Galeria

Una exposición que recorre los últimos treinta años de la producción artística del maestro Jacobo Borges será inaugurada el domingo 21 de febrero a las 11:00 am en la Galería Freites, como un homenaje a este gran creador cuya obra le ha otorgado un importante lugar en la historia del arte contemporáneo latinoamericano y le ha hecho merecedor de numerosos reconocimientos nacionales e internacionales.

Jacobo Borges es el título de esta muestra que cuenta con la curaduría de María Luz Cárdenas. Una selección de sus cuadros más representativos, realizados entre 1986 y 2016, a través de oas cuales el espectador podrá apreciar una suerte de inventario de los problemas y estructuras que marcan la obra de Borges. “Narramos la historia de cómo alcanzó la soberanía pictórica en sus cuadros; de los descubrimientos que reafirmaron el talante de su producción”, afirma Cárdenas.

Organizada en doce estaciones de lectura que se desplazan entre los resquicios de las aguas, la naturaleza, el retrato y la memoria, esta exposición da cuenta de los diferentes temas, elementos y técnicas que han marcado el trabajo de Jacobo Borges en este período.

La ciudad como fuente de inspiración, la influencia en la estructura del cuadro del incansable recorrido del artista por el mundo, la construcción y disposición de las figuras y los objetos, los retratos y autorretratos, la ventana como imagen constante, y la incorporación de los avances digitales como herramientas de creación de nuevas realidades en el color y la concepción del hecho plástico, son algunas de las etapas que se destacan en dicha muestra.

“La obra de Borges crece sin saltos al vacío ni contradicciones, cada momento vive germinalmente en etapas anteriores. Él mismo define sus procesos creativos desde la perspectiva de un enorme archivo que contiene ideas y materiales que más adelante surgirán (…) Trabajando a la manera de un arqueólogo, va rasgando capas, como pintando un cuadro sobre otro para que aparezcan nuevas formas”, asegura Cárdenas en el catálogo que acompaña a la exposición.

Borges ha sido despiadado con el espacio, la materia y el tiempo en este período de intensa actividad creadora. “Quebranta la imagen de la realidad en un torbellino de fragmentos que incluyen a su entorno pero también a la figura de sí mismo. Es una obra mayor, una obra integradora de las muchas experiencias recorridas durante este período en un solo texto que las une, que las mezcla y las disocia para abrirse a capas de significados infinitos”, explica la curadora.

Nacido en Caracas en 1931, Jacobo Borges posee más de cinco décadas de trayectoria, tiempo durante el cual se ha posicionado como uno de los artistas plásticos más importantes de nuestro continente. Su obra es reconocida internacionalmente, exhibida en galerías y museos de Venezuela, Estados Unidos, Colombia, Cuba, México, Francia, Italia, Alemania y Austria. Ha recibido numerosos premios entre los que se incluyen: Premio Arturo Michelena, Premio Nacional de Dibujo y Grabado en el XXII Salón Oficial y Premio Nacional de Pintura en el XXIV Salón Oficial, Guggenheim Fellowship, DAAD Guest en Berlín, entre otros. A lo largo de su carrera, este destacado artista ha transitado por diversas áreas de comunicación visual como cine, video, fotografía, performance e instalación.

Este proyecto expositivo incluye una serie de actividades paralelas, entre las que se incluyen conversatorios, conciertos, relecturas a su aporte en las artes escénicas, sus experiencias multimedia urbanas y su incursión en el cine. Estos eventos culturales se realizarán los sábados a las 11:00 am.

La inauguración de la muestra Jacobo Borges contará con palabras de César Miguel Rondón. La cita es a partir del domingo 21 de febrero a las 11:00 a.m. en la Galería Freites, ubicada en la Avenida Orinoco de Las Mercedes, donde la exposición permanecerá abierta al público hasta el 30 de abril, en horario de lunes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm; los sábados de 10:00 am a 2:00 pm; y los domingos de 11:00 am a 3:00 pm. Entrada libre.

Las propuestas plásticas de los artistas venezolanos Corina Briceño y Cristóbal Ochoa, serán exhibidas en BEATRIZ GIL Galería a través de sendas exposiciones individuales curadas por Lorena González, que se inaugurarán el domingo 21 de febrero a las 11 a.m., y que podrán ser visitadas hasta el 20 de marzo.

La Sala 1 albergará un conjunto de fotografías y pinturas de Corina Briceño bajo el título 125 Flores, en las que la autora expresa su percepción sobre la situación y consecuencias de la inseguridad y la violencia que se viven día a día en Caracas, catalogada recientemente como «la ciudad más violenta del mundo»; mientras que en la Sala 2 se exhibirá la muestra Estar de Cristóbal Ochoa, con una selección de fotografías en torno a sus performances o acciones llamadas “conos de madre”, realizadas en diferentes espacios de Venezuela y otros países, formando parte de los distintos paisajes urbanos en los que se inserta y generando reacciones por parte de aquellos que los transitan.

Tributo a los caídos

Fruto de un proceso de investigación que Corina Briceño inició hace varios años tras una noticia en la prensa nacional sobre un elevado número de muertes en Caracas al cierre de un fin de semana –según explica la curadora e investigadora de artes visuales, Lorena González– la propuesta que presenta esta artista en 125 Flores, “revela una acción poética hilvanada en un tiempo doble: por un lado, el homenaje a todos aquellos que han perecido en las violentas falanges de una ciudad fracturada; en el fondo y a contrapunto, el reflejo de un silencio detenido que murmura desde la imagen, para no olvidar aquello que nunca debió suceder”.

Tal y como señala la curadora en el texto que acompaña la muestra, los primeros pasos de la artista en el proceso fueron rostros, nombres, acontecimientos, tachaduras y sombras de los desaparecidos de aquel entonces, para luego construir otros recorridos ante la necesidad de relatar, de nombrar, de darle forma a aquella preocupación, impotencia y dolor frente al volumen indescifrable del irrespeto a la vida. Fue así como de sus recorridos habituales por la ciudad, surgieron las imágenes fotográficas que conforman el cuerpo de esta individual.

“Allí se propagaron las esquinas, los símbolos, las ampliaciones, los monumentos y los abandonos junto a los vastos y minúsculos espacios sensibles de una capital en riesgo constante. A la textura pictórica de lo fotográfico las impresiones sobre tela demandaron una nueva presencia: las flores. Para Corina Briceño cada una de estas flores que posteriormente pinta sobre las melancolías de la taciturna imagen urbana, son de algún modo una exhalación, una deferencia, un recordatorio de la muerte y de la vida; reflexión y crítica ante las dolientes transformaciones de ese paisaje en ebullición…”, escribe Lorena González.

Con una amplia trayectoria artística de cuatro décadas, Corina Briceño ha participado en numerosas muestras colectivas e individuales en ciudades como Caracas, Nueva York y Baltimore, entre otras, además ha recibido importantes premios y reconocimientos entre los que el 1er Premio de la XI Bienal de Grabado de San Juan de Puerto Rico (1995), el Premio AICA, capítulo Venezuela (2010). Su obra se encuentra representada en instituciones de renombre como el Museo de Bellas Artes de Caracas, la Galería de Arte Nacional, el Museo de la Estampa de México, Casa de Las Américas en La Habana, Colección Mercantil, Colección Banesco y Colección del Banco Mundial en la ciudad de Washington, entre otras.

Acciones cromáticas

Estar, segunda muestra del proyecto expositivo de BEATRIZ GIL Galería en esta ocasión, la constituye el registro fotográfico de la acción o performance “Los conos de madre” de Cristóbal Ochoa, con la que este artista ha recorrido una amplia variedad de lugares de Venezuela, China, Corea del Sur, Inglaterra, Colombia, República Checa y Francia, donde ha sido premiado y ha representado a su país natal en distintas bienales y encuentros de artistas internacionales.

Caracterizado por el tránsito de diversos ejercicios cromáticos desde la escultura, la cerámica, la pintura y la instalación, donde el color se ha vuelto una figura fundamental de interacción con el afuera, el trabajo creativo de Cristóbal Ochoa se ha desplazado hacia la actividad de la performance como engranaje de toda su investigación visual, a juicio de la curadora Lorena González.

El proceso de “Los conos de madre”, eje central de la muestra Estar, se inició hace cinco años e implica la construcción de trajes compuestos por conos en tonalidades diversas, que varían dependiendo del entorno, y con el cual el artista junto a varios compañeros de acción interviene en distintos lugares públicos generando la correspondencia plena de la forma y el color con los sucesos del afuera, según afirma la curadora.

“La exposición ESTAR es una forma de cerrar el amplio periplo de ese recorrido y fijar a través del registro fotográfico los lugares donde esta acción cromática dejó su huella, propiciando con ello la apertura de una conclusión que resalta los destellos de la forma como posibilidad vital: un cuerpo sensorial que se desplaza y se encuentra, que se reconoce y dialoga libre; allí, en el delicado espacio de las crisis sociales, los desapegos políticos, las divisiones y las confrontaciones que constantemente fracturan la complicada geodesia de nuestro mundo actual”.

Egresado en 2011 de la UNEARTE, Cristóbal Ochoa ha sido merecedor de varios premios, ha participado en diversas exposiciones en Venezuela y Colombia, así como en un encuentro internacional de artistas en China y Corea del Sur. En 2014 recibió el Premio Omar Carreño mención «‘Artista joven» de Venezuela, y el primer lugar del Festival de las Artes de Brighton (Inglaletrra), además recientemente participó en una residencia artística en Lyon, Francia, donde también mostró una serie de esculturas y pinturas realizadas durante la exposición. Su obra forma parte de algunas colecciones privadas y públicas.

Las exposiciones 125 Flores de Corina Briceño y Estar de Cristóbal Ochoa, estarán abiertas al público del 21 de febrero al 20 de marzo, en los espacios de BEATRIZ GIL Galería, ubicada en la calle California con calle Jalisco, Las Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

La Venezuela Eterna es el título de la muestra con la cual la Galería D’Museo dará inicio a su agenda expositiva del año 2016, el domingo 14 de febrero a las 11 a.m., en su sede ubicada en el Centro de Arte Los Galpones.

Con la curaduría de Nicomedes Febres, esta muestra reúne una selección de piezas de importantes artistas de la pintura venezolana, así como también, documentos de la época firmados por algunos artistas, objetos de la época, y fotografías de la Caracas de entonces, su gente, las costumbres, los sitios, la ciudad y sus alrededores.

Según comenta el especialista de artes visuales, Nicomedes Febres, “los maestros de la pintura venezolana no se veían a sí mismos como artistas sino como pintores, como gente dedicada con tesón a un oficio, pero muchos, más  de los que creemos, fueron grandes artistas, además apegados al trabajo del taller o con sus pinceles, lienzos y caballete al hombro deambulando por los alrededores de la ciudad, donde con paciencia fueron haciendo la gran pintura que ha quedado grabada con relevantes letras en la Historia del Arte en Venezuela”.

Esta exhibición ofrecerá al público la oportunidad de apreciar el trabajo de muchos de esos grandes creadores, a través de las obras de artistas como Ferdinand Bellermann, Arturo Michelena, Carlos Rivero Sanavria, Antonio Herrera Toro, Emilio Boggio, Andrés Pérez Mujica, Tito Salas, Manuel Cabré, Pedro Ángel González, Alberto Egea López, Rafael Monasterios, Francisco Narváez, entre otros.

“Venezuela tiene mucho de qué sentirse orgullosa de su pasado, en especial en las artes plásticas, y esta exposición es una prueba de ello –afirma Febres– Presentamos aquí obras de arte singulares, de artistas que son la columna vertebral de nuestra historia y de nuestro pasado, de nombres eternos que debemos reverenciar y que permanecerán allí, en el panteón de los inolvidables con letras doradas, hasta el final de los tiempos…Hombres que, en medio de grandes privaciones, atravesaron todos los movimientos artísticos de su tiempo, desde el Clasicismo, el Romanticismo hasta el Impresionismo y en pocas décadas construyeron el pedestal donde se forjó la pintura venezolana. Este es el sentido de la exposición“.

La Venezuela Eterna podrá ser visitada del 14 de febrero al 20 de marzo, en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

Un conjunto de esculturas que expresan una profunda reflexión en torno al hombre y su condición humana, conforman la próxima exposición del artista venezolano James Mathison, que será inaugurada el sábado 14 de noviembre en la Galería Espacio 5 ubicada en la ciudad de Valencia, donde podrá ser visitada hasta el 30 de enero de 2016 .

Obra Reciente James Mathison es el título de esta exposición, que muestra distintas maneras de replantear el cuerpo como un mapa, a través de un discurso “que desde el arte nos permite pensar lo humano como un espacio de relaciones y no un hecho natural”, como lo expresa la curadora e investigadora de artes visuales; María Luz Cárdenas, en el texto de presentación.

A partir de la fragmentación del cuerpo y su transfiguración en lenguaje, Mathison desarrolla una propuesta artística, donde cada pieza (cabezas, manos, pies), se convierte en una totalidad.

En este sentido, María Luz Cárdenas señala que “El uso del fragmento registra niveles paralelos de comprensión que van del contacto perceptivo a un territorio de orden filosófico. La percepción nos remite a un cuerpo fracturado, pero conceptualmente es inevitable acudir a las lecturas históricas o arqueológicas, así como a la reflexión acerca de una posible fenomenología del cuerpo. Cada brazo, cabeza  o trozo de cuerpo nos acerca a una posible historia fragmentada de la humanidad y las huellas de esa fragmentación”.

Asimismo, la curadora se refiere a la manera en la que el artista se apoya en el texto como una alusión a los estados espirituales del hombre y a sus abismos profundos, como uno de los aportes conceptuales más significativos de James Mathison. “Las frases se despliegan sobre el pecho, la cabeza o la espalda; la oración recorre el cuerpo en una inesperada costura poética. Lo interesante de este proceso es que el verbo se vuelve materia, la escritura se convierte en cuerpo y el cuerpo en una escritura, caligrafía, gesto”.

Otro de los aspectos de la exposición que destaca Cárdenas es el trabajo que realiza el artista con la materia, al incorporar texturas, grietas, escrituras, signos ancestrales o pequeños orificios que nos hacen pensar que la piel se convierte en un código, mientras que la porosidad está representada a partir de retículas y entramados, o incluso agujeros que socavan la superficie y proporcionan diferentes texturas, según explica.

“Este trabajo con la materia vive momentos culminantes cuando se conjugan la materia y el vacío, lo cual se aprecia en las cabezas realizadas a partir de pequeños fragmentos de cuadros, las cabezas con huecos y las cabezas tramadas. En ellas la luz traspasa el volumen generando un efecto multiplicador. Por otra parte, las huellas, cuadrículas y grietas definen las improntas del tiempo sobre el cuerpo y los rastros que surgen del propio interior del individuo…” puntualiza Cárdenas.

Nacido en Caracas en 1966, James Mathison realizó estudios en técnica avanzada de fundición en el Central Saint Martins College of Art and Design de Londres (1991 -1992),  y en 1993 crea su taller de fundición en Caracas donde desarrolla su carrera como escultor. Su obra ha sido expuesta en diversas galerías y museos de Venezuela, así como de otros países como Estados Unidos, Panamá, China y Francia; y forma parte de colecciones públicas como la del Museo Ambiental (Parque Los Caobos, Caracas), Colección Permanente Shell Venezuela, Fundación Museos Nacionales-Museo de Arte Contemporáneo de Caracas , y Museum of Latinoamerican Arts (MOLA), Los Ángeles, EEUU.

La obra reciente de James Mathison podrá ser apreciada del 14 de noviembre al 30 de enero de 2016, en la Galería Espacio Cinco, ubicada en la avenida Carabobo, cruce con calle La Ceiba, Casa 141-10, urbanización La Viña, Valencia, Estado Carabobo. El horario de exhibición es de martes a viernes 10 a.m. a 1 p.m. y 3 a 6 p.m., sábados de 11 a.m. a 4 p.m. La entrada es libre.

La Galería OKYO, en su 25° aniversario, participará con la artista María Fernanda Lairet en Lima Photo 2015 y será la única galería venezolana en asistir a esta importante feria internacional de fotografía, que se realizará del 12 al 16 de agosto en Perú, donde participarán también galerías de Argentina, Francia, Bolivia, Canadá, Cuba, Chile, España, Uruguay y Perú.

Esta feria que se realiza desde 2010 en el Centro de la Imagen del Perú a fin de apoyar la fotografía contemporánea y promover el coleccionismo, se ha convertido en uno de los eventos culturales más concurridos y prestigiosos de la región.

Además de mostrar nuevas miradas y permitir a los asistentes descubrir a los grandes artistas visuales, Lima Photo organiza programas paralelos, como conferencias, presentaciones de libros, revisiones de portafolio y concursos; incluyendo el Premio Repsol Lima Photo cuya premiación es uno de los momentos más esperados de la feria.

En esta sexta edición de la feria Lima Photo, la Galería OKYO participará con una muestra de 18 obras de la artista visual y fotógrafa venezolana María Fernanda Lairet, que refleja la percepción de la artista durante su visita a El Salar de Uyuni (Bolivia), el mayor desierto de sal del mundo, valorado por ser uno de los lugares más puros y limpios del planeta y declarado como la Primera Maravilla Natural del Mundo por la revista Rough Redes, explica Eduardo Planchart Licea en el texto de presentación de las obras.

“No se conformó María Fernanda Lairet con atrapar los ciclos y la esencia del Salar en sus situaciones primigenias, sino que las reflejó y las intervino interpretando su alma. Así nacen los performances realizados como fragmentos, mosaicos más allá de cualquier espacio y tiempo que nos enfrenta al origen del existir”, afirma Planchart.

Nacida en Caracas, María Fernanda Lairet ha exhibido su obra en diversos museos y galerías de Venezuela y de otros países como Estados Unidos, China, Holanda y Rusia, además ha participado en ferias internacionales de arte como: Arte Cartagena Colombia. Bienal de Miami. Bienal del Sur Panamá. Art Palm BeachMiami Florida USA; ETNIA Bélgica, Luxemburgo, Liege, Nivelles y Tournai; Feria MIA, Miami Florida; Feria de Arte en Shanghái. Subasta de Base Saint; FeriaPINTA en Londres y NY; Individual en el Pabellón de Arte Latinoamericano de Shanghái; FIA Caracas; Subasta Fundana y FIAAM Maracaibo, entre otras.

Asimismo, Lairet resultó ganadora del XII Salón de Artes Visuales Dycvensa con su Fotografía tomada en India –Varanasi titulada “Escenas Eternizadas”, asimismo recibió el 1er premio del salón Caracas Venezuela y el Contemporary art Projects ArtBasel Miami Week, edición 2014 con su obra Narrativas Globales “LairetCosmic”.

Con información de Galería OKYO.

En esta imagen tomada el 1 de julio de 2015, un visitante fotografía lo que ahora se conoce como la Cúpula de la Bomba Atómica en Hiroshima, en el oeste de Japón. El 6 de agosto de 1945, un avión estounidense lanzó una bomba atómica sobre Hiroshima, la primera bomba atómica lanzada en una guerra.

En esta imagen, tomada el 8 de septiembre de 1945, dos personas caminan por una senda entre los escombros provocados por la explosión de la primera bomba atómica en Hiroshina, en el oeste de Japón.

En esta imagen tomada el 4 de julio de 2015, dos personas caminan bajo la lluvia cerca de la zona cero en la explosión de la bomba atómica en 1945, cerca de lo que ahora se conoce como la Cúpula de la Bomba Atómica en Hiroshima, en el oeste de Japón.

En esta imagen tomada el 6 de julio de 2015, un cruce de carreteras visto desde un elevador en unos grandes almacenes de Hiroshima, en el oeste de Japón.

En esta imagen, tomada el 5 de julio de 2015, un hombre consulta un mapa callejero en un cruce cerca de lo que se conoce como la Cúpula de la Bomba Atómica en Hiroshima, en el oeste de Japón.

En esta imagen, tomada el 5 de julio de 2015, una mujer pasea en bicicleta a unos 2 kms (1,2 millas) al norte de lo que ahora se conoce como la Cúpula de la Bomba Atómica en Hiroshima, en el oeste de Japón.

En esta imagen, tomada el 8 de septiembre de 1945, solo un puñado de edificios se mantiene en pie en medio de los restos de Hiroshima, la ciudad japonesa reducida a escombros por la primera bomba lanzada nunca en una guerra.

En esta imagen, tomada el 5 de julio de 2015, un hombre espera en un cruce a unos 2 kms (1,2 millas) al noroeste de lo que ahora se conoce como la Cúpula de la Bomba Atómica en Hiroshima, en el oeste de Japón.

En esta imagen, tomada el 4 de julio de 2015, un hombre descansa cerca de lo que ahora se conoce como la Cúpula de la Bomba Atómica en Hiroshima, en el oeste de Japón.

En esta imagen, tomada el 3 de julio de 2015, un gato callejero descansa en lo que se conoce como la Cúpula de la Bomba Atómica en Hiroshima, en el oeste de Japón.

En esta imagen, tomada el 3 de julio de 2015, lo que ahora se conoce como la Cúpula de la Bomba Atómica vista durante el atardecer en Hiroshima, en el oeste de Japón.

En esta imagen, tomada el 4 de julio de 2015, visitantes caminan bajo la lluvia cerca de lo que ahora se conoce como la Cúpula de la Bomba Atómica en Hiroshima, en el oeste de Japón.

El venezolano Oscar B. Castillo ganó el segundo lugar en el concurso fotográfico del PoyLatam, una organización sin fines de lucro que celebra «la excelencia en la fotografía documental y artística de Iberoamérica». El reportero gráfico realizó una galería que expone la realidad política y social en Venezuela: inseguridad, pobreza, política y sociedad.

El primer lugar del premio fue para el reportero gráfico James Rodríguez

Según la página web del PoyLatam, el concurso fotográfico Poylatam (Pictures of the Year) fue creado por en 1933 por la Escuela de Periodismo de la Universidad de Columbia, Estados Unidos. Es uno de los concursos periodísticos más reconocidos en el tema de fotoperiodismo. 

Redacción Runrunes

Rayma quiere cerrar este 2014 con broche de tinta. Un buen cierre. Por eso su más reciente exposición «Vade Retro» inaugura este sábado 6 de diciembre en la galería Utopía 19 de El Hatillo. «Esta expo es política, reflexiva y dolorosa… pero también tiene humor», cuenta, a un día de «subir el telón».

Es la primera vez que la artista plástica sale al ruedo luego de su sonado divorcio de El Universal, el centenario periódico venezolano que decidió despedirla luego de publicar una caricatura que se viralizó enseguida y que muestra el estado terminal de la salud en Venezuela, en código médico. Junto con la salida de opinadores es la baja más sensible del diario luego de haber sido comprado en oscuras condiciones. «El Universal es como un exmarido y ahora yo vengo renovada», suelta con sorna.

Al humorista Laureano Márquez le toca la presentación y ella advierte que habrá sorpresas y un performance que invita a ver a partir de las 6 pm.

¿Un adelanto? La ingeniosa letanía que acompaña la ocasión es un homenaje a los que nos hacen reír y pensar: «Aquiles Nazoa, ten piedad… José Ignacio Cabrujas, ten piedad… Leoncio Martínez, ten piedad (…) Santo lápiz Mongol para que podamos seguir haciendo de la vida un acto de humor, te rogamos nos concedas para esta celebración convertir la hoja en pan y la tinta en vino, por Quino nuestro señor. Amén. Rayma Suprani».