Qué más se puede pedir?…

Seguidamente, una entrevista a F2G sobre el lanzamiento de su tercer álbum, Seed. La misma fue grabada en vivo en Harborough FM, en mayo de 2019. En ella, Andy Nixon y Pete Riley hablan sobre la realización del último álbum y cómo todo el concepto evolucionó hasta convertirse en la trilogía “antiguerra”: Rain, Fall & Seed.

Por último, la presentación de los músicos “por separado y en diferentes localidades” de la canción Enigma del álbum Fall, de 2016. Enigma es el tributo de la banda al genio descifrador de códigos y matemático de la Segunda Guerra Mundial: Alan Turing.

Jogi Lang

Yogi Lang dio sus primeros pasos en la música como tecladista y cantante en bandas del colegio. Su creciente amor por los sintetizadores analógicos convirtió su dormitorio en una nave espacial burbujeante y giratoria. A finales de los años 80 abandonó sus estudios de trabajo social y se trasladó a una escuela de ingeniería de audio. Trabajar en estudios de sonido se fué conviertiendo cada vez más en su principal ocupación. En esos primeros días, Lang produjo la banda Violet District y su célebre álbum debut, “Terminal Breath” (El aliento final). El encuentro con el guitarrista Kalle Wallner y el bajista Chris Postl fue la base para la banda RPWL que más tarde fundarían.

Siguieron años de trabajo de estudio con numerosas producciones como la banda de rock/pop The Schroeders, incluido su gran éxito Lass uns schmutzig Liebe machen (en alemán, Hagamos el amor sucio), que alcanzó oro y platino, y la banda de rock/metal Megaherz.

En este período Yogi comenzó a componer canciones y música para películas, como el filme Die Ratte (La rata) del director de culto alemán Klaus Lemke, la serie de televisión alemana Nicht von Schlechten Eltern (Nada mal) y la música para el programa de televisión de vacaciones escolares del ZDF. También escribió y produjo música para empresas de renombre como VW, Audi, Mercedes, Toyota y muchas otras.

Después de estos exitosos años de estudio, llegó el momento de volver a sus raíces: una banda, escribir canciones con sus amigos, tocar en vivo, todas las cosas que hicieron que Lang eligiera el camino de la música en primer lugar.

En una producción de estudio en 1997, Yogi volvió a encontrarse con Kalle Wallner y hablaron sobre tocar en vivo. Junto con el bajista Chris Postl y el baterista Phil Paul Rissettio, fundaron la banda RPWL. Su álbum debut God Has Failed (Dios ha fallado). En el año 2000 fue tan bien recibido el disco y la banda, que decidieron continuar y así lo han hecho hasta el día de hoy.

Él y Kalle también construyeron The Farm Studios, cerca del aeropuerto de Munich, para poder trabajar en las grabaciones de la banda y, en 2010, fundaron su propio sello discográfico, Gentle Art Of Music.

Trabajar con otras bandas y artistas en el estudio sigue siendo parte de la vida de Lang: Subsignal, Blind Ego, Ray Wilson, por nombrar solo algunos artistas.

A way out of here

Paralelo a esta fascinante historia, a Lang le quedó tiempo para grabar dos álbumes en solitario: No Decoder (Sin decodificador), en 2010, y el último trabajo en estudio: A way out of here (Una manera de salir de aquí), en 2019.

Fuente: tomado y adaptado de: yogilang.com

A continuación, les dejo el link al disco completo, A way out of here:

Finalmente les coloco un video para que puedan apreciar a Yogi Lang en directo, con: 4 Songs Live, grabado en: De Cacaofabriek, Helmond, Holanda.

La alineación de la banda es:

Yogi Lang: voz principal y techados; Torsten Weber: guitarras; Markus Jehle: teclados; Kalle Wallner: bajo; Marc Turiaux: batería; Caroline von Brünken & Bine Heller: coros.

Steve Rothery Band

Steve Rothery (Brampton, Yorkshire del Sur, 25 de noviembre de 1959) es un músico británico. Es el guitarrista original y miembro en activo más longevo del grupo de rock británico Marillion, banda considerada la más exitosa de la escena británica del rock neoprogresivo de los años 80.

A día de hoy, el grupo ha vendido más de 15 millones de discos. Como solista, Rothery ha grabado dos discos con el dúo The Wishing Tree (El árbol de los deseos) y también lanzó un disco instrumental en solitario durante el mes de septiembre de 2014 (el cual reseñamos a continuación).

Según la revista Guitar Player, Rothery “es un especialista creando atmosferas con sonidos ricos, diferentes guitarras y procesamiento de efectos”. En 2001, Rothery fue declarado el mejor guitarrista de los condados de Yorkshire y Humberside a través de una encuesta de la revista Total Guitar. MusicPlayers.com lo considera una de los mejores guitarristas de rock progresivo, y de él dicen que “nunca intenta destacar, siempre toca por el grupo y no para sí mismo, pero cuando brilla, brilla con fuerza”. Lo han comparado con John Petrucci (Dream Theater y Liquid Tension Experiment), David Gilmour (Pink Floyd) y Alex Lifeson (Rush).

A continuación, el álbum que escogí para hablar de el: The Ghost of Pripyat (El fantasma de Pripyat), el cual es un disco conceptual que habla de una ciudad fantasma que fue afectada por la tragedia de Chernóbil y evacuada completamente en el año 1986. Fue diseñada completamente “desde cero” para alojar precisamente a los trabajadores de la central nuclear y sus familias. Comenzó a construirse en el año 1970.

Por cierto, este maravilloso disco cuenta con una cantidad importante de músicos invitados; entre ellos, Steve Hackett (toca la guitarra en dos canciones (1 y 3) y Steven Wilson (track 3).

The Ghosts of Pripyat

A continuación, una breve reseña de este fabuloso disco: “Como gran fan de Marillion, compré este álbum sin escuchar ni una sola canción y quedé totalmente impresionado. Rara vez escucho una grabación que penetre tan completamente en mi alma y evoque respuestas tan emocionales como este álbum. Steve Rothery es un guitarrista legendario que literalmente te lleva a un viaje. Este es un álbum realmente fantástico. Lo que más lamento es que me deja deseando más. ‘Morpheus’ y ‘Summer’s End’ son mis favoritas. Un trabajo realmente sorprendente”. Fuente: Spectre 1966 (en el sitio web oficial del disco).

El link al disco completo:

En el próximo link podrán apreciar en directo al que muchos especialistas consideran, hoy en día, dentro del “top ten” de los guitarristas de rock: Steven Rothery. En concierto reciente el año pasado en Katine, Köln (Alemania).

En la próxima entrega (la N° 15), hablaremos del grupo III, es decir, aquellas bandas que se encuentran, hoy en día, más cerca del pop que del rock. Entre ellas, una de las más destacadas, al menos para mí, es Fish on Friday (Pescado los Viernes).

Hasta pronto…

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Este artículo y los siguientes me han confirmado que el rock progresivo (RP) no ha desaparecido, más bien se ha actualizado a las nuevas realidades tecnológicas, sociales y, por supuesto, de la música en el contexto global…

@albertotobio

Algunos resultados de lo que he venido investigando en el último año

En el artículo 7 decíamos que la “La década de los años 90 fue muy importante en el sentido de lograr la consolidación del RP y marcar el camino de lo que se creó de allí en adelante. Por una parte, se continuó renovando lo que ya se había iniciado en la década anterior con agrupaciones como Marillion y Porcupine Tree. En este sentido surge lo que podríamos llamar el “neorrock progresivo” (NRP) que se ha extendido hasta los años 2000”.

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Como les comenté, he estado investigando por cuenta propia la aparición de nuevas bandas de lo que se puede llamar NRP a partir de los años novena. Y, para mi sorpresa, he averiguado algunos datos interesantes que me han llevado a la conclusión que el RP no ha desaparecido, sino más bien ha evolucionado y se ha reinventado para poder sobrevivir y, además, llegar a públicos cada vez más amplios y diversos.

Lo cierto es que tengo actualmente una base de datos de 72 bandas de rock, todas ellas de una gran calidad. Por supuesto, no tengo discos de todas ellas (sería imposible); pero sí es verdad que las he escuchado a todas, por lo menos un disco de cada una de ellas y algunas (gracias hoy en día a la modalidad de “streeming”).

En el gráfico anterior podemos ver que la mayor parte de estas nuevas bandas han surgido en la década 2000-2010, aproximadamente un 21 %. Pero también llama la atención que el 7 % de ellas no tienen ni 5 años de haber sido creadas. Si hiciéramos una cifra agregada tenemos que casi el 70 % de las nuevas bandas de NRP se han formado en los años dos mil.

Origen de las bandas de NRP

Pero además de eso, tenemos que el 83 % aproximadamente de estas nuevas bandas pertenecen a países europeos y, de ellas, el 50 % son del Reino Unido.

Las cifras anteriores, aunque son muy llamativas, la verdad es que no nos sorprenden. Recordemos que, en el Reino Unido, y especialmente Inglaterra, muchas bandas originarias de rock fueron influenciadas por la música clásica o académica, lo cual es un ingrediente fundamental del RP. A diferencia, en EE. UU., se tuvieron otras influencias como el blues y el soul (ambos géneros correspondientes a música afroamericana)

También es importante la participación de grupos procedentes de EE. UU. y Canadá. De hecho, de las cuatro bandas de las que vamos a hablar en el presente artículo, tres de ellas son norteamericanas y una del Reino Unido.

Un primer intento de clasificación

La verdad no es fácil clasificar este conjunto de bandas. En primer lugar, porque la mayoría de ellos no hace una música “pura”, es decir que contiene un único subgénero. En segundo lugar, porque predominan en esta clasificación criterios muy personales y, por consiguiente, altamente subjetivos.

Lo primero es decir que tienen un “eje musical” progresivo. Eso sí, y como ya hemos comentado en artículos anteriores, un progresivo más simple musicalmente hablando, lo cual abarca los ritmos, las melodías y armonías. Pero también letras menos complejas que las que escribían las bandas de rock progresivo clásico de los años sesenta y setenta. En resumen: se mueven hacia el pop al incluir ritmos más sencillos y regulares, melodías y armonías menos complejas y más repetitivas (más fáciles de memorizar y cantar), coros o estribillos más pegadizos y, por supuesto, letras más directas y sencillas.

Yo diría lo siguiente. Estas bandas se mueven entre el rock y el pop en tres grupos:

1. Las bandas que están más cerca del rock progresivo clásico. Aquí se encuentran, por ejemplo: The Mute Gods, The Progressive Collective, Sylvian, Thirteen of Everything, Isobar, Transatlantic, entre otras.
2. Aquellas que están en el medio entre el rock y el pop: Mystery y Freedom to Glide son dos buenos ejemplos.
3. Aquellos grupos que están más cerca del pop y que, por esta razón es mucho más fácil de digerir su música: Fish on Friday, Lee Abraham, Tony Paterson y Tim Bownes.

Pero, además, yo agregaría tres categorías más que se diferencian bastante de lo anterior:

1. Las bandas con gran influencia de jazz: Flying Colors, Snarky Puppy, Benjamin Croft, Zopp, Octarine Sky y Amoeba Split (algunas de ellas muy influenciadas por la llamada Escena de Canterbury (artículo 10).
2. El denominado posrock: el ejemplo más característico es Held by Trees.
3. Las bandas más experimentales o, si se quiere, eclécticas: Porcupine Tree, Steven Wilson y No-Man.

En los próximos artículos vamos a estar conversando de estos seis (6) grupos en el orden que les he mostrado, uno por uno.

Las bandas que están más cerca del rock progresivo clásico (I)

En este grupo he seleccionado cuatro (4) bandas que están más pegadas hacia las tendencias más clásicas del rock progresivo.

Una de ellas, Transatlantic con algunos ingredientes de hard rock, y la otra, Isobar, muy apegada al RP tradicional pero completamente instrumental. La tercera, Thirteen of Everything, es una banda de Austin (Texas), con un énfasis sinfónico importante.

La última, Progresive Collective, que más bien se trata de una banda experimental que aglutina grandes músicos para hacer composiciones nuevas, pero también para reeditar clásicos del RP, con arreglos realmente diferentes y bastante contemporáneos.

Isobar

Se trata de una banda de RP 100 % instrumental, originaria de San José, California, y de muy reciente creación (2020). A mí, en particular, me gusta mucho, no solo por la complejidad musical que es obvia, sino también por el hecho de ser instrumental, lo cual no es nada frecuente en la música que se hace en nuestros días.

A continuación, un comentario de un especialista que resume muy bien la música que hace esta agrupación: “Isobar vuelve a hacer el milagro y nos ofrece un nuevo y espléndido álbum progresivo, que es a la vez extremadamente complejo y completamente libre de ingredientes pseudo-progresivos tontos e innecesarios. ¡Así debería ser el progreso, en mi opinión! ‘The Jury Of Ten Men Suite’ (El jurado de los diez hombres Suite) de cinco partes (pistas 6 a 10) es una de las mejores cosas que he encontrado este año. Y Mattias Olsson a la batería es la guinda del pastel. Por cierto, mis créditos de composición original estaban equivocados: Malcolm Smith crea la mayor parte del material y los otros dos contribuyen. La pista favorita: The Suppressor of the Archives”. (Comentario de Sven B. Schreiber, SBS).

Isobar II

A continuación, les coloco una canción del disco Isobar II que he seleccionado para ustedes, para que tengan una idea de lo que estamos diciendo: Short Story Long (Historia corta larga), de casi 10 minutos de duración. Una música un tanto intrincada, con arreglos muy bien logrados, ritmos cambiantes, y melodías y armonías complejas.

Transatlantic

Como ya hemos dicho en entregas pasadas, hacia finales de la década se crean bandas renovadas de RP. Entre ellas, una de las más destacadas es, sin duda, Transatlantic (1999).

Transatlantic es una gran banda, de lo mejor de los últimos años, por varias razones. En primer lugar, porque está conformada por cuatro músicos brillantes: Neal Morse, líder vocalista, teclados y guitarra (exintegrante de Spocks Beard); Mike Portnoy, batería, percusión y coros (a finales del año pasado anunció su reincorporación a Dream Theater, después de 14 años de ausencia); Roine Stolt, guitarras y coros (The Flower Kings) y Pete Trewavas, bajo y coros (Marillion).

En segundo lugar, porque está liderada por uno de los compositores más brillantes y prolíficos de los últimos años: Neil Morse. Esta afirmación no es mía, por su puesto. Ha publicado, como solista y en las diferentes bandas en las que participa, alrededor de 30 discos en estudio y unos 10 en directo. Es un compositor impresionante y profundo, que trata en sus canciones temas claves como la necesidad de valores positivos en el ser humano y la espiritualidad, aunque no necesariamente se crea en un Dios “con nombre y apellido…”.

Finalmente, por la evidente calidad de sus composiciones, tanto música como letras. Una buena cantidad de sus discos son “conceptuales”, lo cual es un sello característico del RP. Por ejemplo, el disco de Neil Morse Band, titulado: The Great Adventure (La gran aventura, 2019), con una historia tan profunda, pero real, como la aventura que es la vida y el soñar con un mundo mejor.

A manera de historia, Transatlantic se separó con la retirada de Morse para lanzar su carrera como músico cristiano, lo cual también incluyó que abandonara Spock’s Beard. Un DVD en vivo, que muestra el último tour del grupo, fue lanzado en 2003, y presentaba muchos de sus grandes éxitos y, además, una versión del disco Abbey Road, original de The Beatles. La edición extendida también contiene una versión de Pink Floyd de la canción “Shine on You Crazy Diamond”. A manera de bono, Daniel Gildenlöw de la banda Pain of Salvation aparece a lo largo del DVD como un quinto miembro invitado del grupo, tocando teclados, guitarra, percusión e, incluso, cantando.

No obstante, después de 7 años vuelven a reunirse en 2009 para sacar su tercer álbum de estudio: The Whirlwind o Torbelino (en octubre de 2009). Un disco en el que continúa sorprendiendo la sinergia de estos grandes músicos y que se compone de una pieza de casi 78 minutos separada en 12 canciones (en lenguaje técnico/musical es una suite). Un disco lleno de creatividad y con notable participación de sus 4 integrantes en todas las canciones.

Existe una edición doble que contiene 4 canciones adicionales de la banda y 4 versiones de Genesis, Procol Harum, América, The Beatles y Santana. Considerando por muchos como el disco del año.

A continuación, les incluyo dos links con las fabulosas canciones Rose Colored Glasses (Gafas de color rosa) y We All Need Some Light (Todos necesitamos algo de luz), en directo en París en el año 2022, tomadas del álbum The Final Flight: Live At L’Olympia.

The Whirlwind

Como comenta un especialista en RP: “un álbum dentro de lo previsto, mejor y más equilibrado que sus anteriores trabajos, en general muy parecido a Bridge Across Forever (Puente para siempre), aunque se le nota más elaborado y menos inmediato. Neoprogresivo, sí. Repetitivo, no. Muy estilo Neal Morse como decía, pero con ligeros matices que a la larga lo distancian de sus creaciones personales. Los solos de Roine Stolt siempre medidos y delicados suben enteros sobre el conjunto de las composiciones y el habitualmente tímido y escondido Trewavas, se descubre como una pieza esencial del disco, con una participación sorprendente y más que notable. Mike Portnoy merece un apunte aparte del resto. Su habilidad para rellenar los huecos en cada uno de los temas, adaptándose al estilo dispar de los mismos y, sobre todo, sin pisar las estructuras desarrolladas, con su justa dosis de protagonismo, demuestran que es sin duda uno de los grandes baterías no ya del momento, sino de la historia”. Fuente: Crítica de Javier Moreno Vega, en rock-progresivo.com

A continuación, les coloco el disco completo:

Thirteen of Everything, ToE (algo asi como “Trece de Todo”)

Thirteen of Everything es una banda moderna de rock progresivo sinfónico fundada en el año 2000 en Austin, Texas, cuyo álbum debut, Welcome, Humans (Bienvenidos, humanos) (Musea Records, 2005), recibió una gran aclamación.

Su álbum de 2019, Our Own Sad Fate (Nuestro propio destino triste) y ahora Time and Other Delusions (El tiempo y otros engaños), de 2023, continúan su inclinación por los arreglos aventureros con ritmos interesantes, cambios de humor dramáticos, melodías fuertes y desarrollo temático. Aunque en gran medida está influenciado por los pioneros del rock progresivo, también hay otras influencias del progresivo moderno y otros géneros. Se caracteriza por un ambiente melancólico, pero también por un humor sutil. Cada canción puede ser bastante diferente de una a otra y presentar una variedad de estados de ánimo; sin embargo, a pesar de este alcance, la música aún conserva un estilo único e identificable que es claramente Thirteen of Everything.

Welcome, Humans

“Esta es una banda estadounidense en un sello francés, reseñada en un sitio canadiense por un holandés, ¡el progrock no tiene fronteras! La música me recuerda a Rush y Kansas (en las ideas, no en el sonido) por los climas dinámicos y alternos y las buenas habilidades de los músicos. La instrumentación es variada: piano, órgano, sintetizadores, guitarras acústicas y eléctricas, bajo, baqueta Chapman, pedales de bajo y batería y percusión…”

“…Las siete composiciones ofrecen mucho placer de RP: hermosa guitarra eléctrica con uso de pedal de volumen y carreras ardientes, órgano grandilocuente y piano boogie woogie o vuelos de sintetizador llamativos, voces poderosas e interacción dinámica y muchos estados de ánimo cambiantes. La ‘magnum opus’ es el tema largo “Late for Dinner” (casi 27 minutos): aunque a veces se me escapa la atención, la mayor parte de esta composición tiene fuerza por los buenos solos en teclados y guitarra, las grandes construcciones y los conmovedores pianos de cola”.

Fuente: Comentarios de Erik Neuteboom, de PROG REVIEWER, en progarchives.com

Les coloco a continuación una excelente canción con la cual comienza el disco, de casi 10 minutos de duración: Flying East (Volando hacia el este):

https://music.youtube.com/watch?v=PY5LubqBr7I&list=OLAK5uy_nX5roLGemKhoTgvh4cnb5tU4YqoBhQaHw

Progresive Collective (PC)

The Prog Collective es un ente musical que está entre ser un grupo y una simple línea de lanzamientos de Billy Sherwood (actual bajista de Yes). Ante el éxito conseguido por su primer trabajo discográfico, lanzó 2 discos más: “The Prog Collective: Worlds on Hold” (Mundos en espera) en 2020 y “The Prog Collective: Songs We Were Taught” (Canciones que nos enseñaron) en 2022.

En el disco de 2020 presentó temas nuevos, pero también versiones de clásicos progresivos de autores como Peter Gabriel, Procol Harum, Alan Parsons… En el caso del tercer disco del proyecto, lanzado el pasado año (2022) y el cual ya mencionamos, hay solo versiones de canciones que marcaron en el pasado a Sherwood, tanto del folk como del rock progresivo: YES, Jethro Tull, Gong, Curved Air y The Flower Kings.

Por eso Seeking Peace (cuarto y último disco) es importante porque es el primero con el 100 % de material inédito. Y es que Sherwood no para, puesto que ya en 2022 lanzaba Don’t Look Down con el supergrupo Arc of Life, el cual fundó con Jon Davison, Jay Schellen, Dave Kerzner y Jimmy Haun. Además, está en plenos preparativos para la nueva gira de YES.

Words on Hold

Algunos supermúsicos que han participado con PC han sido: Todd Rundgren, Geoff Tate, Ron Bumblefoot Thal, Jon Davison, Patrick Moraz, Billy Sherwood, Jan Akkerman, Sonja Kristina, Steve Hillage, Arjen Anthony Lucassen, Steve Hackett, Roine Stolt, Billy Sherwood, Graham Bonnet, Derek Sherinian, Joe Lynn Turner, Martin Barre, David Clayton-Thomas, Geoff Downes, John Wetton, Alan White, Tony Kaye David Johansen y Scott Connor.

Después de una pausa de ocho años, Sherwood revivió PC para Worlds on Hold de 2021 (el primer disco que les presentamos). Lanzado en febrero, el álbum había estado en la etapa de creación durante años. La lista de canciones se dividió entre los originales de Sherwood y una deslumbrante selección de versiones que incluían Solsbury Hill de Peter Gabriel, A Whiter Shade of Pale de Procol Harum y Eye in the Sky de Parsons, en el lado más progresivo del disco.

En la versión extendida, incluyó: People Are Strange, de los Doors; More Than a Feeling, de Boston, y una relectura de Penny Lane, de The Beatles, cantada por el difunto John Wetton como bonus track.

La lista de invitados era habitualmente grande y ofreció una sorprendente variedad de vocalistas invitados, incluidos Todd Rundgren, Geoff Tate, David Johansen y David Clayton-Thomas. Sherwood produjo el álbum y tocó la guitarra, la batería, los teclados y ocasionalmente cantó. Estaba respaldado por una lista de instrumentistas de primer nivel, incluidos los guitarristas Jan Akkerman, Steve Hackett y Steve Hillage, el violinista L. Shankar, los tecladistas Geoff Downes, Patrick Moraz y Tony Kaye, y el baterista Alan White (estos cuatro últimos músicos pertenecientes a gran grupo Yes en diferentes épocas y Alan White, por desgracia fallecido recientemente).

A continuación, tres links: Eye in the Sky (Ojo en el cielo), A Whiter Shade of Pale (Con tu blanca palidez) y Solsbury Hill.

Seeking Peace

Finalmente, les coloco el link a la canción Seeking Peace (Buscando paz), en la cual se puede apreciar claramente el fuerte componente progresivo de la música, pero también, un claro acento de la base melódica. Esta canción pertenece al último disco de la banda publicado el año pasado.

En el próximo artículo conversaremos de las bandas que se encuentran en un punto “equidistante” entre el rock y el pop. Entre ellas, destacan: Mystery y Freedom to Glide.

Hasta pronto.

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Es tan importante y trascendental la banda de Los Beatles, que le vamos a dedicar todo el artículo sobre el rock and roll a ella…

@albertotobio

En los años sesenta se forma en Liverpool (Inglaterra) la que la mayor parte de los especialistas consideran la banda de rock más exitosa e influyente de todos los tiempos: The Beatles.

Y yo, que realmente no soy un especialista en The Beatles, pero sí un admirador, estoy totalmente de acuerdo. Es de esos fenómenos culturales que permanecerá en la mente y en el corazón de muchas personas en el mundo para toda la vida y cuya influencia seguirá pasando de generación en generación.

Es tan importante y trascendental esta banda, que le vamos a dedicar todo el artículo sobre rock and roll a ella…

¿Qué es lo que contiene este artículo y de qué no vamos a hablar?

Bueno estimados lectores, después de un largo receso por las vacaciones de verano, presentamos el último artículo (el numero 12) que cierra el círculo del timeline de la historia del rock, casi siembre centrada en el rock progresivo (RP). Posteriormente comenzará un ciclo de entregas referidas a las nuevas bandas de RP desde la década de los noventa a la actualidad 1 (ya tenemos una muestra de alrededor de 70 bandas de RP, unas más orientadas a lo progresivo, otras hacia el pop, y buena parte de ellas logrando un “equilibrio” entre ambos géneros musicales).

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Pues bien, ¿qué se puede escribir de The Beatles que no se haya dicho? Realmente muy poco, o casi nada, puesto que es una de las bandas de las que más se ha hablado y escrito. Existe una infinidad de libros, unos mejores que otros, revistas especializadas, entrevistas a los 4 músicos y muchos documentales, etc. Es por eso por lo que es casi un atrevimiento escribir sobre esta maravillosa banda que no les aburra a ustedes por ser muy repetitivo. Por esta razón es que este artículo no será, para nada, una biografía o intento de ella.

Para intentar decir algo diferente, cosa que no sé si lograré, he optado por dividir este artículo en cuatro (4) partes, en las cuales, sin duda, y como es inevitable, hay criterios, gustos y decisiones muy personales. Estas partes son:

1. ¿Por qué son tan importantes The Beatles?, o su influencia en la sociedad y la cultura,
2. una música bastante más compleja de lo que podemos suponer, 
3. las etapas en la evolución de la banda y 
4. la selección de los discos en estudio más emblemáticos.

 Los Beatles: su influencia en la sociedad

Lo primero que hay que decir es que The Beatles influyeron en su época en la sociedad, la política y la cultura. Los años sesenta se caracterizaban por el movimiento hippie, y por un anhelo de paz porque el mundo se encontraba en guerra (la guerra de Vietnam que confrontaba, fundamentalmente, al capitalismo con el comunismo, y que terminó en 1975).

Realmente The Beatles aglutinaron en ellos una cantidad de seguidores en el mundo, jóvenes la mayoría, que querían un cambio cultural, el progreso a través del ingreso a las universidades y, por su puesto, una vida más pacífica. Estos anhelos los canalizó la banda que, además, generó una revolución cultural en la manera de vestir, de hablar, en los peinados, y por supuesto, en el tipo de música que hacían.

El fenómeno de masas que fue la “Beatlemanía” se extendió entre 1963 y 1967, no solamente en Inglaterra, sino el EE. UU. (a partir de la primera visita de la banda a ese país en el año 1964), y también en el resto del mundo.

El otro sentimiento que manejaron en las letras de sus canciones fue el amor. De hecho, en la mayor parte de sus canciones hablan del amor (solamente el amor y muchas veces compartido con otros temas o sentimientos). Apenas en alrededor de unas 14 canciones se habla de otros temas (de las 213 que grabaron).

Para finalizar esta parte, retomamos el famoso comentario de Lennon hecho en 1966: “Somos más populares que Jesucristo”, que da una idea bastante clara de la influencia del grupo en ese momento en la sociedad.

“Lennon había hecho originalmente el comentario en marzo de 1966, durante una entrevista con Maureen Cleave para el periódico británico London Evening Standard, aunque no provocó ninguna reacción pública. Cuando la revista estadounidense para adolescentes Datebook citó el comentario de Lennon, estallaron extensas protestas en el sudeste de los EE. UU. Los discos de The Beatles se prohibieron en la radio y fueron quemados públicamente, se cancelaron las conferencias de prensa e incluso se amenazó a la banda. La polémica coincidió con la gira del grupo por Estados Unidos de 1966, y tanto Lennon como Brian Epstein, mánager de la banda, intentaron calmar el conflicto con una serie de conferencias de prensa. La controversia contribuyó a la falta de interés de los Beatles por brindar espectáculos en vivo, y la gira por Estados Unidos fue la última con la que se comprometieron, después de la cual se convirtieron exclusivamente en una banda de estudio” (Fuente: Wikipedia: “Mas populares que Jesús”).

 Una música bastante compleja: más allá del simple rock and roll

El otro tema que quisiera tocar es que, definitivamente, la música de The Beatles es bastante más compleja de lo que muchos de nosotros pudiéramos pensar. Esto es particularmente cierto a partir de la 3.ª etapa de la banda que se inicia en el año 1965, con la aparición del fabuloso disco Rubber Soul (algo así como Alma de goma). De hecho, esta etapa, como veremos más adelante, continúa con otros dos discos complejos y revolucionarios como Revolver y Sgt. Pepper´s and Lonely Hearts Club Band (El Sargento Pimienta y el Club de la Banda de los Corazones Solitarios).

Con respecto a este tema, trascendental para entender la grandeza de esta banda, yo tocaría tres elementos, todos ellos generados por la notable influencia del productor George Martin:

1. La búsqueda de nuevos horizontes musicales más allá del rock and roll de sus inicios,
2. la experimentación de sonidos y tecnologías en los estudios de grabación y
3. la incorporación, por lo tanto, de una gran cantidad de músicos que le dieron una mayor complejidad y contenido a la música de The Beatles (esto se ve, particularmente, en canciones como Let It Be (Déjalo ser o Déjalo estar) y The Long and Winding Road (El largo y sinuoso camino), entre muchas otras (ambas canciones compuestas por Paul McCartney, pero acreditadas también a Lennon).

Con respecto a lo primero, a partir del disco Rubber Sould, The Beatles comenzaron a componer canciones más complejas y a incursionar en otros géneros musicales. Es importante conocer que ya en el año 1965 la banda estaba bastante aburrida y cansada de la simplicidad de sus canciones. Por esta razón, a partir de 1966 dejaron de hacer conciertos para poder dedicarse a componer otro tipo de canciones y a tener tiempo para experimentar en los estudios de grabación.

A manera de ejemplo, Paul Mc Cartney se quejaba mucho de que casi siempre componían con un máximo de 12 compases. Por ello, los propios Beatles experimentaron en algunos de sus discos con el Rock Progresivo (por ejemplo, en Revolver, publicado en el año 1966, con elementos sicodélicos, barrocos y con mucha influencia de la música clásica.).

Lo segundo se refiere las experimentaciones que hicieron de nuevos sonidos con la utilización de tecnología, especialmente con la influencia de George Martin, al principio, y de Phil Spector, casi al final de los días de la banda. En el año 1971, Lennon dijo sobre las grabaciones de Rubber Soul: “Nos estábamos volviendo mejores, técnica y musicalmente, eso era todo. Por fin fuimos capaces de dominar el estudio. Al principio, hacíamos lo que se nos decían: ni siquiera sabíamos cómo subir el bajo. Aprendimos las técnicas en Rubber Soul. Fuimos más precisos sobre cómo grabar un disco. Y lo controlamos todo, hasta la portada” (Fuente: The Beatles, Rubber Soul, la vida es corta).

El tercer aspecto, poco conocido por mucha gente, es que en la mayor parte de los discos de The Beatles, especialmente a partir de Rubber Soul, participó una gran cantidad de excelentes músicos de sesión. Usualmente se habla de Billy Preston (tecladista), pero ciertamente discos como Sgt. Pepper incorporaron músicos de instrumentos de viento o metales, cuerdas, percusión, coros, etc.

 Las 4 etapas en la evolución de The Beatles

Como ya han podido apreciar mis queridos lectores, a mí me gusta mucho dividir la evolución de las bandas de rock en etapas o fases. Esto con la idea de poder mostrar, de manera más clara, qué elementos han privado en cada una de ellas y, además, poder seleccionar los discos que considero más emblemáticos en cada una de ellas (o mejor, los que a mí más me han gustado).

Aquí entra un primer tema y es si se puede considerar los primeros tres años de la banda (de 1960 a 1962) como una etapa, puesto que no grabaron ningún disco. Bueno, mi criterio personal es que sí, por esto vamos a hablar de 4 etapas en la evolución de la banda:

• Etapa 1: entre 1960 y 1962. En esta etapa de formación y consolidación de la banda, no grabaron discos en estudio.
• Etapa 2: entre 1963 y 1965. En esta etapa grabaron 5 discos: Please Please Me (1963), With The Beatles (1963), A Hard Day´s Night (1964), Beatles for Sale (1964) y Help! (1965).
• Etapa 3: entre 1965 y 1967. Grabaron 3 discos: “Rubber Soul” (1965), “Revolver” (1966) y “Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band” (1967).
• Etapa 4: entre 1967 y 1970. La etapa final y disolución de la banda grabaron 5 discos: Magical Myster Tour (1967), The Beatles* (1968), Yellow Submarine (1969), Abbey Road (1969) y Let it Be (1970).

(*) También conocido como el Álbum blanco (The White Album).

Los discos más emblemáticos de The Beatles (una escogencia muy personal)

Como ya hemos podido ver en los artículos anteriores, escoger los discos más emblemáticos de una banda es un ejercicio que tiene alrededor de un 60 % de peso en cuanto a los gustos personales. Es por ello que me adelanto a pedir excusas si algún disco de vuestra preferencia queda fuera de esta corta lista de 6 discos que he escogido, de los 13 discos en estudio que grabaron The Beatles.

Los discos son: Help (de la 2.ª etapa), Revolver y Sgt. Pepers Lonely Hearts Club Band (de la 3.ª etapa) y The White Album, Abbey Road y “Let it Be” (de la 4.ª etapa). Adicionalmente, como comentario final, les hago una breve reseña del disco Let It Be… Naked.

Help!

Help es el quinto disco en estudio de la banda y el que representa la finalización de la 2da etapa de esta. Lo he escogido porque sintetiza muy bien esta etapa y porque, además, es probablemente, el más elaborado de los cinco.

Yesterday, la canción más famosa del disco y una de las más escuchadas y versionadas de la historia (*), de Paul McCartney, estaba arreglada para guitarra y un cuarteto de cuerda, y grabada sin los otros miembros del grupo. Otra, You’ve Got to Hide Your Love Away (Tienes que esconder tu amor), de John Lennon, indicaba la influencia que tenía Bob Dylan sobre el cantante, aparte de usarse en el tema el instrumento de la flauta clásica.

(*) Según el Libro Guinness de los récords es una de las canciones más versionadas en la historia de la música popular hasta 2017. La Broadcast Music, Inc. (BMI) afirma que, en el siglo XX, fue interpretada cerca de siete millones de veces.

A continuación, Yesterday cantada por un muy joven McCartney en directo en el Studio 50 de New York City en 1965).

Por otro lado, el sonido de “Ticket to Ride” (Boleto para viajar), publicado como sencillo, fue comparado por Lennon como “pesado” en relación con el sonido de las canciones previamente editadas por el grupo, y “audaz” en su referencia a la convivencia conjunta de un chico y una chica en su letra. McCartney valoró el arreglo del tema como “totalmente radical”.

Help!

En la nota de los créditos de la funda del disco se hacía constar el uso más extensivo y prominente que Lennon y McCartney hacían del instrumento de los teclados, tocados por Martin en las grabaciones anteriores del cuarteto y que tanto alteraría el futuro sonido del grupo y la forma de abordar el proceso de grabación, especialmente por parte de McCartney. La tecnología de sobregrabación en cuatro pistas animaría a ello. Lennon, por su parte, hizo aquí más uso de la guitarra acústica, abandonando así su famosa Rickenbacker.

Revolver

Revolver es el séptimo álbum de estudio de la banda británica de rock The Beatles lanzado el 5 de agosto de 1966 por EMI. Fue el último álbum lanzado antes de que la banda decidiera abandonar los escenarios y las giras, a favor de la experimentación en los estudios de grabación.

El álbum estuvo acompañado por el sencillo doble Eleanor Rigby / Yellow Submarine (Submarino amarillo), ambas canciones convirtiéndose en número uno en Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos ocuparon el primer y segundo lugar respectivamente. También se lanzó, previamente, el sencillo de Paperback Writer / Rain.

Revolver presentó varios nuevos desarrollos estilísticos que llegarían a ser más pronunciados en álbumes posteriores. Logró llegar al número uno en la lista de éxitos de varios países, entre ellos, el Reino Unido, Estados Unidos, Suecia y Australia, entre otros.

Aunque en el álbum Rubber Soul, de 1965, la banda ya había empezado a experimentar tanto en la composición de sus canciones, como en el estudio, Revolver marca el dominio de estas mejoras, tanto así que se le considera obra cumbre del rock psicodélico. Así mismo es considerado como uno de los álbumes más innovadores. Con una gran gama de sonidos, y un rico contenido musical y lírico, hizo toda una revolución en los estándares de grabación y de escritura musicales.

Tres características claves del disco: fue el último disco antes de que decidieran abandonar las giras y los conciertos. Lennon se mostró muy “perezoso” en cuanto a sus aportes musicales, a diferencia de su participación en el disco anterior. Y hay un avance significativo en la participación de George Harrison al componer tres canciones.

Revolver

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Es el octavo álbum de estudio de la banda británica de rock, The Beatles. Publicado el 26 de mayo de 1967. Es, con mucha frecuencia, citado por la crítica como una de sus mejores obras y uno de los discos más influyentes de todos los tiempos. Para mí, entre mis tres preferidos, juntamente con Abbey Road y Let It Be.

Continuando con la maduración artística de la banda vista en Revolver (1966), se alejó bastante del pop rock convencional de la época e incorporó elementos poco comunes y muy divergentes entre sí a su música, como música hindú, música psicodélica, music hall, e influencias sinfónicas. Se dice que este álbum es una respuesta al aclamado Pet Sounds del grupo The Beach Boys publicado en 1966, y considerado por la crítica como superación por excelencia al dicho álbum.

Se trata de un disco “conceptual” (lo coloco entre comillas) porque realmente se trató de una idea de Paul McCartney de crear una banda imaginaria (Sgt. Pepper…), para intentar hacer una división con el pasado y que los fanáticos desviaran un poco su atención de la música que había venido desarrollando la banda con anterioridad. Era una especie de truco para que ellos pudieran desarrollar una música diferente y tuvieran la “libertad” de crear con nuevos ritmos, melodías y armonías.

Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band  

En este disco, sin duda alguna, The Beatles alcanzó un “techo” musical. Experimentaron con tecnologías en el estudio y con ellos participó un grupo importante de músicos de sesión. En la canción A Day in Life o Un día en la vida (para mí una de las mejores en el catálogo de la banda), participó una orquesta de 40 músicos.

Finalmente, estamos hablando de posiblemente una de las portadas más famosas de la historia de la música, no solamente del rock. La misma extensamente aclamada e imitada. Fue diseñada por los artistas Peter Blake y Jann Haworth, a partir de un dibujo de Paul McCartney.

A continuación, un concierto reciente de Paul McCartney con su banda, tocando A Day In The Life y Give Peace A Chance, al final, Let It Be. Sencillamente emocionante, una maravilla…

The White Album

The Beatles, también conocido coloquialmente como White Álbum, o el Álbum blanco en español, es el décimo álbum de estudio, lanzado el 22 de noviembre de 1968. Publicado como un álbum doble, su sencilla portada blanca carece de imágenes o algún texto que no sea el nombre de la banda en relieve, esto ideado como un claro contraste a la vívida portada de su álbum anterior Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Aunque ningún sencillo del álbum fue emitido en Reino Unido o en los Estados Unidos, las canciones Hey Jude y Revolution tienen su origen de las mismas sesiones de grabación y se lanzaron como sencillos en agosto de 1968.

El álbum es reconocido por su fragmentado estilo y amplia gama de géneros musicales, oscilando desde el music hall y folk a pistas de art rock, blues, rock alternativo, ska, avant-garde, música experimental, entre otros.

The Beatles (White Album)

Se trata de un disco algo extraño en cuanto a las letras se refiere.  Es realmente bastante “apolítico” en el sentido del poco compromiso de estas en cuanto a temas sociales de ese momento. Se comienzan a materializar las primeras diferencias entre los miembros de la banda por pocas coincidencias de criterios musicales y, por primera vez, uno de sus miembros (Ringo Starr) abandona temporalmente el grupo.

Abbey Road

Es otro de mis discos preferidos de The Beatles (dentro del top three) y realmente el último que grabaron en un estudio. En el lado “B” se encuentra un “meddley” de 16 minutos de duración, con 8 canciones que se encuentran entrelazadas.

Un hecho muy importante es que incluye dos de las canciones más populares (y hermosas) de George Harrison: Something (Algo) y Here Comes The Sun (o Allí viene el sol) (en esta última usan por primera vez un teclado Moog.

La portada fue diseñada por John Kosh, el director creativo de Apple Records, pero los bocetos fueron idea de Paul McCartney. Está considerada la portada más famosa de la historia de la música rock, solamente comparable con la del disco Sgt. Pepper.

Abbey Road era una calle con bastante tráfico, y por ello tan solo se pudieron sacar en un tiempo limitado seis fotos de las que tenía que salir la portada del disco. El Volkswagen Escarabajo que aparecía en la foto solía estar aparcado en ese sitio muy a menudo, y era propiedad de alguien que vivía en los pisos de al lado del estudio.

Abbey Road

Let It Be

Este extraordinario disco (el tercero de mis preferidos), tiene la curiosidad de que es el penúltimo que grabaron (las grabaciones comenzaron a principios del año 1969), pero fue el último que se editó (mayo de 1970).

Contiene, a mi manera de ver, una de las canciones más famosas de la banda (Let It Be).  El disco se caracterizó, en su proceso de concepción, grabación y edición, por diferencias irreconciliables entre los miembros de la banda (*).

Es importante conocer que el disco tuvo muchos problemas para ser terminado. Al final, fue Phil Spector el que lo cerró. El mismo realizó bellas orquestaciones de Let It Be y de The Long and Winding Road, que no fueron nunca del agrado de McCartney, como ya vimos.

(*)  El documental producido por Peter Jackson (Get Back) detalla el proceso de concepción y grabación del disco a principios del año 1969.

Let It Be

El documental emplea las técnicas desarrolladas en “Ellos no envejecerán” de Jackson para transformar el metraje con técnicas de producción modernas. El equipo del cineasta dispuso de más de 55 horas de metraje y 140 horas de audio procedentes del proyecto original, e incluye el concierto completo de 42 minutos en la azotea.  En referencia a la larga polémica en torno al proyecto original de Get Back, Jackson escribió en un comunicado de prensa que se sentía “aliviado al descubrir que la realidad es muy diferente al mito… Claro que hay momentos de drama, pero ninguno de los desencuentros con los que se ha asociado este proyecto son realmente importantes o extensos” (Fuente: Wikipedia).

Aquí les presento el tráiler promocional del documental, de Disney+.

Let it Be (Naked)

Les dejo una breve reseña del disco “Let it Be Naked” (o desnudo), el cual es una versión del disco que salió en el año 1970, pero el cual cuenta solamente con los instrumentos de los 4 Beatles, sin orquestaciones.

Let It Be… Naked

Su edición fue idea de Paul McCartney, quien siempre había mostrado su desagrado con la forma en que Phil Spector había producido Let It Be, y muy especialmente su canción The Long and Winding Road. Esta canción, al igual que Let it Be, salieron editadas en la versión original con pistas añadidas (u overdubs) por Spector. En el caso de Let it Be (2 trompetas, 1 trombón, 1 saxo barítono y 2 saxos tenor y cellos). En The Long and Winding Road (13 violines, 4 violas, 4 cellos, arpa, 3 trompetas, 3 trombones y 14 vocalistas).

Por cierto, una anécdota muy interesante: en ambas canciones John Lennon toca el bajo.

En la nueva (o vieja versión), McCartney quería mostrar cómo querían The Beatles que se hubiera editado el disco. Let it Be… Naked salió a la venta en 2003. En abril de 2013 salió oficialmente a la venta en ITunes y en 2018 empezó a estar disponible en plataformas de streaming como Spotify, entre otras.

A mí en varias ocasiones me han preguntado: ¿y cual te gusta más? Siempre digo: las dos versiones me gustan, son diferentes, pero ambas conservan lo más importante: lo maravillosas que son ambas canciones, hablando estrictamente desde el punto de vista compositivo.

A manera de cierre…

Definitivamente The Beatles fueron, todavía hoy lo son, un fenómeno. No solamente musical, sino mucho más allá: cultural, social y hasta político. A diferencia de otros fenómenos culturales, el legado de The Beatles continúa, y yo pienso que difícilmente le veamos el final. Este seguirá pasando de generación en generación, y no creo que sean olvidados…

Como pudimos ver, hicieron una carrera meteórica, de apenas 10 años, en los cuales, entre muchas giras y conciertos, grabaron 13 discos en estudio. Pero si a estos 10 años, les quitamos los primeros 3 en los cuales no grabaron discos, tenemos que en solo 7 años grabaron 13 discos (casi 2 por año)… nada mal para la época.

Pero, además, revolucionaron la música en general, y el rock en particular. Hicieron, especialmente a partir de la 3.ª etapa, una música bastante más compleja y que abarcó otros géneros y subgéneros, como el folk, el pop, el art rock y otros. Tuvieron la suerte (o la dicha) de encontrarse en el camino con dos personas clave: Brian Epstein, que los manejó y representó hasta su muerte prematura en el año en 1967, y además gestionó todo lo que tuvo que ver con la imagen de The Beatles.

Y, para mí, el más importante de todos: sir George Martin, el gran productor, arreglista, ideólogo, músico, ingeniero de sonido, etc., que realmente le dio a la música de la banda un techo mucho más alto. Los Beatles le deben mucho a él.

Las opiniones emitidas por los articulistas son de su entera responsabilidad . Y no comprometen la línea editorial de RunRun.es

El hard rock, conjuntamente con el rock clásico o rock and roll y la música clásica, fueron las tres corrientes principales que terminaron de configurar lo que conocemos como el rock progresivo

@albertotobio

Hacia finales de los años 70 surgen bandas que sentaron las bases del hard rock (HR). Precisamente, el HR, conjuntamente con el rock clásico o rock and roll y la música clásica, fueron las tres corrientes principales que terminaron de configurar lo que conocemos como el rock progresivo.

Algunas precisiones históricas y conceptuales

Lo cierto es que este subgénero, que se inicia un poco antes de comenzar los años setenta, ha marcado de manera muy importante lo que se ha hecho en materia de rock de allí en adelante. Según la literatura especializada, se nutrió del movimiento Garage, y de las corrientes del blues rock y del rock psicodélico. Y yo agregaría, del rock clásico o rock and roll.

De las bandas originarias, tenemos, particularmente, del Reino Unido, a The Who (1962), Cream (1966), The Jimi Hendrix Experience (1966) y, por supuesto, Led Zeppelin (1968). Posteriormente, ya por comenzar la década de los setenta y en los primeros años de esta, aparecen bandas como Grand Funk Railroad (1969), Uriah Heep (1969), Aerosmith (1970) y Kiss (1973).

Como nos vamos a dedicar solamente en este artículo a las bandas pioneras, ya que en los artículos 6 y 7 hablamos de la evolución del HR ya en los años ochenta y noventa, con grupos como Dream Theater y Liquid Tension Experiment, me voy a atrever a dedicarle todo el artículo a la que considero la banda pionera que marcó el camino de lo que vino posteriormente: Led Zeppelin.

Más sobre este tema:

#MúsicaParaPensar | El neorrock progresivo y el rock experimental

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Tal y como lo mostramos en el timeline (o línea de tiempo), tanto el HR como el rock clásico (o mejor conocido como rock and roll), representado fundamentalmente por The Beatles, son dos subgéneros que nutrieron el rock progresivo, obviamente, además de la música clásica.

El HR se caracteriza por el uso de letras agresivas, con guitarras eléctricas distorsionadas, el uso del bajo, la batería y, en ocasiones, los teclados. Pero, el HR, bien hecho, es mucho más que música ruidosa. Y eso es lo que vamos a tratar de demostrar en el presente artículo.

Desde el punto de vista musical, poniéndole un poco de técnica a lo que estamos escribiendo, el HR suele estar escrito en una tonalidad mayor, con el uso maestro de tonalidades menores. Se utiliza con frecuencia la escala pentatónica (compuesta por 5 notas y 4 intervalos) y los acordes tradicionales se sustituyen por acordes de quinta.

En el caso particular de la batería, esta suele alcanzar un tempo de entre 100 y 150 pulsos por minuto, siendo 120 el valor habitual.

Led Zeppelin

Led Zeppelin fue una banda británica de rock fundada en Londres en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds. La banda estuvo integrada por Jimmy Page en la guitarra, John Paul Jones como bajista y tecladista, el vocalista Robert Plant y John Bonham en la batería (que había coincidido con Plant en The Band of Joy). Es considerada una de las bandas más importantes e influyentes de la década de los 70 y de la historia del rock. De hecho, para muchos: “The biggest band in the world”.

Soy de los que piensa que Led Zeppelin hizo, por una parte, una música bastante más compleja de lo que uno pudiese pensar en primera instancia. Es decir, no solamente hard rock. Presentó elementos de un amplio espectro de influencias y géneros, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, el rockabilly, la música india, el rock progresivo, el folk, el rock psicodélico, reggae, y el country, entre otros. Pero, además, en algunas canciones como The Rain Song (La canción de la lluvia), del disco Houses of The Holy (Casas del santo) de 1973, donde la banda se introduce de manera muy clara en la música clásica.

La banda publicó un total de nueve (9) discos de estudio entre los años 1969 y 1982. Aparte de eso, también produjo cinco (5) álbumes en vivo.

De esos discos, me he permitido seleccionar cinco (5), porque considero resumen lo mejor de la banda e integran los cambios fundamentales que realizaron en su música. Cuatro de ellos en estudio y uno en vivo.

En un ejercicio de síntesis, uno pudiera dividir la carrera de Led Zeppelin en tres (3) etapas:

• Etapa 1: corresponde a los cuatro primeros discos de la banda y va desde 1969 hasta 1971. Se trata de una etapa donde hicieron música más hard, con predominio de guitarra, bajo y batería.
• Etapa 2: de 1972 a 1976. Incluye los discos: Houses of The Holy, Physical Graffiti (Grafiti físico) y Presence (Presencia). Una etapa con arreglos más intrincados y con una mezcla entre lo eléctrico y lo acústico. Hay una mayor participación de los teclados y otros instrumentos distintos a las guitarras, bajos y batería.
• Etapa 3: es la etapa si se puede llamar más comercial, progresiva y hasta pop de la banda.Va desde el año 1977 hasta 1981, año en el que se disuelve el grupo. En esta etapa, la influencia en las composiciones de John Paul Jones es clave.

Led Zeppelin IV (1971)

Es un disco que resume muy bien lo que podríamos llamar una “primera etapa” de la banda. Un HR muy clásico, potente y con predominio de la guitarra de Page en unión a la batería de John Bonham.

Es cuarto álbum de estudio sin título de la banda de rock inglesa Led Zeppelin, comúnmente conocido como Led Zeppelin IV y fue lanzado el 8 de noviembre de 1971 por Atlantic Records. Fue producido por el guitarrista Jimmy Page y grabado entre diciembre de 1970 y febrero de 1971, principalmente en la casa de campo Headley Grange. El álbum contiene una de las canciones más conocidas de la banda, Stairway to Heaven (Escalera al cielo).

Led Zeppelin IV

En el siguiente link, Stairway to Heaven en directo… Una maravilla de canción, una gran voz, una extraordinaria letra, batería impecable, las guitarras de Page (12 y 6 cuerdas) y el trabajo de John Paul Jones en los teclados y bajos en los pedales. En el siguiente enlace, el álbum completo:

Vídeo: Stairway to Heaven Live | OLD TAPES

Vídeo: Led Zeppelin – Led Zeppelin IV (Remaster) [Official Full Album] | Canal en Youtube de Led Zeppelin

Houses of the Holy (1973)

Es el quinto álbum de estudio de la banda de rock inglesa Led Zeppelin, lanzado el 28 de marzo de 1973 por Atlantic Records. El álbum se benefició de que dos miembros de la banda instalaran estudios en casa, lo que les permitió desarrollar canciones y arreglos más sofisticados y expandir su estilo musical.

Posteriormente, varias canciones se convirtieron en elementos fijos en el set en vivo del grupo, incluidas The Song Remains the Same (La canción sigue siendo la misma), The Rain Song (La canción de la lluvia) y No Quarter (algo así como Sin cuartel). Todos los instrumentos y voces fueron proporcionados por los miembros de la banda Robert Plant (voz), Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (bajo, teclados) y John Bonham (batería). El álbum fue producido por Page y mezclado por Eddie Kramer. La portada fue la primera de la banda diseñada por Hipgnosis y se basó en una fotografía tomada en Giant’s Causeway en Irlanda del Norte.

Houses of The Holy

Aunque la respuesta de la crítica fue mixta, Houses of the Holy se convirtió en un éxito comercial y luego recibió una certificación Diamond (más de 10 millones de álbumes vendidos) de la Recording Industry Association of America (RIAA) en 1999. En 2020, el álbum fue clasificado en el puesto 278 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Vídeo: Led Zeppelin – Houses of the Holy (Remaster) [Official Full Album] | Canal en Youtube de Led Zeppelin.

Physical Graffiti (1975)

Este gran disco doble sintetiza muy bien la “segunda etapa” del grupo, un poco más compleja desde el punto de vista musical.

Physical Graffiti es el sexto álbum de estudio de la banda de rock inglesa Led Zeppelin. Fue lanzado como un álbum doble el 24 de febrero de 1975. Fue el primer álbum del grupo lanzado bajo su nuevo sello, Swan Song Records.

La banda escribió y grabó ocho canciones nuevas para el álbum a principios de 1974 en Headley Grange, una casa de campo en Hampshire, lo que les dio tiempo suficiente para improvisar arreglos y experimentar con la grabación. El tiempo total de reproducción cubría poco menos de tres caras de un LP, por lo que decidieron expandirlo a un doble al incluir pistas inéditas de las sesiones de los álbumes anteriores Led Zeppelin III, Led Zeppelin IV y Houses of the Holy. El álbum abarcó una variedad de estilos que incluyen hard rock, rock progresivo, rock ‘n’ roll y folk. El álbum se mezcló durante el verano de 1974 y se planeó su lanzamiento a fin de año; sin embargo, su lanzamiento se retrasó porque la portada del álbum troquelada, diseñada por Peter Corriston, resultó difícil de fabricar.

Physical Graffiti fue un éxito comercial y crítico desde su lanzamiento y debutó en el número uno en las listas de álbumes en el Reino Unido y en el número tres en los EE. UU. Fue promovido por una exitosa gira por Estados. El álbum ha sido reeditado en CD varias veces, incluida una edición expansiva del 40º aniversario en 2015. Posteriormente, Physical Graffiti fue certificado 16 veces platino en los Estados Unidos por la Recording Industry Association of America (RIAA) en 2006, lo que significa envíos de más de ocho millones copias.

Physical Graffiti

The Song Remains the Same (1976)

Es el primer álbum en vivo de Led Zeppelin, editado en 1976 por Swan Song Records. Este álbum doble sirvió como banda de sonido de la película del mismo nombre, estrenada en 1976. La grabación del álbum y la filmación de las escenas en vivo de la película tuvieron lugar a lo largo de tres noches en el Madison Square Garden de Nueva York (27, 28 y 29 de julio), durante el tour de 1973 de la banda.

Es, a mi manera de ver, un extraordinario disco. Yo incluso diría que, si a una persona le interesa incursionar en la música de Led Zeppelin, puede empezar por este disco. Es una excelente selección de las canciones más emblemáticas de la banda hasta la fecha, aparte de que puede ser el hito más elevado del grupo tocando en directo, y esto se refleja claramente en la energía y potencia que generan apenas cuatro músicos…

The Song Remains the Same

Un detalle muy interesante del disco, al menos para mí. En el folleto que trae inserto, en la última página, Jimmy Page dice: “to do it with just the three instruments. There´s so much that can be done… and will be done” (Fuente: folleto informativo del disco The Song Remains the Same, 1976). Es algo como: “hacerlo con solo los tres instrumentos. Hay tanto que se puede hacer… y se hará”. Se refiere, obviamente, a lo impresionado que todavía está de haber generado en directo una música tan completa, a pesar de ser solamente tres instrumentos (guitarra, bajo y batería).

Con el permiso del Sr. Page, yo completaría diciendo: no es exactamente así, porque, por ejemplo, están los maravillosos teclados de John Paul Jones, que además es el bajista. Que quiero decir con esto, si escuchan Stairway to Heaven, se podrán dar cuenta que John Paul Jones toca los teclados, pero, simultáneamente, hace los bajos con los pedales…

In Through the Out Door (1979)

Se trata del octavo disco en estudio de la banda (Por la puerta de salida, en español) y el que marca el inicio de la tercera y última etapa de esta. En este disco se presenta una influencia muy marcada del multiinstrumentista John Paul Jones, especialmente por el uso de los sintetizadores. Pero no solo eso, hay muchos estilos involucrados; por ejemplo, samba en Fool in The Rain”(Tonto en la lluvia), country en Hot Dog, pop en All My Love (Todo mi amor) y algo de blues en I´m Gonna Crawl (Voy a gatear).

In Through the Out Door

Una anécdota muy interesante de este disco está relacionada con la bellísima canción All my love, escrita por John Paul Jones y Robert Plant y dedicada por este último a su pequeño hijo fallecido cuando apenas tenía 5 años. Lo cierto es que John Bonham no encontraba la salida a la parte rítmica de la batería y le pidió ayuda al baterista de Toto (Jeff Porcaro) para solucionar el problema. Total, que, lo que escuchamos en la canción tiene mucho de los aportes, al menos teóricos y conceptuales, de Porcaro (Fuente: Wikipedia, consultar: All My Love).

El presente…

Quise compartir con ustedes lo que representa el presente de la banda. Creo firmemente que Led Zeppelin termina creativamente en el año 1980, cuando muere el extraordinario baterista John Bonham. Ha habido, eso sí, reuniones esporádicas. Particularmente destaco aquellas en las que la batería la tocó su hijo Jason, en los años 1988, 1990, 2007 y, muy especialmente, en 2012.

En el primer link, precisamente el concierto de 2012 en el O2 Arena de Londres.

Un comentario personal. Como todo en la vida, y en los músicos no es la excepción por supuesto, los años pasan… y las condiciones ya no son las mismas. Podemos ver la interpretación del clásico Stairway to Heaven con un Robert Plant con una voz bastante más grave y menos potente. Y el punteo final de la canción por parte de Jimmy Page, bastante recortado.

El segundo link es realmente impresionante. Un homenaje hecho a Led Zeppelin. En esta ocasión con la interpretación majestuosa del grupo Heart de Stairway to Heaven en el Kennedy Center en 2017. Las hermanas Wilson (Ann y Nancy), una orquesta completa, un coro de 40 personas, Jason Bonham en la batería y algunos de los mejores músicos del mundo, todo para recrear lo que hicieron solo 4 hombres…

Les confieso que cada vez que veo el video suelto unas lágrimas. Ver las caras y expresiones de los tres músicos es una maravilla. Bravo por Led Zeppelin y también bravo por Heart.

La contribución a la música del Led Zeppelin, desde la perspectiva individual de los cuatro músicos…

En esta parte voy a resumir, de manera muy sencilla, lo que considero son los aportes que cada uno de los integrantes hicieron para la música de la banda.

En primer lugar, Robert Plant. Seguramente está entre los 10 mejores cantantes de rock de la historia. Además, un excelente compositor. Algunas personas por las redes se preguntan: ok, es un buen cantante, pero, ¿toca algún instrumento? Bueno, he investigado que toca algo de guitarra y percusión básica (pandereta, tambores, etc.). Pero ¿acaso necesita tocar algún instrumento con esa maravillosa voz que tiene? Su voz es su principal instrumento musical (bueno, así opina mi profesora de música).

En cuanto a Jimmy Page, seguramente entre los 20 mejores guitarristas de la historia del rock. También un muy buen compositor. Como guitarrista toca muy bien todo aquello que tenga cuerdas: guitarra, bajo, mandolina, banjo, sitar, dobro, steel guitar y pedal steel guitar. Pero también teclados, armónica y pandereta. Además, un fanático del blues que, por supuesto, introdujo con mucha fuerza en la música de la banda.

Qué decir del fallecido John Bonham, también en el “top ten” de los grandes bateristas de la historia. Entusiasta de la técnica de “dobles” que consiste en pegar dos golpes con la baqueta mientras la mano sube y baja. Un dato importante: para muchos especialistas en la materia, más que acompañar en la base rítmica al bajo de John Paul Jones, tocaba de manera sincronizada junto con la guitarra de Page. Este detalle hace una gran diferencia con el resto de los bateristas.

Dejo para el final al bajista John Paul Jones. El más tímido y callado del grupo. Pero, para mí, el gran músico multiinstrumentista detrás de la maravillosa música de Led Zeppelin. Como comentamos con anterioridad, comenzó a tener una mayor participación en las composiciones a partir de las segunda y tercera etapas. Introdujo otras corrientes musicales: el funk, el soul y, por supuesto, lo clásico.

La película: The Song Remains the Same

La filmación tuvo lugar durante el verano de 1973, durante tres noches de conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York, con imágenes adicionales filmadas en Shepperton Studios. La película se estrenó tres años después, el 20 de octubre de 1976, en el Cinema I de Nueva York, el 22 de octubre de 1976 en Fox Wilshire de Los Ángeles y en el Warner West End Cinema de Londres dos semanas después. Fue acompañado por un álbum de banda sonora del mismo nombre. El DVD de la película fue lanzado el 31 de diciembre de 1999.

A continuación, les dejo la película: 

El timeline de la banda

Finalmente, les presento el timeline de la banda, donde se puede apreciar claramente la participación de los tres músicos (Plant, Page y Paul Jones) hasta el año 1981, en el que se disolvió el grupo (un año anterior, había muerto John Bonham). En el año 1982 se publica el que fue su último disco en estudio, llamado CODA, que contenía material inédito que ya tenían grabado, pero no habían publicado.

Muy curiosa resulta la colaboración de Phil Collins (baterista de Genesis) en el año 1985, como parte del festival Live Aid en la ciudad de Filadelfia.

Hasta aquí nuestros comentarios sobre esta fabulosa banda. El próximo artículo (N° 12) será sobre The Beatles… Hasta la próxima.

Las opiniones emitidas por los articulistas son de su entera responsabilidad y no comprometen la línea editorial de RunRun.es

A finales de los años 60 y principios de los 70, surge la Escena de Canterbury o el Sonido de Canterbury, corriente del rock que integra el rock progresivo (RP), el jazz, la psicodelia y la improvisación

@albertotobio

Entre finales de los años 60 y principios de los 70, surge esta corriente del rock, que se caracteriza por integrar el rock progresivo (RP), el jazz, la psicodelia y la improvisación… La mayor parte de los especialistas la llaman la Escena de Canterbury o el Sonido Canterbury (SC).

Todavía hoy en día, hay buenas bandas que están dentro de este subgénero. Eso sí, con un sonido más moderno y adaptado a las nuevas realidades musicales, sociales y de mercado…

Algunas precisiones históricas y conceptuales

El término Escena de Canterbury o Sonido Canterbury (SC) se emplea para denominar a un grupo de músicos y bandas cuyo auge se sitúa a finales de los años 60 y principios de los años 70, formado en torno a dicha ciudad inglesa (aunque no de forma exclusiva). Con un denominador común: su sonoridad o forma de entender la música, y una inteligente mezcla de rock y jazz con ciertos guiños a la psicodelia. Algunos de sus exponentes acabaron trabajando en bandas puramente jazzísticas.

Como datos interesantes, Canterbury es una ciudad del sureste de Inglaterra, a unos 70 km de Londres, sobre el río Stour y perteneciente al condado de Kent (actualmente con una población de unos 60.000 habitantes). Es famosa por su catedral, que es patrimonio de la humanidad y por ser el principal centro religioso del Reino Unido, ya que es la sede del arzobispo de Canterbury, líder espiritual de la Iglesia anglicana.

Fue un importante centro de peregrinaje durante la Edad Media, y se hizo célebre con la obra literaria Los cuentos de Canterbury, escrita en el siglo XIV por Geoffrey Chaucer.

Es importante aclarar que el SC implica dos grandes tendencias: por una parte, como ya dijimos, las agrupaciones que se formaron en la ciudad de Canterbury, tales como Caravan y Solft Machine. Por la otra, agrupaciones que recibieron influencias de este sonido característico, pero que se formaron en otros sitios (por ejemplo, Camel, que se formó en Surrey).

Podríamos, en un ejercicio enorme de simplificación, agrupar el sonido o la escena Canterbury en tres grandes etapas:

• Etapa I, con la aparición de los grupos pioneros del SC, hacia finales de los años sesenta (por ejemplo, Caravan, Solft Machine, National Health y Hatfield and The North, entre otras),
• Etapa II, una adaptación importante, posiblemente con algo menos de jazz y poco de psicodelia. Aquí me atrevo a ubicar a una de mis bandas favoritas: Camel. Se origina a principios de los años 70.
• Etapa III, con el surgimiento de las nuevas bandas del SC, adaptadas a los nuevos tiempos. Aquí encontramos agrupaciones como Amoeba Split (2003) y Zopp (2010).

Etapa I: Las bandas pioneras de la Escena de Canterbury

De esta etapa hemos escogido dos de los grupos más conocidos y representativos de la etapa inicial. Muy importante: ambas activas hoy en día, lo cual es un indicador muy importante de nuestra tesis del poder de adaptación que tienen muchos grupos de rock a las nuevas realidades.

Solft Machine

Soft Machine (Máquina Suave) es un grupo musical británico de rock formado en 1966, que, junto con Caravan, definió el llamado “Sonido Canterbury”. Durante su inestable e intensa carrera (con más de 15 miembros en poco más de una década), pasaron por la psicodelia y el rock progresivo para finalmente desembocar en el jazz fusión, siendo pioneros en los tres géneros.

La banda se fundó en 1966 por el guitarrista Daevid Allen, el teclista Mike Ratledge, el cantante/bajista Kevin Ayers y el cantante/baterista Robert Wyatt. Su nombre proviene de la novela de William Burroughs The Soft Machine (La Máquina Suave, 1961).

Bundles (1975), es el octavo álbum de estudio de Soft Machine, el cual marca una nueva etapa en la banda con la inclusión de Allan Holdsworth (guitarrista en el primer disco de la banda inglesa UK), para sumar matices distintos a la estructura compositiva de la agrupación. Poco después del lanzamiento del álbum, el tecladista Mike Ratledge abandona la banda, dejando al grupo sin ninguno de sus miembros originales.

Bundles

Vídeo: S O F T / M A C H I N E – B U N D L E S | Canal en Youtube de Civil Ian

Caravan

Esta es una banda inglesa del área de Canterbury, fundada por algunos de los miembros del grupo Wilde Flowers: Dave Sinclair, Richard Sinclair (también ha tocado con Camel), Pye Hastings y Richard Coughlan. Caravan alcanzó el éxito durante los años que van de 1968 a principios de los 70 como parte de la escena de Canterbury, combinando el rock psicodélico y el jazz en un sonido propio, cercano al de sus coetáneos Soft Machine.

In the Land o Grey and Pink

Desde finales de los años ochenta, el grupo entra en un largo letargo de inactividad, hasta que, en el año 1995, con la sustitución de Jim Liverton por Sinclair al bajo y el retorno de Geoffrey Richardson, graban el fantástico álbum The Battle of Hastings. El último álbum de Caravan sale en 2014 bajo el título de Paradise Filter (Filtro paraíso).

Caravan durante toda esta larga carrera se ha convertido en uno de los referentes del SC y mantiene una buena base de seguidores alrededor del globo. Su disco más conocido es In The Land Of Grey And Pink (En la tierra de gris y rosa, 1971). De él se ha escrito que “demuestra un agudo sentido de la melodía, un ingenio sutilmente cómico y una mezcla seductoramente suave de rock duro, folk, música clásica y jazz, en la que se entremezclan elementos de fantasía tolkieniana” (Fuente: Elder, Bruce. “Caravan Biography”. Allmusic. Consultado el 20 de abril de 2007.

Vídeo: Winter Wine | Canal en Youtube: Caravan – Tema

Para los que tengan interés (y tiempo) en la manera cómo se interrelacionan las bandas y los músicos, les muestro estos gráficos donde se puede apreciar, año a año, las bandas y los músicos que han pasado por Caravan y, a la vez, aquellos que han continuado hacia otras bandas.

Relaciones entre Caravan y otras bandas

Etapa II: La adaptación

Baja un poco el componente de jazz y desaparece prácticamente la psicodelia…

Camel

Camel es, sin duda alguna, una de las mejores bandas de rock de la historia, y del “top ten” de los grupos de RP (obviamente, es una opinión muy personal). Pero a la vez, y la verdad es difícil saber las razones, es una banda bastante infravalorada.

Pero, tiene de todo: grandes músicos (liderados por el guitarrista Andy Latimer), una línea musical que los distingue claramente, letras muy bien escritas y con contenidos inteligentes y, desde el punto de vista musical, combina el eje central del RP con elementos de música clásica, bastante jazz, toques de blues, etc., etc.

Camel es un grupo de rock británico formado en Londres en 1969 y consolidado en 1971. Es uno de los pioneros del RP, y uno de los pilares fundamentales del género, junto con bandas como Pink Floyd, Yes, Genesis, o King Crimson. También participó en la Escena de Canterbury.

Considerada como una de las mejores bandas inglesas surgidas en la década de 1970, Camel combinó elementos tomados del jazz, la música clásica y barroca, el blues e incluso la música electrónica, para crear álbumes de notable creatividad y precisión técnica.

Ahora bien, en algunos chats y foros de música existe la discusión de sobre si se debe incluir a Camel dentro de la Escena Canterbury. Yo diría que la respuesta se reparte en un: 50 % que sí y un 50 % que no. Pues bien, yo me sumo al grupo de los que dicen que sí, aunque la discusión no es fácil. A continuación, el argumento principal:

Camel es, principalmente, una banda RP (que es la razón por la que se clasifica siempre en este subgénero). En un foro encontré la siguiente respuesta: “pero diría que dos de sus álbumes, Rain Dances, 1977 (Bailes de lluvia) y Breathless, 1978 (Sin aliento o Jadeante), están cerca de la escena de Canterbury. Richard Sinclair (bajista y cantante) de Caravan se unió a Camel para estos álbumes y esto cambió el sonido de la banda en la dirección del SC. Andy Latimer bromeó en esta época sobre cambiar el nombre de la banda a Caramel” (Fuente: progarchives.com).

Yo agregaría que también influyó el darle a Camel los toques de jazz típicos de la Escena Canterbury, los aportes del gran baterista Andy Ward, quien colaboró con el grupo hasta el año 1981, precisamente cuando publican una joya de disco que les reseño a continuación (Nude o Desnudo).

En definitiva, Camel tuvo una etapa muy corta, con la publicación de sus discos Rain Dances (1977) y Breathless (1978) con una influencia, aunque no extremadamente fuerte, del sonido Canterbury. Posteriormente esa influencia baja significativamente, aunque no desaparece por completo. Es lo que técnicamente se pudiera denominar un “smotth jazz” (jazz suave) dentro de su estructura musical.

Les pongo dos discos claves: Breathless, de la etapa con bastante jazz, y Nude, mucho más progresivo, donde el sonido jazzístico se diluye, pero no desaparece, y se unen el blues y lo clásico.

Breathless

Les dejo el enlace al disco completo que es maravilloso. Por favor, especial cuidado a canciones como Summer Lighthing, Echoes, Wing and a Prayer y The Sleeper, que tienen un importante componente musical de jazz.

Vídeo: C̲a̲mel – B̲reathles̲s̲ (Full Album) 1978 | Canal en Youtube de Classic Albums

Nude

El disco Nude es una obra conceptual, basada en la historia real de un soldado japonés (Hiroo Onoda) abandonado en una isla durante la Segunda Guerra Mundial y que no se enteró de que la guerra había terminado. “Nude” deriva de su apellido “Onoda”. Finalmente, cuando es rescatado y recibido con premios y condecoraciones, al poco tiempo colapsa dadas las secuelas de su aislamiento y la imposibilidad de adaptarse nuevamente a la sociedad.

Se trata un disco muy bien grabado, con ritmos y melodías que varían constantemente, mayormente instrumental, y en donde la influencia de lo clásico y el jazz se aprecia en varias canciones. Recomiendo ampliamente el inicio del disco con tres canciones en las cuales no se aprecia la transición entre una y otra: City Life (4:41 de duración), Nude (0:22) y Drafted (4:20). Por cierto, esta última es una canción muy hermosa y con un final del gran guitarrista Andy Latimer usando el “slide”.

A continuación, el disco completo, el cual está en mi top ten de preferencias.

Video: C A M E L / N U D E (with Bonus Tracks) | Canal en Youtube de Prog Rock Dock

Y después, Camel interpretando en directo la canción Ice (Hielo), nada más y nada menos que en el Royal Albert Hall en el año 2018:

Etapa III: El nuevo sonido Canterbury…

Amoeba Split

Amoeba Split es una joven banda gallega (de La Coruña, para ser exactos). Su apuesta musical se basa en un jazz rock con tildes progresivos que navega entre el sonido Canterbury y el jazz más clásico, además de pinceladas souls debidos al tratamiento vocal de María Toro.

El nombre de Amoeba Split (la traducción del inglés literal es “La escisión de la ameba”) se refiere a una de las generaciones básicas de vida de los organismos unicelulares, lo que los biólogos llaman reproducción por bipartición. Amoeba Split se formó a finales de 2001 en La Coruña tras la separación de una banda con tendencias psicodélicas llamada Rama Lama FaFaFa, y se pusieron a trabajar en lo que les gustaba: el rock sinfónico y progresivo, con influencias del SC, pero sin querer sonar a ningún grupo en concreto y tener un estilo propio.

Second Split

A continuación, un video, casi casero, de una presentación de Amoeba Split en directo en el Jazz Filloa de La Coruña, el 26 de diciembre de 2019, interpretando su tema “Backwards all the time” (del disco Second Split)

Vídeo: Amoeba Split – «Backwards all the time» (26/12/2019) | Amoeba Split

Zopp

Zopp es una creación del compositor y multiinstrumentista inglés Ryan Stevenson, con la colaboración de Andy Tillison (además colaboró en la mezcla y producción) y Theo Travis de The Tangent, y el baterista Andrea Moneta (Leviathan).

Zopp se creó alrededor de 2010, y nació del amor de Ryan por la escena del RP y Canterbury de los años 60 y 70. A medida que la música se desarrolló, Zopp ha absorbido más influencias, como Stravinsky y Steve Reich, así como incursiones en el ámbito de la música ambiental.

El sonido se basa en el bajo fuzz vintage y los sonidos de órgano Hammond que se entrelazan con complejos cambios de compás, y en melodías pegadizas con interludios de teclado ambiental, para encantar y relajar al oyente con su fascinante fusión.

He seleccionado este maravilloso disco homónimo Zopp de 2020. El material transita por el rock progresivo instrumental, influenciado claramente por la Escena de Canterbury.

Zopp

Bueno queridos amigos, hasta aquí mi reseña del Sonido Canterbury. El próximo artículo se lo dedicaremos al hard rock; particularmente a los grupos pioneros de finales de los años sesenta, tales como Led Zeppelin, Deep Purple, Kiss y Van Halen. Hasta la vista…

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Desde finales del siglo pasado el crítico de música Simon Reynolds ha acuñado el término posrock que, como casi todos los subgéneros del rock, no es tan fácil de delimitar, ni en el tiempo ni en sus características musicales

@albertotobio

Algunas precisiones históricas y conceptuales

El posrock se trata de un anglicismo inventado por el crítico musical Simon Reynolds (1) en la reseña que hizo del álbum Hex, de la banda Bark Psychosis, el cual fue publicado en el ejemplar del mes de marzo de la revista Mojo. Posteriormente, en el año 1994, amplió el concepto en la revista The Wire.   

Personalmente tengo la opinión que el posrock (en adelante PR) es un subgénero musical que todavía está en proceso de consolidación. A pesar de que ya han transcurrido unos años desde la aparición de las primeras bandas que se pudieran incluir en este tipo de música, esta corriente musical es todavía muy ambigua en cuanto a las características que deben distinguir su música y, sobre todo, es bastante difícil hacer un listado más o menos homogéneo de las bandas que pudieran pertenecer al PR (inclusive, dos bandas dentro del subgénero pueden llegar a ser bastante diferentes).

Dicho en otras palabras, es un subgénero con relativa poca fuerza pero que seguramente se irá consolidando y articulando en los próximos años. Entre otras razones, porque se trata de una respuesta, si se quiere bastante lógica, a la música que se ha venido haciendo hasta la década de los años noventa. Y ya veremos porque digo esto…

Es decir, se sigue simplificando la música, lo cual considero es una de las tendencias que se va a mantener por unos cuantos años más. Y esto lógicamente en nada significa que disminuya su calidad y poder de transmitir sentimientos y emociones.

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Una de las características principales del PR, aparte de ser muy simple (minimalista), es que generalmente es instrumental. Aparte de eso, melodías y armonías sencillas y repetitivas y compases clásicos como el 3/4 o el 4/4. Eso sí, con tempos un poco más lentos que 60 pulsaciones por minuto (PPM).

Después de leer bastante sobre el tema, pienso que se pueden distinguir tres (3) etapas en el desarrollo de este subgénero:

• Etapa I, con la aparición de los grupos pioneros, desde finales de los años setenta hasta principios de los años ochenta;
• Etapa II, que representa un quiebre o pivote hacia los nuevos sonidos y está representada por bandas como la famosa agrupación Talk Talk (1981) y Mogwai (1995).
• Etapa III, para mí la más interesante de todas, que comienza a partir de los años 2000 y hasta nuestros días.  En esta última etapa vamos a hablar de dos grupos que me encantan: Held by Trees (sostenido por árboles) y Library Tapes (cintas de biblioteca).

Etapa I: Las bandas pioneras del posrock

De esta etapa hemos escogido de varias bandas precursoras (2) y, realmente con criterios muy personales, a Tortoise (1990).

Tortoise

Tortoise (Tortuga) es una banda estadounidense de PR formada en Chicago, Illinois. La banda incorpora música minimalista, electrónica y jazz en su música.

A Tortoise se le ha atribuido constantemente el auge del movimiento posrock

en la década de 1990 y como una de las principales fuerzas detrás del desarrollo y la popularidad de este movimiento. El escritor de CMJ, Jim Allen, ha destacado, por ejemplo, la influencia del rock progresivo en el estilo posrock de Tortoise (Fuente: Allen, Jim. From Tull To Tortoise: Post-Rock’s Proggy Past).

It´s All Around You

Seguidamente dos links. El primero, de la canción que lleva el título del disco, con bastante de jazz (It´s All Around You). El segundo, un video la presentación en vivo completa de su disco TNT del año 2019.

Video: Tortoise | TNT Full Set | Midwinter 2019 | Canal en Youtube de Pitchfork

Etapa II: La transición…

Talk Talk

Muchos especialistas coinciden en señalar que la banda Talk Talk es la que se encarga de hacer la transición entre la primera etapa y las bandas recientes del subgénero del posrock. Esto es en realidad así, pero especialmente lo hace a través de sus dos últimos discos: Spirit of Eden (Espíritu del Edén, 1988) y Laughing Stock (Hazmerreír, 1991).

Talk Talk fue un grupo inglés de rock formado en 1981 en Londres y disuelto en 1991. En el comienzo de su carrera el grupo fue encasillado dentro del estilo denominado synth pop. Sin embargo, siguió luego una línea más experimental, y sus últimos álbumes fueron considerados por la crítica como precursores del PR. A pesar de que los críticos recibieron favorablemente los últimos álbumes de la banda, los mismos tuvieron poco éxito en el mercado, lo que contribuyó a una disputa entre la banda y la compañía discográfica EMI.

Los integrantes del grupo fueron el cantante y multiinstrumentista Mark Hollis, el bajista y corista Paul Webb, el baterista Lee Harris y el tecladista Simon Brenner. El productor Tim Friese-Greene desempeñó un papel importante en la evolución artística del grupo, además de tocar sintetizadores y colaborar en la composición.

De esos dos maravillosos discos, he escogido el penúltimo (Spirit in Eden). Por cierto, encontré un comentario que sintetiza de manera clara lo que significa, aún hoy, esta grabación: “Ni un solo álbum en toda la historia he escuchado más que este. Siempre me parece nuevo, como si lo estuviera escuchando por primera vez, cada vez. Y juro que cada vez que lo escucho, escucho algo que nunca antes había escuchado en la música. Una breve pausa, un sonido que es fugaz y fantasmal, pero que aún está ahí. Es como un bosque oscuro y exuberante que se puede explorar perpetuamente” (Fuente: comentario hecho por un fanático de la banda en la página de YouTube).

Spirit of Eden

Video: Talk Talk – Spirit of Eden (1988) FULL ALBUM | Canal en Youtube de lazlo74

En cuanto a su estilo musical, y como ya hemos dicho, comenzaron su carrera siendo etiquetados como parte del movimiento New Romantic y el synth pop. Sin embargo, en los últimos años de actividad de la banda cambió radicalmente su música hacia lo que muchos llaman el PR, particularmente entre los años 1988 y 1991. El disco Spirit of Eden es una «obra maestra de otro mundo», con una atmósfera “orgánica” y “otoñal” que presenta elementos que luego serían habituales en la obra de artistas de posrock, como sus influencias del jazz y de la música clásica y su uso del silencio (Fuente: Harper, Simon. The whispers and crescendos of the Spirit of Eden. Birmingham Post. Agosto, 2005).

El propio cantante de la banda, Mark Hollis, manifestó en varias ocasiones su actitud minimalista: “La cosa más importante con la que puedes trabajar es el silencio… Siempre he creído que una nota es mejor que dos y que dos notas son mejores que tres, así que nunca es difícil elegir porque estás buscando fragmentos muy pequeños” (Fuente: Chatback. VOX en Within Without. Noviembre de 1991).

Como influencias musicales, Hollis ha mencionado el soul, el góspel, el jazz de músicos como John Coltrane, Pharaoh Saunders, Roland Kirk, Miles Davis y Gil Evans y la música impresionista de compositores como Erik Satie, Claude Debussy y Delius.

Mogwai

Mogwai es una banda escocesa de PR formada en 1995 en Glasgow, llegando a ser una de las bandas de PR más conocidas de su época. Está formada por Stuart Braithwaite (guitarra, vocales), Barry Burns (guitarra, piano, sintetizador, vocales), Dominic Aitchison (bajo) y Martin Bulloch (batería).

Su música consiste en largos temas instrumentales a base de guitarras, siguiendo la tradición dentro del posrock, alrededor de una melodía inicial. También son conocidos por su tendencia a intercalar pasajes tranquilos con pasajes más fuertes de una forma muy dinámica, con líneas de bajo melódicas y muy definidas, y un sonido más bien introspectivo, a ratos oscuro y a ratos potente y soberbio.

Happy songs for happy People

La pieza Happy Songs for Happy People (algo así como Canciones felices para gente feliz) representa una nueva evolución hacia un sonido más atenuado y electrónico de Mogwai. Todas las canciones se basan en guitarras eléctricas y batería en vivo, pero los sintetizadores se usan con frecuencia y a menudo ocupan el escenario principal en este álbum, con cuerdas y piano también haciendo la aparición ocasional.

El vocalista habitual de Mogwai, Stuart Braithwaite, no canta en este álbum. Para compensar esto, Barry Burns canta en Hunted by a Freak y Killing All the Flies, y John Cummings en Boring Machines Disturbs Sleep.

A continuación, les pongo el link del disco completo:

Etapa III: el postrock del presente

Held by Trees

Esta fabulosa banda es, para mí, la mejor representación actual de lo que es ese subgénero: música minimalista, armonías, melodías y ritmos sencillos, totalmente instrumental, no existen solos instrumentales extravagantes, etc.… Es como si un conjunto de grandes músicos, buenos amigos entre ellos, y que ya prácticamente han pasado por casi todos los subgéneros del rock, del jazz, del ambient y de la música clásica, se reunieran en la casa de alguno de ellos, en el patio, por ejemplo, para tocar una música sencilla y emocionante, pero profunda a la vez… para la familia y para los mejores amigos.

Held By Trees es un proyecto PR de Inglaterra que presenta el talento del gran músico David Joseph, rodeado de otros músicos igual de brillantes, tales como el guitarrista Robbie McIntosh (ha tocado nada más y nada menos que para Paul McCartney, The Pretenders y John Mayer), el baterista y percusionista Martin Ditcham (Chris Rea, The Waterboys, Nik Kershaw), el bajista Simon Edwards (Michael Jackson, Billy Bragg, Fairground Attraction), la guitarra acústica de Eric Bibb, el guitarrista Tim Renwick (Pink Floyd), David Knopfler (ex Dire Straits y hermano de Mark Knopfler) y muchos más.

La banda se inspira claramente en Talk Talk y Pink Floyd, con líneas neoclásicas minimalistas/abstractas como Morton Feldman, Ryuichi Sakamoto y John Cage.

El álbum debut, Solace (Consuelo), salió en la primavera de 2022 con elogios generalizados en la prensa musical.

Solace

A continuación, les seleccioné dos videos con presentaciones en vivo de la banda. El primero, con la canción In the Trees y el segundo con la hermosa Rain After Sun. Ambos en el año 2022.

Como ya hemos dicho, la inspiración detrás de este proyecto es bastante clara: los dos últimos álbumes de Talk Talk (Spirit Of Eden y Laughing Stock).

El artífice principal aquí es David Joseph, que trabajó de manera similar a Mark Hollis y creó patrones de ritmo y progresiones de acordes para que el elenco de músicos improvisara.

Del maravilloso disco Solace, les dejo dos links para que aprecien un poco la música calmada y hermosa que viene en los próximos años… La primera canción se llama The New Earth (La nueva tierra) y la segunda, Rain After Sun (La lluvia después del sol).

La mezcla que hizo Joseph de composiciones espontáneas, varias progresiones rítmicas y de acordes, y grabaciones de campo realizadas cerca de su casa en West Country formarían la base de Solace. Luego invitó a los músicos ya mencionados a agregar a las grabaciones con improvisaciones de sus partes. Yo pienso, viendo el listado de grandes músicos, que el Sr. Joseph debe tener una habilidad con las palabras y una libreta de contactos impresionante, ya que también fue capaz de sacar a Phill Brown (ha trabajado con Led Zeppelin, con Talk Talk, y es el hermano menor de Terry Brown, ingeniero de varios discos de Rush) y Denis Blackham de su retiro para mezclar y masterizar el disco.

Library Tapes

Library Tapes se formó en el año 2004 por David Wenngren y Per Jardsell. Ambos realizaron juntos dos álbumes para la discográfica Resonant justo antes de que Per dejara la banda por estudios en el año 2006.

En el año 2007 David lanza el disco Höstluft, que consiste en trabajo de piano solamente y algunas grabaciones exteriores en Make Mine Music. En el mismo año David comienza a trabajar junto a Danny Norbury y Peter Broderick. Danny se encargó de los Cellos y del “serrucho” en los discos Sketches y A summer beneath the trees, mientras que Peter se encargó de diferentes instrumentos en los discos A summer beneath the trees y en Fragment, un EP que salió a la luz el año 2008 a través de King Disk.

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En el año 2010 David lanza el quinto disco de Library Tapes titulado Like green grass against a blue sky (algo como: La verde grama contra el cielo azul), esta vez a través de su propio sello, Auetic. En ese mismo año, Auetic relanzó al mercado los dos primeros discos de Library Tapes.

Aparte de Library Tapes, David también ha realizado música bajo su propio nombre y como Murralin Lane (junto a Ylva Wiklund), Below Juneau (junto a Jonatan Nästesjö) y Le Lendemain. (junto a Danny Norbury).

FOTO Una imagen de una presentación de Library Tapes en vivo. Pudiéramos incluirla en el subgénero del PR, pero, para mí, con una orientación más hacia la música ambiental, con una base rítmica más tenue que, por ejemplo, la usada por Held by Trees.

Patterns (Repeat)

Esto también lo conseguí: “A menudo se sabe que la sensibilidad y la tristeza se dan la mano, pero por lo general no se hace por amor, menos como una muestra pública de afecto y más como una unión necesaria y vinculante. La sensibilidad no siempre equivale a una marca automática de tristeza, pero en Patterns (Repeat), donde el piano de David Wenngren brilla sobre un lago de seda negra, iluminado nada más que por la pálida luz de la luna, los dos no solo se dan la mano, sino están casados” (Fuente: A closer Listen by James Catchpole).

A continuación, un link completo del disco de Library Tapes con la colaboración del musico japonés Hoshiko Yamane.

En el siguiente artículo, el número 10, volveremos atrás en el tiempo, para hablar de lo que se ha llamado el sonido (o la escena) Canterbury (Inglaterra, condado de Kent), hacia finales de los años sesenta. Este sonido se caracterizó por la mezcla entre el rock, la música clásica y, sobre todo el jazz, con elementos de psicodelia y algo de improvisación. De esta vertiente surgieron bandas tan interesantes como Caravan, Solf Machine, y posiblemente, una de las preferidas mías: Camel.

1. Simon Reynolds es un periodista musical y autor inglés que comenzó su carrera profesional en el equipo de Melody Maker a mediados de la década de 1980. Se especializa en el análisis de la música electrónica y en el post-rock.
2. Otras, pudieran ser: Public Image LTD (1978), Bark Psychosis (1986) y Cul de Sac (1990).

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Particularmente, la primera década de los años 2000 comienza con la renovación de dos subgéneros del rock progresivo y se marca la transición hacia el posrock

@albertotobio

Algunas precisiones históricas y conceptuales

Los años 2000, aunque quizás para algunos pudiera parecer extraño, han significado también grandes avances y evoluciones en la historia del rock progresivo (RP).

Particularmente por el surgimiento, a principios de la década, de bandas que han sido influenciadas por el llamado rock alternativo de los 70 (por ejemplo, U2 y The Police), pero también por el llamado neo rock progresivo, de los años 90, cuyas bandas más emblemáticas pudieran ser Porcupine Tree y The Flower Kings (de las cuales ya hablamos en entregas anteriores). En este caso estamos considerando agrupaciones muy importantes como The Killers.

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Pero, al mismo tiempo, han surgido nuevos artistas, una vez entrados los años 2000, como Steven Wilson, que representa lo que podríamos llamar “la 2 ola del neo rock progresivo” (aunque al propio Wilson no le gusta hablar de su música como progresiva). Pero especialmente, Wilson es reconocido por la mayor parte de los especialistas en la materia como “el gran genio actual del RP”. Les confieso que para mí ha sido un descubrimiento relativamente reciente de este artista, no obstante, este hecho me da mucho optimismo de lo que está por venir en los próximos años.

Aparte de Steven Wilson, hay un conjunto de muy buenas bandas, unas con algunos elementos de hard, pero también de jazz y blues, como The Neil Morse Band, otras más melódicas como The Mute Gods y Flying Colors y, finalmente, unas muy experimentales que interpretan sus propios temas, pero, además, versionan grandes canciones de otras bandas. Tal es el caso de The Progresive Collective.

La segunda ola del rock alternativo

The Killers

The Killers es una banda de rock estadounidense formada en Las Vegas, en el año 2001, por Brandon Flowers (voz principal, teclados y bajo) y Dave Keuning (guitarra principal y coros). La banda ha pasado por una serie de cambios de formación iniciales. Pero, en 2002, se habían decidido por una formación de cuarteto: Flowers, Keuning, Mark Stoermer (bajo, guitarra rítmica y coros) y Ronnie Vannucci Jr. (batería y percusión).

Hasta la hecha, han lanzado siete álbumes de estudio, entre los cuales vamos a hablar de dos de ellos: Day & Age (Día y edad) (2008) y Battle Born (Batalla de nacimiento), del año 2012.

Se podría decir que The Killers es una banda de rock alternativo, pero con influencias muy claras del new wave, del pop rock, del glam rock (“glam” por glamour) y del rock electrónico. Sus miembros en algunas entrevistas han citado influencias decisivas en sus composiciones de bandas como U2, The Cure, The Cars y Depeche Mode (esta última dentro del rock electrónico).

Day & Age

Day & Age | Publicación: 2008 | Grabación: 2008 | Género(s): rock alternativo y new wave | Duración: 40:49 min | Discográfica: Island | Productores: Stuart Price y The Killers | Estudio de grabación: Battle Born (Las Vegas, Nevada).

En los siguientes dos links incluimos dos muy buenas canciones. La primera (Losing Touch: perdiendo el contacto) y, la segunda, Human (en una presentación en vivo en el show de David Letterman). La primera con toques de hard rock, la segunda, más con influencias del new wave.

Battle Born

Battle Born | Publicación: 2012 | Grabación: 2012 | Género(s): rock alternativo y new wave | Duración: 51:18 min | Discográfica: Island | Productores: The Killers, Daniel Lanois, Steve Lillywhite, Brendan O’Brien y Stuart Price | Estudio de grabación: Battle Born (Las Vegas, Nevada).

De Battle Born (Batalla de nacimiento), un extraordinario disco sin duda, hemos escogido también un par de canciones: Flesh and Bone (Carne y hueso) y Runaways (Fugitivos). Esta última también interpretada en vivo en el show de Letterman y con una calidad y potencia vocal admirables de Brandon Flowers.

Steven Wilson

Ya entrados los años 2000, y aunque para muchos de nosotros posiblemente ha sido una novedad maravillosa, por pensar que iban a pasar más años sin nuevas ideas en cuanto al RP, aparece el genio incomparable de Steven Wilson.

Como ya comentamos en la entrega anterior, Wilson es un músico inglés que formó parte de la banda Porcupine Tree (Árbol de Puercoespín) hasta el año 2010. No obstante, y para fortuna de las personas que les gusta la buena música, pero para sorpresa de otros, en el año 2021 se volvieron a reunir para grabar un nuevo disco: Closure/Continuation (algo así como Cierre y continuación).

Hand. Cannot. Erase

Hand. Cannot. Erase | Publicación: 2015 | Grabación: 2014 | Género(s): rock progresivo | Duración: 65:44 min | Discográfica: Kscope | Productor: Steven Wilson | Estudio de grabación: No Man’s Land (Hemel Hempstead), AIR Studios (London), Angel Recording Studios (Londres) y East West Studios (Los Ángeles).

De Steven Wilson hemos escogido un disco extraordinario, muy creativo, completo, complejo, inteligente y podríamos agregar muchos más calificativos: Hand. Cannot. Erase, grabado en el año 2014, en Air Studios de la ciudad de Londres.

Varias características de este maravilloso disco. Primeramente, se trata de un disco “conceptual”, nuevamente, muy típico del RP. En segundo lugar, es un disco diferente a lo que venía haciendo Wilson individualmente y con Porcupine Tree. En palabras de Wilson; “el disco presenta material diferente al del catálogo anterior, con elementos de música electrónica y canciones pop sencillas junto con pistas largas de orientación progresiva” (Fuente: Wikipedia). Y, en tercer lugar, es un disco muy variado, con pistas lentas, otras rápidas, canciones tristes y otras, las menos, optimistas.

Junto a Wilson, el álbum presenta a Ninet Tayeb en las voces y, además, la música está fuertemente inspirada en The Dreaming, un álbum de la fabulosa cantante Kate Bush.

Según Wilson, “el álbum está escrito desde una perspectiva femenina, y el concepto y la historia están inspirados en el caso de Joyce Carol Vincent. Una mujer que vive en una gran ciudad y que muere en su apartamento y nadie la echa de menos durante más de dos años, a pesar de tener familia y amigos” (Fuente: Wikipedia). Sin duda, una historia triste, profunda y asombrosa.

A continuación, un link del álbum completo porque, verdaderamente, merece la escucharlo en su totalidad.

Vídeo: Steven Wilson – Hand Cannot Erase [Full Album] | Canal en Youtube de Prog Nation

El otro disco de Wilson es el último en estudio grabado en el año 2017, y cuyo título es: To the Bone (Hasta el hueso).

To the Bone

To the Bone | Publicación: 2017 | Grabación: 2016-2017 | Género(s): rock progresivo | Duración: 59:46 min | Discográfica: Caroline International | Productor: Steven Wilson y Paul Stacey | Estudio de grabación: Strangeways (London), Angel Recording Studios (London), Studio Du Flon (Lausanne).

Seguramente este no es el mejor disco de Steven Wilson, quizás porque no avanzó mucho en la parte creativa y dejó correr las ideas de los discos anteriores, pero con un ingrediente electrónico aun mayor. Del disco escogimos probablemente la mejor canción: Pariah (Paria), que nos recuerda lo mejor del compositor.

Vídeo: Steven Wilson – Pariah ft. Ninet Tayeb | Canal en Youtube de Steven Wilson

The Neil Morse Band

The Neal Morse Band (ahora NMB) se formó en 2012, con los colaboradores de mucho tiempo Neal Morse (voz, teclados y guitarras), Mike Portnoy (batería, voz y ex Dream Theater), Randy George (bajo), así como, Bill Hubauer (teclados, voz) y Eric Gillette (guitarras, voz).

El primer álbum de la banda, The Grand Experiment, mostró frescura y madurez que se desarrolló aun más en el siguiente, The Similitude of A Dream de 2016. Después siguió The Great Adventure de 2019 y el último disco en estudio, Innocence & Danger de 2021, del cual vamos a hablar a continuación.

Innocence & Danger (Inocencia y peligro) es el cuarto álbum del grupo estadounidense de rock progresivo The Neal Morse Band (ahora estilizado como “NMB”), lanzado el 27 de agosto de 2021. Es el duodécimo álbum de estudio de rock progresivo de Morse en general, para que nos demos una idea de la capacidad de composición que tiene ese gran músico.

Es, además, su primer álbum no conceptual después de The Similitude of a Dream (2016) y The Great Adventure (2019), ambos inspirados en The Pilgrim’s Progress de John Bunyan. El álbum se grabó durante una semana a principios de 2021 y, por primera vez, Morse no trajo ninguna demostración con sus ideas al estudio.

A continuación, les coloco el link a todo el disco porque lo considero realmente una obra de arte del RP. Por cierto, incluye una fabulosa versión de la canción de Simon & Garfunkel: Bridge Over Trouble Water (Puente sobre aguas turbulentas).

El primer sencillo, Do It All Again, se lanzó con un video el 21 de junio de 2021. Fue la primera canción que se escribió para el álbum y sirve como apertura. Bird on a Wire (Pájaro en un alambre), la segunda canción en la lista de canciones, y la segunda en ser escrita, también fue lanzada como sencillo el 27 de julio. Your Place in the Sun llegó como tercer sencillo y video el 18 de agosto, siendo la tercera canción que escribieron.

Innocence & Danger

Innocence & Danger | Publicación: 2021 | Grabación: 2021 | Género(s): rock progresivo | Duración: 99:40 min | Discográfica: Inside Out / Sony Music | Productor: NMB.

Si bien la inspiración inicial provino particularmente de Bill Hubauer (teclados) y Randy George (bajo), las ideas fluyeron de todos a partir de ahí, como recuerda George: “Estoy entusiasmado con el nivel de colaboración que logramos en este disco. Incluso entramos con muchas ideas que no necesariamente se desarrollaron, y creo que al final tenemos algo que representa lo mejor de todos en la banda” (Fuente: Radiant Records).

A continuación, les paso un link de NMB en directo, en 2019. La canción: Great Adventure.

The Mute Gods

The Mute Gods (Los Dioses Mudos) es un supergrupo de rock progresivo inglés que reúne a Nick Beggs, Marco Minnemann y Roger King (tecladista y figura clave del músico Steve Hackett). Beggs se acercó a King, con quien había trabajado como parte de la banda de Steve Hackett, sobre una colaboración en 2014. Minnemann fue elegido baterista después de que Beggs hiciera una gira con él como parte de la banda de Steven Wilson.

Su álbum debut, Do Nothing till You Hear from Me (algo así como No hagas nada hasta que escuches de mí), fue lanzado el 22 de enero de 2016. Beggs escribió la mayor parte del álbum durante la gira de 2014 y lo describió como “una diatriba bastante descontenta sobre la distopía que hemos creado para nosotros y nuestros hijos”. Además de Minnemann, el álbum cuenta con algunos bateristas invitados, incluidos Nick D’Virgilio y Gary O’Toole (ex Steve Hackett).

En noviembre de 2015, la banda lanzó dos videos, uno de los cuales es un video de 360 grados, para la canción principal del álbum. Según Nick Beggs, No hagas nada hasta que escuches de mí se inspiró en la advertencia de Dwight D. Eisenhower sobre el aumento potencial del complejo militar-industrial, así como en el geólogo Phil Schneider, quien hizo varias afirmaciones sobre los ovnis, antes de morir en circunstancias misteriosas.

Do nothing till you hear from me

Do nothing till you hear from me | Publicación: 2016 | Grabación: 2015 | Género(s): rock progresivo | Duración: 59:49 min | Discográfica: Inside Out | Productor: Roger King.

A continuación, un enlace de la canción Do Nothing Till You Hear From Me (video oficial).

The Prog. Collective (TPC)

Bueno queridos amigos, ¿qué podemos decir de esta superbanda de RP? Que es sencillamente maravillosa. Es, a mi manera de ver, una especie de “plataforma”, liderada por el talentoso músico Billy Sherwood, actual bajista y vocalista de Yes, en la cual se congregan algunos de los más virtuosos músicos del rock de todo el mundo.

Por otra parte, TPC ha creado un sonido muy propio que une el subgénero progresivo con el neoprogresivo y el rock instrumental. Pero también, sus discos combinan canciones propias con covers de bandas muy reconocidas del mundo del progresivo.

El debut homónimo del proyecto en 2012 incluyó apariciones de Annie Haslam (Renaissance), Alan Parsons y Rick Wakeman, entre una docena más. Epilogue, su seguimiento de 2013, contó con contribuciones de los colegas de Yes de Sherwood, así como de un grupo de invitados, incluidos Colin Moulding, John Wesley y John Wetton.

Después de una pausa de ocho años, Sherwood revivió TPC para Worlds on Hold de 2021. Lanzado en febrero, el álbum había estado en la etapa de creación durante años. La lista de canciones se dividió entre los originales de Sherwood y una deslumbrante selección de versiones que incluían Solsbury Hill de Peter Gabriel; A Whiter Shade of Pale, de Procol Harum; y Eye in the Sky, de Parsons, en el lado progresivo del disco.

En la versión extendida, incluyó: People Are Strange de los Doors, More Than a Feeling de Boston y una relectura de Penny Lane de The Beatles, cantada por el difunto John Wetton como bonus track.

La lista de invitados era habitualmente grande y ofreció una sorprendente variedad de vocalistas, incluidos Todd Rundgren, Geoff Tate, David Johansen y David Clayton-Thomas. Sherwood produjo el álbum y tocó la guitarra, la batería, los teclados y ocasionalmente cantó. Estaba respaldado por una lista de instrumentistas de primer nivel, incluidos los guitarristas Jan Akkerman, Steve Hackett y Steve Hillage, el violinista L. Shankar, los tecladistas Geoff Downes, Patrick Moraz y Tony Kaye, y el baterista Alan White (estos cuatro últimos músicos pertenecientes al gran grupo Yes en diferentes épocas y Alan White, por desgracia fallecido recientemente).

Worlds on hold

Worlds on hold | Publicación: 2021 | Grabación: 2021 | Género(s): rock progresivo | Duración: 1:05:00 min | Discográfica: Purple Pyramid | Productor: Billy Sherwood | Estudio de grabación: Circa: HQ Studios.

Les dejo los enlaces de tres canciones: Eye in the sky, A Whiter Shade of Pale y Solsbury Hill.

Flying Colors

Flying Colors (Colores Voladores) es un supergrupo estadounidense compuesto por Mike Portnoy (ex Dream Theater, Liquid Tension Experiment y Transatlantic), Dave LaRue, Casey McPherson, Neal Morse y Steve Morse. La misión de la banda, creada por el productor ejecutivo Bill Evans, era combinar música compleja con composición accesible. Flying Colors, en Mascot Label Group, ha lanzado tres álbumes de estudio y tres álbumes en vivo, con gran éxito comercial y elogios de la crítica.

En 2008, Evans escribió una propuesta para una banda que combinaba música sofisticada (composición compleja e interpretaciones virtuosas) con composición de canciones convencional y accesible. Su idea era canalizar la complejidad a través de un cantautor pop carismático, mantener las canciones cortas y usar el humor.

A continuación, les seleccioné un disco de la banda que me gusta mucho, del año 2012, donde puede apreciarse claramente el virtuosismo en la ejecución combinado con composiciones más bien sencillas y con un acercamiento claro hacia lo comercial.

Flying Colors

Flying Colors | Publicación: 2012 | Grabación: 2011 | Género(s): rock progresivo | Duración: 60:26 min | Discográfica: Mascot Label Group | Productor: Peter Collins (también productor de Rush).

En este link está el disco completo.

Vídeo: Flying Colors – Flying Colors (2012) Full Album | Canal en Youtube de Diego Montebro

Finalmente, y contestando a la pregunta de si el neorrock progresivo es posiblemente el último escalón hasta la fecha en la evolución del subgénero RP. Bueno, les confieso que hace unos meses pensaba que sí, pero realmente la evolución ha continuado a otro eslabón que a mí me gusta llamar el “posrock”. Ya en el artículo anterior, referido al “time line” del RP, comenzamos a hablar sobre este nuevo subgénero que se caracteriza, fundamentalmente, por la simpleza de la música, casi minimalista, y por ser instrumental.

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En el siguiente artículo, el 9, le dedicaremos suficiente tiempo y espacio a este nuevo subgénero que prácticamente tiene 10 años de vida. Sin embargo, les adelanto una banda maravillosa que he descubierto recientemente llamada Library Tapes (LT).

Library Tapes se formó en Suiza en 2004 por David Wenngren y Per Jardsell. Hicieron dos álbumes juntos para el sello Resonant antes de que Per dejara la banda en 2006. Hasta el presente, LT ha publicado un total de 16 discos en estudio.

A continuación, les hago una breve referencia al último disco en estudio del año 2022 llamado Sunset (Atardecer u Ocaso). Es muy corto, apenas 16 minutos de duración, pero tiene una magia impresionante. Es sereno, muy sencillo y cautivador… Si uno tiene problemas en un momento dado, seguramente al oír este disco se te aliviarán muchos de ellos.

Sunset

Sunset | Publicación: 2022 | Grabación: 2022 | Género(s): posrock progresivo | Duración: 16:44 min | Discográfica: Auetic | Productor: David Wenngren.

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Algunos dicen que el rock progresivo tuvo su “origen, auge y caída”; yo digo que hoy en día está más vivo que nunca. Con el timeline del rock se visualiza su trayectoria

@albertotobio

Algunas consideraciones iniciales

Hemos querido hacer una corta pausa en los artículos de música para mostrarles el timeline (línea de tiempo) que hemos elaborado a lo largo de los últimos meses. La finalidad fue guiar la evolución del RP y presentar los artículos de manera más o menos secuencial y con un cierto nivel de coherencia.

Como podrán haberse dado cuenta, abarca desde los años sesenta hasta nuestros días. El mismo se fundamenta en tres aspectos básicos:

1. Se trata de una LT que se basa en eventos históricos innegables a lo largo de estos 70 años. Pero, obviamente, existen consideraciones personales acerca de la conformación de la misma, que tienen que ver con los gustos y preferencias personales. Por esto, en algunos casos, pido excusas por el hecho de que mis gustos personales no coincidan con el de algunos lectores, o bien, hayamos excluido grupos o bandas igualmente importantes y exitosas.
2. En vista de que hay que intentar “acotar” la LT, porque de lo contrario se convertiría en algo prácticamente interminable, aplicamos el siguiente planteamiento: el eje central lo constituye la evolución del RP hasta nuestros días (en color naranja en el gráfico a continuación). Es decir, se enfoca el timeline del rock, pero desde la perspectiva del RP. Dicho de otra manera, el gráfico muestra cómo el RP ha influido en otros subgéneros musicales y, a su vez, cómo este ha sido influenciado por otras variantes… Aquí es conveniente aclarar dos conceptos o, mejor dicho, “acuerdos” entre ustedes y nosotros. El rock es el “género musical”, al igual que lo serían el jazz, el blues o el rhythm and blues, por ejemplo. Del rock derivan los diferentes “subgéneros”, como el rock alternativo, el glam rock o el rock experimental.
3. Finalmente, nosotros tenemos una tesis mediante la cual afirmamos, a diferencia de especialistas en la materia, a los cuales respeto y admiro, que dicen que el RP tuvo un “origen, auge y caída” entre los años sesenta y finales de los años setenta. Y allí, prácticamente desapareció. Nuestra tesis consiste en que el subgénero ha ido evolucionando a partir de allí. Y se mantiene hoy en día más vivo que nunca. Eso sí, pasando por una serie de adaptaciones para poder sobrevivir.

Por esta razón ha pasado del rock progresivo de los orígenes (con grupos como Genesis, Yes, Camel, E, L&P, King Crimson, Kansas, Pink Floyd, etc.), a un proceso de adaptación que se inició en los años ochenta con grupos como Marillion, después a un neorrock progresivo mucho más sencillo en sus estructuras musicales, pero igualmente de una gran calidad musical. Aquí hay bandas tan buenas como: Porcupine Tree, The Flower Kings, Steven Wilson, Mystery, Transatlantic, Mustly Autumn, The Mute Gods, The Black Noodle Project, RPWL, entre muchas otras.

Las 12 entregas

Como se puede ver en el gráfico, se plantea un “eje central”, coloreado en naranja, que representa el origen y desarrollo del RP a través de los años, desde las bandas originarias de los años sesenta, hasta nuestros días. Por cierto, y como vimos en las dos últimas entregas, para intentar demostrar que hay un repunte reciente del RP, a partir de los años 2000 se ha formado una cantidad importante de nuevas bandas, de excelente calidad. Como vimos, con estructuras musicales mucho menos complejas (melodías, armonías y ritmos) y de alguna manera conectándose con el pop rock, en un intento de buscar ser más comerciales.

En color azul están representados los subgéneros que han derivado del RP o aquellos que lo han influenciado.

En total serán 12 entregas: 1) Los inicios del RP, 2) el rock electrónico progresivo, 3) la música ambiental y el new wave, 4) el pop rock, 5) el glam rock y el rock alternativo, 6) la primera gran adaptación del RP, 7) la “primera ola” del neorrock progresivo, 8) la “segunda ola” del neo RP y el rock alternativo, 9) el posrock, 10) el sonido o la “escena” Canterbury, 11) el hard rock y 12) el rock clásico (o la vuelta a los inicios…).

¿Dónde estamos en este momento?

Estamos en este momento en el artículo 7, el cual publicamos recientemente. El mismo se refirió al rock progresivo y al rock experimental.

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Después de esta pausa en la cual estamos mostrando el timeline del rock, volveremos inmediatamente con el artículo 8. Este versará sobre la “segunda ola” del neorrock progresivo y el rock alternativo.

¿Qué nos falta?

Bueno, nos faltan las entregas 8 hasta la 12. Como ya dijimos, el último artículo se referirá a los orígenes de este maravilloso subgénero del RP como lo fue el rock clásico, especialmente representado por una banda que siempre estará vigente en la historia y en nuestros corazones: The Beatles.

Una vez que terminemos las 12 entregas, tenemos planteado publicar dos o tres artículos muy detallados referidos a la “nueva ola” del RP; es decir, las bandas que se han creado a partir de los años 2000.

Por cierto, una cosa que me parece muy interesante y que tiene que ver con lo que viene a muy corto plazo, de hecho, ya está en progreso: el llamado posrock (artículo 9), representado por grupos extraordinarios como Held by Trees y The Library Tapes.

Se trata de un subgénero caracterizado fundamentalmente por dos cosas: uno, la música es absolutamente “minimalista”; y dos, es instrumental. Un comentario mío: pareciera que después de muchos años de complejidad, acercamiento a lo comercial y lo enredado que está el mundo en muchos aspectos, queremos volver a lo sencillo. No sé, pero se me parece mucho a un libro que leí hace muchos años: Small is Beautiful (Lo pequeño es hermoso), de Ernst Friedrich Schumacher (1973).

Solace

Del maravilloso disco de 2022 de Held by Trees (Sostenido por los árboles), llamado Solace o Consuelo, les coloco dos links para que aprecien un poco la música calmada y hermosa que viene… La primera canción se llama The New Earth (La nueva Tierra) y la segunda, Rain After Sun (La lluvia después del sol).

Vídeo: The New Earth | Canal en Youtube de Held By Trees – Tema

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